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Paul Graham en Galería Elba Benítez

Paul Graham en Galería Elba Benítez

La blancura de la ballena

diciembre 82017

Hasta el 27.05.2018
La exposición reúne tres trabajos del artista Paul Graham (Reino Unido, 1956) realizados en los Estados Unidos entre 1998 y 2011: American Night (Noche americana), 1998-2002; a shimmer of possibility (El destello de una posibilidad), 2004-2006; y The Present (El presente), 2009-2011. Estas tres series fotográficas muestran un interés común por analizar la desigualdad racial y de clases, reflejar el tejido social contemporáneo y examinar, a un tiempo, la naturaleza de la vista y de la percepción, así como el propio medio fotográfico.
El título, que hace referencia a uno de los capítulos de Moby-Dick (1851) de Herman Melville, sugiere la ceguera del ser humano y la idea de que la persecución obsesiva de algo puede llevar a la destrucción. Esa ceguera, debida a una creencia determinada y que no permite ver lo que sucede en la propia sociedad, está en la base de la metáfora que Graham utiliza para esta exposición.
American Night, el primer trabajo que realizó el artista en Estados Unidos, es una crónica de sus primeras impresiones acerca del país y sus diferencias socioeconómicas. En esta serie, Graham combina imágenes sobreexpuestas, figuras casi desvanecidas en inhóspitas zonas suburbanas e imágenes oscuras de personas sin hogar en contraste con otras de mansiones y coches de colores vibrantes en diversas ciudades americanas. Con este juego de superposiciones —luz, oscuridad y color— el artista muestra la invisibilidad de los desposeídos y la división de clases latente en la América de principios de siglo.
a shimmer of possibility recoge escenas de la vida cotidiana a través de un viaje por Estados Unidos y se presenta como un mosaico de imágenes que habla del medio fotográfico como un proceso de observación, movimiento y pensamiento siguiendo el estilo de Chéjov, que recogía en sus cuentos descripciones simples de momentos cotidianos. En algunas secuencias las escenas son tan íntimas que las imágenes muestran, casi de manera clínica, la privación personal o social.
En The Present, Graham continúa en cierto modo la tradición de la street photography y la estela del “instante decisivo” con imágenes de la ciudad de Nueva York. Estos disparos con encuadres ligeramente diferentes, que se formalizan en secuencias de dos o tres imágenes de una misma escena, separadas por una breve fracción de tiempo, refuerzan su visión de esos momentos fugaces como parte fundamental de la vida en la ciudad.
Graham ha reconocido la conexión de los tres proyectos que se recogen en The Whiteness of the Whale con los principales controles de la cámara fotográfica: la apertura, que ajusta la luz, el obturador, que controla el tiempo, y el enfoque, que centra la atención. Sus fotografías no hablan, en consecuencia, únicamente de América: hablan del tiempo, de la luz y de la consciencia, es decir, del hecho mismo de fotografiar.
Paul Graham es internacionalmente conocido desde su primer trabajo publicado A1 – The Great North Road (1981-1982), y es una referencia en la fotografía documental británica. Desde el año 2002 vive y trabaja en Estados Unidos. Sus obras han sido expuestas en las instituciones artísticas más importantes como el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York o la Tate Gallery de Londres. Ha publicado numerosos libros de los que cabe destacar End of an Age (Final de una era) (Scalo, 1998) o Does Yellow Run Forever? (¿El amarillo funciona para siempre?) (Mack, 2014), así como el libro que acompaña este proyecto, también publicado por Mack The Whiteness of the Whale del año 2015.
Las imágenes de las obras son cortesía Paul Graham; Pace/MacGil Gallery, New York; Carlier Gebauer, Berlin; Anthony Reynolds Gallery, London, Colección Per Amor a l’Art y Pier 24 Collection.

San Lorenzo, 11. 28004 Madrid
+34 91 308 0468
info@elbabenitez.com
www.elbabenitez.com

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Garraza en Combustión Espontánea
diciembre 82017

Hasta el 12 de enero de 2018

El poder, la capacidad de ejercer un domino sobre alguno o varios individuos, ha sido utilizado a lo largo de los siglos por parte de dirigentes, políticos, soberanos y dictadores. A la hora de manifestar este poder y hacerlo visible, éstos se han regido por diferentes cánones de representación.
En la antigüedad clásica, grandes mandatarios tomaron como medio la escultura para ser representados, elevando así su poder a la calidad de dioses. Este patrón ha sido empleado hasta mediados del siglo XX por diversos personajes con el afán de dignifcar, realzar su fgura y demostrar ante el mundo su supremacía.
Con la llegada de las vanguardias y la autonomía del arte se produce una ruptura con el gusto clásico, basada en la evolución y descubrimiento de nuevos soportes y técnicas. Algunos dirigentes comenzaron a utilizar el concepto moderno de propaganda como medio de representación con el objetivo de adoctrinar mentes y glorifcar su imagen.
En la actualidad, los líderespolíticos se han centrado más en la divulgación de su imagen a través de los medios de comunicación contemporáneos, haciendo prevalecer el cuarto poder, término que defne el uso de los mismos como herramienta para infuenciar a la sociedad.
‘Mi intención a la hora de plantear este proyecto es analizar las relaciones entre arte y poder a lo largo de la historia, desplegando una cronología visual de imágenes que muestre al espectador como el arte ha trabajado siempre bajo la sombra del poder político. Esta estrecha relación de las artes plásticas con el poder y la propaganda parece ser una constante hasta comienzos del siglo XX, cuando las vanguardias artísticas erosionan esta unión en nombre de la autonomía del arte. Este proceso de ruptura con los intereses de los aparatos de poder ha demostrado ser, no obstante, una quimera. Hoy en día el concepto de propaganda ha mutado en formas más sofsticadas, pero todavía completamente funcionales.’
La exposición POWER se centra en el estudio de la coalición entre arte y poder. Kepa Garraza inmortaliza a modo estatuario infuyentes personajes que han sido las bases de la evolución histórica y cultural del mundo, dejándonos ver como el poder y el arte, en cualquiera de sus formatos, siempre han estado unidos.

Galería Combustión Espontánea
C/ Amaniel 20, Bajo B. 28015
Madrid.
910396145
www.combustionespontanea-art.com

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LINE GULSETT en camara oscura
diciembre 82017

Hasta el 3 de febrero de 2018

Un rápido y vibrante flujo de imágenes casi inmaterial pasa por delante de nuestros ojos. Proporciona una comodidad momentánea, o al menos una distracción, pero se convierte en algo perturbador cuando cada una de esas imágenes son revisitadas en nuestra memoria. Pequeñas pero significativas huellas son añadidas de forma continua a los procesos neuronales que definen nuestra memoria. Todos ellos juntos pueden crear una repulsiva superficialidad experimentada como una masa homogénea de impresiones virtuales. Leves representaciones de materia flotan en un reino virtual sin comienzo ni final. Carentes de pasado, presente o futuro. El mundo digitalizado puede verse como un indeseado caos de unas casi idénticas entidades comportándose como partículas brownianas en un espacio casi sin límites. Esta exposición describe un entorno contemporáneo que parece especialmente hostil para aquellos que intentan crear con la pintura una impresión más duradera sobre el lienzo.

En su trabajo, Line intenta subrayar aquellos momentos de una importancia formativa para el crecimiento de una identidad singular. Los juegos intuitivos de los niños y las interacciones lúdicas son puestas en comparación con la compleja desconexión social que es a menudo parte de la madurez. Ella también se aventura en la memoria de la infancia, incluyendo la angustia y los deseos de pertenencia, pero también la lucha por una cierta independencia de carácter casi heroico. Describe la forma en que el recuerdo de un periodo especialmente frágil en tu vida siempre se ve alterado por un determinado estado de conciencia. Line intenta pintar la manera en que sentimientos de alta intensidad pueden distorsionar la misma experiencia espacio-temporal. Estos pensamientos toman forma en cautivadores lienzos en los que la abstracción formal y las referencias a la historia del arte comparten un espacio pictórico con niños que corren y con los típicos atributos de juegos como la rayuela, la comba, y la natación.

camara oscura galeria de arte
T./F. 91 429 17 34
c/ Alameda, 16, 1º B
28014 Madrid

Line Gulsett_Fresco 3_camara oscura

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Farkas en Galería Alarcón Criado
diciembre 82017

24 Noviembre, 2017 -25 Enero, 2018

La galería Alarcón Criado presenta la segunda exposición individual del artista DÉNES FARKAS (Budapest, Hungría, 1974 ). La muestra se titula “La noche vuelve a ser noche”. Esta exposición es continuación de un cuerpo de trabajo iniciado en el año 2017, que pudo verse en la individual del Contemporary Art Museum of Estonia (EKKM) titulada “ How-tocalm-yourself-after-seeing-a-dead-body Techniques”, con curaduría de Ingrid Ruudi.

Ambos proyectos están inspirados en la novela “An Unneccessary woman” traducido al español cómo “La mujer de papel”, del escritor libanés-estadounidense Rabih Alameddine. Contando con la complicidad del escritor, Dénes Farkas extrae fragmentos y cita con literalidad pasajes de esa novela en sus obras, por medio de páginas mecanografiadas y locuciones de voz. Farkas utiliza citas del libro de Alameddine, en diálogo con material visual fotografiado en diferentes bancos de semilla que el artista ha visitado para el desarrollo de este proyecto: La Bóveda Global de Semillas en Svalbard, Nowray, en el banco de semillas del Centro Internacional de Investigación Agrícola en las Áreas Secas (ICARDA) en Terbol, Líbano, y el NIVavilov Instituto de Recursos Fitogenéticos en San Petersburgo, Rusia. Todas estas instituciones han sido establecidas para preservar la biodiversidad y garantizar la seguridad alimentaria mundial.

Tanto las inspiraciones visuales como textuales de las obras se refieren a alimento para el cuerpo y alimento para el pensamiento, procesos de adaptación en un intento de mantener la normalidad en condiciones de inseguridad; pero también revelan el engaño, la fragilidad y la contingencia del sentimiento temporal de seguridad. Al mismo tiempo, el sentimiento preapocalíptico de prepararse para las dificultades futuras no conocidas y el enfoque científico de los bancos de semillas contrasta con el lugar común del horror de los conflictos reales; la elocuencia de la retórica global contrasta con la pragmática de las acciones cotidianas. En “La noche vuelve a ser noche” las relaciones entre texto e imagen se encardinan en un discurso sobre la casualidad de la tragedia, la historia que se repite y la inutilidad de la ambición humana.

ALARCON CRIADO. C/Velarde nº9 40001. Sevilla. España.
www.alarconcriado.com.
info@alarconcriado.com.
+34 954 221 613
 
How-to-calm-yourself-after-seeing-a-dead-body Techniques, 2017. Exhibition view, EKKM (Tallin) The Beirut image1500x2000mm digital pr

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Marta Barrenechea en Rafael Pérez Hernando
diciembre 82017

Hasta el 27 de enero de 2018

“En una casa en mitad del campo, junto a una huerta abandonada, vive Marta Barrenechea. A unos cientos de metros, se planta hierática y solemne, una montaña de granito. La pintora arrendó ese lugar para vivir en la falda de esa montaña sagrada, que observa con ensimismamiento todos los días del año. Cuando la visitas, y te invita a una taza de té, siempre te cede su sitio, para que uno pueda contemplar a través de la ventana esa mole mágica.
Descubrí sus telas y sus dibujos complementarios en una exposición que realizó en la galería de Ángel Romero de Madrid hace más de diez años. Allí me dije que, si alguna vez Marta se quedaba sin un lugar donde exponer, nosotros la acogeríamos. Su trabajo tenía algo de naif y de profundo, de sencillo, y de constante al mismo tiempo; marcado con un sello personal, propio y continuo.
Segunda individual de Marta en la galería. Esta vez sus obras se han cerrado más, su producción es más concreta y definida. Utiliza unas pequeñas formas que repite, y que en ocasiones borda con dificultad y esfuerzo en el centro del lienzo, para luego ir pintando alrededor de manera concéntrica, elementos que no podemos decir que sean geométricos. Alrededor de ese pequeño “lazo”, “maceta”, o fragmento de una “manta”, girará la composición. Al final, cuando llega a los bordes del cuadro, siempre lo “enmarcará” pintando sobre la propia tela un listón de madera que hace de marco, a modo de trompe-l’œil.
Marta es partidaria de mostrar grupos de obras juntas, pegadas las unas a las otras. No hemos compartido esta visión. Sus piezas individuales, tienen una vida propia de la que carecen en grupo. O al menos eso nos parece.
En esta ocasión, y creemos que de forma acertada, va a utilizar bastidores de madera para tensar sus telas. Éstas forman un conjunto de pequeños altares primitivos y festivos, donde alguna vez uno puede desear poner flores a sus seres queridos.
Así pues, les presentamos esta muestra de Marta Barrenechea con un estilo singular, propio, indefinible para mí. Totémico, religioso, pagano, y que sin saber cómo, sus trabajos se hacen muy apetecibles de tener en casa, para poder contemplarlos emanando su misterio”.

Rafael Pérez Hernando

Galería Rafael Pérez Hernando
Orellana, 18 – 28004 Madrid
Info@phart.net / www.rphart.net

1. Marta Barrenechea. ADÁN, 2017. Óleo y bordado sobre lino. 54x81 cm

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Vicken Parsons en Ivorypress
diciembre 82017

Hasta el 27 de enero de 2018

Ivorypress presenta la primera exposición individual en España de la artista británica Vicken Parsons, conocida principalmente por sus pinturas de pequeño formato de espacios arquitectónicos y paisajes.

Bajo el título On Reflection, la exposición mostrará las pinturas y esculturas más recientes de la artista. Al estar realizadas con finas capas de pintura sobre paneles gruesos de madera contrachapada, las obras tienen una cualidad tridimensional y matérica.

“Los cuadros de Vicken Parsons son poemas visuales”, dice Rachel Spence en la introducción del catálogo publicado por Ivorypress con motivo de la exposición. “Delicados, minúsculos, comedidos; juegan con el ritmo pero mantienen una estructura interna estricta. Retienen la claridad para abrir el camino hacia una luz más duradera. Nuestra mirada se agudiza para observarlas, así como nuestro oído se acelera para captar la música de la poesía. Entrevemos. Nos acercamos más. Nos detenemos. La pintura como una coma en el tiempo, ocupando el espacio.”

La exposición, abierta hasta el 27 de enero de 2018, estará formada por unas cuarenta obras.
Vicken Parsons (Hertfordshire, 1957) estudió en la Slade School of Fine Art. Vive y trabaja en Londres. La artista ha tenido exposiciones individuales en Tate St Ives, Cornwall (Reino Unido); Kettle’s Yard, Cambridge (Reino Unido); New Art Centre, Roche Court, Salisbury (Reino Unido); Alan Cristea Gallery, Londres (Reino Unido); Christine Koenig Gallery, Vienna, (Austria); y Kristof de Clerq Gallery, Gante (Bélgica). También ha participado en exposiciones colectivas en Whitechapel Gallery, Londres (Reino Unido); Foundling Museum, Londres (Reino Unido); Österreichische Galerie Belvedere, Viena, (Austria); Turner Contemporary, Margate (Reino Unido); Tate Modern, Londres (Reino Unido); la Royal Academy, London (Reino Unido); ICA, Londres (Reino Unido); Southampton City Art Gallery, (Reino Unido) y Kunsthalle Mannheim (Alemania). Su obra forma parte de varias colecciones públicas, entre ellas las de la Tate, la colección de arte del gobierno del Reino Unido, Belvedere Museum Collection, Arts Council Collection y la Scottish National Gallery of Modern Art.

Ivorypress
T: +34 91 449 09 61
C/ Comandante Zorita 48 • Madrid, 28020 • Spain

ivory

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Okaritz en Ca2m

Okaritz en Ca2m

Desplazamientos personales

octubre 242017

El trabajo de Itziar Okariz (San Sebastián, 1965) se plantea como una articulación de acciones y dispositivos que amplifican el territorio de lo performativo y alteran el signo mediante una serie de repeticiones y diferencias que van del cuerpo a la voz, pasando por las interferencias en el espacio público y las variaciones respecto al lenguaje.

Las acciones de Okariz proponen una serie de desplazamientos que van de lo personal a lo público, mediante estrategias que apuntan hacia una estructura, la repiten y diferencian.

Al 21 de enero de 2018

Ca2m
Tel. 91 276 02 21
ca2m@madrid.org
Avda Constitución 23, 28931
Móstoles, Madrid
Cercanías: C5, Metro: L12 Pradillo

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Miquel Wert en Anquin, s

Miquel Wert en Anquin, s

Mise en scène

octubre 242017

Mise en scène

Exposición: Del 20 de octubre al 9 de diciembre de 2017

Miquel Wert (Barcelona, 1982) realiza su segunda exposición individual en la Galería de Arte Anquin’s.
Ganador del primer premio Internacional de dibujo de la Fundación Ynglada-güilota, el año 2016, el artista se
consolida como uno de los valores más sólidos de la galería. En los últimos años su trayectoria se torna
internacional con la participación en Ferias Europeas y exposiciones en galerías de Francia y Alemania. Por otra
parte, Miquel Wert es un referente en el creciente mundo del Street Art y estamos a punto de confirmar que
realizará un gran mural en la ciudad de Reus. En motivo de la exposición, se ha editado un catálogo de la
exposición con textos del historiador del arte Xavier de Luca y del gestor cultural Rafael Doctor Roncero, que está a
disposición en la galería.
Respecto al pensamiento que se puede encontrar detrás de sus creaciones el mismo artista nos cuenta:
“Nunca he escondido la influencia que el teatro, el cine y la fotografía han ejercido sobre mi obra. En estos
últimos años he conseguido aislar la constante que ha movido mi interés hacia estas disciplinas (primas hermanas
de la pintura). Sin lugar a dudas lo que me interesa de ellas es la teatralización que hacen de lo cotidiano: la
construcción de nuevas realidades.
Del mismo modo, a lo largo de la historia, el ser humano ha visto condicionada su existencia y ha querido
reflejarse en esta realidad perfecta (pero ficticia) que veía reflejada en piezas teatrales, por películas y fotografías
publicitarias. Estas han contribuido a crear unos cánones adoptados y idealizados por todas las familias … es con
este imaginario colectivo con el que trabajo desde hace más de una década.
El término francés “Mise en scène” que da título a esta exposición, se puede traducir literalmente como
“puesta en escena” y según la definición de André Antoine (considerado en Francia como primer “metteur en
scène”) se refiere a «el arte de levantar sobre los escenarios la acción y los personajes imaginados por el
dramaturgo». En sentido amplio, se puede hablar de puesta en escena para subrayar el aspecto de un evento que
no es espontáneo (pero no por ello deja de ser desgarrado o cargado de verdad).
A partir de una veintena de piezas (carboncillos, acrílicos y óleos sobre tela o madera), he querido rendir
homenaje a estas disciplinas que tanto me han marcado, hasta tal punto que a veces me haya podido sentir más
cercano al rol de director de escena que al de pintor o dibujante. Son ventanas abiertas a momentos familiares,
construidos y deconstruidos, reales o impostados, cercanos ya la vez extraños.
El encuadre de las obras es tratado a la manera de una escenografía, poblada por actores anónimos que
interpretan ante las cortinas de un teatro imaginario. A menudo, estos actores provienen de documentos que he
heredado o son fruto de una ardua selección en varios archivos. En la puesta en escena de estas imágenes
(comunes e intemporales) intento reconstruir un pasado reciente que poco a poco se va desvaneciendo de nuestra
memoria, enlazando cuestiones genealógicas personales con una experiencia colectiva compartida.
El uso contemporáneo de evidencias y rastros documentales, ofrece una nueva dimensión y vida en la
imagen. Me gusta interpretarlo como un regalo … Y, de esta misma manera, compartirlo con el espectador. ”

Galeria d’Art Anquin’s C. Campoamor, 2 43202 Reus TEL. 977 312 759 / 666 674 996 www.anquins.com

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La exposición Chant Avedissian. Un levantino camino del este es la primera muestra que se realiza en España con carácter retrospectivo sobre este artista fundamental en el panorama del arte contemporáneo del mundo árabe.

Chant Avedissian nació en El Cairo en 1951. De origen armenio, creció en el Egipto de mediados del siglo XX, significativamente marcado por el entorno social, político y cultural de la era del presidente Nasser. Esta doble identidad, sumada a sus estudios en París y Montreal, constituye la materia prima vital que influyó al artista para interesarse por la identidad de los pueblos, sus tradiciones y sus culturas. A su regreso a la ciudad de El Cairo a principios de los 90 tras sus años de formación en occidente, Avedissian trabajó junto al arquitecto Hassan Fathy (Egipto, 1900-1989) durante una década que sería determinante en su vida y en su producción artística y durante la cual compartió con el afamado autor de Arquitectura para los pobres una profunda fascinación por los materiales “simples” y las artesanías, elementos que caracterizarán desde entonces su obra.

Empapado en esta amalgama de influencias, Avedissian comenzó a crear una obra polifacética, a la vez local y global, sencilla y compleja. Su obra combina elementos ornamentales y arquitectónicos con una gran multiplicidad de iconos y figuras del Antiguo Egipto, y de otras muchas civilizaciones y culturas que se han dado a lo largo de la Ruta de la Seda. Desde mediados de los años 70, Avedissian ha venido construyendo un archivo visual que reinterpreta patrones e imágenes del arte y la artesanía creados hace más de 3.500 años, desde el levante hacia el este.

El proceso de descomposición y posterior reconstrucción de la imagen, así como la reutilización de lo existente en sus obras en madera, textil o gouache sobre cartón corrugado, constituyen una metáfora formal y conceptual de la construcción y a la vez permanente mutación de las civilizaciones a lo largo de los siglos, dando lugar a una obra paradójica en la cual Avedissian nos habla a la vez de lo que nos distingue y de lo que nos asemeja. Su obra se fundamenta y bebe del trabajo de numerosas personas, de diferentes lugares a lo largo de milenios, que el artista descubrió durante sus viajes, y que siempre le llevaron de nuevo a las mismas formas elementales, colores y diseños. La obra de Chant Avedissian sintetiza los colores y patrones geométricos que se repiten a lo largo de la Ruta de la Seda. Esta recolección y selección de imágenes y símbolos por parte del artista ha conformado un archivo iconográfico del oriente que alimenta su discurso visual sobre la permeabilidad de las culturas. El artista, casi sin ser consciente, ha construido una suerte de propaganda específica para el “Gran Oriente”, un término que podría haber acuñado el propio Avedissian.

La muestra Chant Avedissian: un levantino camino del Este propone un recorrido a través de su práctica artística como una invitación a una inevitable relectura de la historia de una zona geográfica indefinida y porosa que se extiende desde el Magreb hasta las mesetas de la China occidental.

hello@sabrinaamrani.com | +34 627 539 884 | Calle Madera 23. 28004 Madrid, Spain www.sabrinaamrani.com

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Alejandra Freymann en Artnueve

Alejandra Freymann en Artnueve

Inspiraciones literarias

octubre 242017

‘Centro de gravedad’ es el nuevo proyecto, su cuarta exposición en Artnueve, que la artista Alejandra Freymann (Xalapa, México, 1983) ha preparado para la galería. Esta exposición se plantea como un desarrollo de las líneas de investigación de trabajos anteriores, si bien ahonda en esta ocasión en el carácter simbólico de los elementos del paisaje: el interior de los volcanes, la presencia del azufre, el fondo de los océanos. Las entrañas de la Tierra se imponen a las historias domésticas. Una búsqueda del origen o del eje de gravedad que puede articular el caos.
Freymann ha inventado un código personal que escapa de la literalidad, de la narración simplificada, ayudándose de los menores recursos, y aquí los expone de manera sincera. Es en el ámbito del enigma, de las múltiples interpretaciones, donde el espectador podrá encauzar una lectura abierta y libre, llena de índices, trayectorias y caminos.
Sobre su obra, el comisario David Barro, dice: “De inspiración literaria, la obra de Alejandra Freymann se vale de la pintura y el dibujo para generar singulares atmósferas donde lo figurativo y lo abstracto conviven en calibrada tensión”.
Alejandra Freymann es una de las artistas jóvenes más importantes con proyección internacional. Su trabajo ha podido verse en las ferias de arte más importantes del mundo, Basel Suiza, Maco México,Untitled Miami, Basel Miami… Su obra se ha podido ver en diferentes instituciones y está presente en numerosas colecciones como:
Deutsche Bank, London.
Fundación Antonio Pérez, Cuenca, España
Fundación Cajasol, Sevilla, España
Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, Las Palmas de Gran Canaria, España
Torre Espacio, Madrid.
Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria.

Galería Art Nueve
C/ Dr.Tapia Sanz, 1.
Murcia, Murcia 30008
Spain

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2 de noviembre de 2017 – 27 de enero de 2018

El 2 de noviembre Ivorypress presentará el libro de artista Tummelplatz, de William Kentridge. El libro, publicado en una edición de nueve ejemplares (más cuatro horas de commerce y tres pruebas de artista) consta de dos volúmenes, cada uno de los cuales contiene diez fotograbados estereoscópicos realizados por el artista.
Tummelplatz surgió del deseo de realizar, de la manera más analógica posible, un libro pop-up de rea- lidad virtual que jugase tanto con las tres dimensiones como con el formato esencialmente plano del papel y del libro. El artista utilizó la fotografía estereoscópica para crear una ilusión de profundidad en las imágenes, de modo que las diferentes capas parecen acercarse al espectador desde el libro.
El proyecto se realizó mediante procesos de fotografía estereoscópica del siglo XIX como la impresión por fotograbado, mediante la cual se reprodujeron las fotografías. El formato del libro está inspirado en las fotografías aéreas estereoscópicas utilizadas históricamente por los cartógrafos.
La realización de cada imagen estereoscópica siguió un singular proceso. Para cada imagen, Kentridge hacía un dibujo tridimensional en su estudio con carbón de leña, fijando en sus paredes imágenes de horizontes lejanos, paisajes y elementos distantes de los mismos. Después dibujaba primeros planos, objetos y textos y los disponía sobre una mesa frente a la pared. Finalmente el artista tomaba un par de fotografías estereoscópicas de cada uno de los paisajes, y estas posteriormente se convirtieron en fotograbados por Randy Hemminghaus (Brodsky Center, Rutgers, Universidad Estatal de Nueva Jersey) utilizando la técnica del gelatinobromuro sensible a la luz, aplicado a una placa de cobre y grabado en diferentes concentraciones de ácidos para lograr la rica escala de grises característica de esta técnica.
Estos dibujos tridimensionales se realizaron durante un período de aproximadamente dos años. De las cuarenta imágenes realizadas se seleccionaron veinte, las cuales conforman el doble volumen de Tummelplatz. Paralelamente a la realización de las imágenes y de los fotograbados se llevó a cabo la labor de buscar el papel, la encuadernación y el mecanismo adecuado para el libro.
La editora Elena Ochoa Foster, que ha trabajado en el proyecto en estrecha colaboración con Kentridge a lo largo de los últimos cinco años, dijo: “Este título me lleva de nuevo a mis veinte años de profesión como investigadora de las áreas clínicas y experimentales de la mente humana. La palabra Tummelplatz suena, por supuesto, freudiana y se relaciona con el espacio o el cuarto escondido donde se genera la asociación libre; el universo donde habitan los pensamientos y los actos inesperados, y el espacio creativo (y a veces incluso caótico) donde nuestra actividad cerebral (áreas secretas/ salas, dentro y fuera de uno mismo) pinta paisajes. Tummelplatz plasma el estudio de Kentridge en este momento preciso, y seguirá teniendo una vida en el libro”.
Hasta el 27 de enero de 2018, Ivorypress acogerá una exposición en la que se mostrarán varios de los volúmenes del libro, publicados por Ivorypress.
Tummelplatz es parte de una larga lista de libros de reconocidos artistas que han sido publicados por Ivorypress desde sus comienzos en 1996. William Kentridge se suma así a la lista de artistas con quienes Elena Ochoa Foster, fundadora y directora de Ivorypress, ha trabajado anteriormente, como Richard Long, Anthony Caro, Anish Kapoor, Francis Bacon, Isamu Noguchi, Cai Guo-Qiang, Richard Tuttle, Ai Weiwei y Olafur Eliasson, entre otros.
Estos libros de artista forman parte de colecciones institucionales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Victoria and Albert Museum de Londres, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Fundación Serralves en Oporto y distintas colecciones privadas.

Calle del Aviador Comandante Zorita, 46-48, 28020 Madrid
www.ivorypress.com/es/

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DIWAP CELEBRA SU 5º ANIVERSARIO CON ANTONYO MAREST
octubre 242017

Del 19 de Octubre de 2017, al 20 de Enero de 2018.

Con su estilo único que aúna el arte urbano y el académico, el diseño y la abstracción, la geometría y el color, la línea y el plano, Antonyo Marest llega a Diwap Gallery.
En “La arquitectura de los flamencos”, la primera exposición del artista en Andalucía, Marest da un paso más allá e integra una serie de elementos que se acercan al pop, extraídos de una perspectiva icónica y simbólica sobre la Expo’92. Sin dejar atrás el late motiv de su obra, la representación de la esencia más contemporánea del Mediterráneo, Antonyo Marest nos sorprende con nuevos significados ligados al imaginario colectivo, llevando a cabo un contraste entre la positividad de los colores utilizados y la añoranza de ciertas referencias figurativas.

Calle Feria 40, Sevilla, 41003 Sevilla
Teléfono: 667 26 58 96

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“400 ISO” por Spok Brillor en Galería Kreisler
septiembre 172017

Hasta el 3 de octubre

Primera exposición individual de Spok Brillor, en la Galería Kreisler de Madrid.

Con “400 ISO”, Spok Brillor llega a la Galería Kreisler- tras una trayectoria que comienza en los años 90, en los que ser convirtió en uno de los máximos referentes de la escena del graffiti nacional; y que a día de hoy, tras muchos metros de pared pintados a sus espaldas, compatibiliza con trabajos de galería y nuevos soportes.

“Mi obra es fruto de una agitada trayectoria, un poliedro de múltiples aristas. A menudo hago uso del lenguaje figurativo, otras del abstracto; pero siempre manteniendo lo fantástico, el humor y la ironía. Tanto mis murales como mis pinturas son producto de un diálogo interno con el espacio urbano y la nostalgia por el graffiti primigenio”, comenta el propio Spok.

Spok Brillor (Madrid, 1978), como todo buen pintor, es también un buen mentiroso, ya que toda pintura se basa en una maniobra de simulación: ocultar la verdad mostrando lo falso. Estas estrategias que revuelven conceptos tales como representación, realidad, documento o ficción están también presentes en la práctica fotográfica, especialmente en el incesable flujo de imágenes digitales que definen nuestro presente. La democratización de la fotografía ha generado una serie de cánones totalmente nuevos en el mundo de la imagen; incluso ha puesto patas arriba los antiguos, aquellos que hundían sus raíces en la pintura como el único lenguaje de representación que se ocupaba de “lo visual”, desde el Paleolítico hasta el nacimiento oficial del daguerrotipo en 1839. Es curioso que unas de las primeras imágenes experimentales tomadas por Louis Daguerre fuera una titulada El taller del artista fechada en 1837.

En la obra de Spok confluyen muchos de estos asuntos, basándose ésta en dos dicotomías perfectamente definidas: Pintura vs. fotografía y taller vs. calle. Su intachable bagaje como escritor de graffiti ha esculpido un lenguaje plástico y conceptual que empuja su obra en múltiples direcciones, pero todas ellas apuntan hacia un lugar común: la ciudad y su erótica oculta. Una metrópolis ficticia y universal que esconde recovecos y experiencias sombrías pero que trata de definirse a través de reflejos y flashes. En todas sus pinturas hay un strip-tease iconográfico que contemplamos con cierta confusión; ya que, a pesar de la ultradefinición de sus obras, existen en ellas un gran porcentaje de ideas veladas, escondidas tras las cegadoras luces de lo artificial. Podríamos decir que su obra cumple las funciones de un espejo, pero a diferencia de esos artilugios que nos devuelven un reflejo fugaz, las imágenes de Spok retienen con alevosía muchas de las propiedades poéticas de la luz, sobre todo aquellas relacionadas con la opacidad y la transparencia.

En la exposición titulada 400 ISO el artista despliega gran parte de las experiencias visuales que supone patear la ciudad con el único objetivo de dejarse seducir por sus espectros, corpóreos e imaginarios; una práctica hedonista en la que el artista es el único confidente de estas “alucinaciones” que la ciudad ofrece, pero que ninguna cámara fotográfica puede captar. Es sólo a través del material pictórico donde podemos apreciar el paisaje como una entidad fantasmagórica, cargada de quimeras y delirios que se escapan del alcance de nuestra retina.

Existe en sus cuadros una idiosincrasia en la que rebotan espejismos propios de la pintura de Johannes Vermeer o Edward Hopper, pero a diferencia de estos, en las escenas y paisajes de Spok se respira un silencio ácido que está a punto de derretirse y huir por algún viscoso respiradero del metro.De una manera u otra los cuadros de Spok son portales hacia un laberinto de espejos, esas superficies caprichosas que nos muestran la realidad según nos conviene pero que si, en un acto de narcisismo, disparamos sobre ellas la luz de nuestro flash la realidad se convertirá en un fantasma, un fantasma a través del cual sólo su pintura nos incita a caminar.

Daniel Muñoz

Galería Kreisler (Hermosilla 8, Madrid)

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Claude Viallat en Rafael Pérez Hernando
septiembre 172017

Hasta el 25 noviembre 2017

El nombre Supports-Surfaces surgirá en la exposición colectiva de septiembre de 1970 en el Museo de Arte Moderno de la Villa de París. De todos los creadores que participaron en ella, sin duda Claude Viallat ha sido y sigue siendo el protagonista decisivo y más influyente.
Este grupo de artistas del sur de Francia, a menudo unidos por lazos de amistad, tiene una breve existencia (1969 – 1972) y constituye la última vanguardia del siglo XX en Francia. Se trata de un movimiento con entidad propia, al igual que el arte minimal o el arte conceptual, que va a dar lugar a una abundante producción de textos teóricos que contribuirán a la transformación del pensamiento y de la creación de finales del XX, no sólo en el campo del arte, sino también en la filosofía y en la literatura. A finales de los años 60, el grupo Supports-Surfaces no solamente pone en tela de juicio la pintura, sino que revisa también los componentes del cuadro, como el bastidor o la tela. Claude Viallat utilizará telas sin bastidor, y va a sustituir el lienzo por tejidos corrientes, como sábanas, estores, tela de sombrillas o incluso de tiendas de campaña. En ocasiones, también trabaja la superficie por las dos caras mediante un proceso de impregnación y de plegado.
Después de cincuenta años, Viallat sigue con su peculiar estilo, trabaja con las mismas composiciones rítmicas que permiten a cualquier aficionado que reconozca su obra, pero, ¿qué es lo queda de los años de Supports-Surfaces en la actualidad en la obra de sus protagonistas? Según Bernard Ceysson, queda el halo de los momentos más brillantes y más intensos de la vida intelectual de la post-guerra, el recuerdo de creer que todo podía cambiar (después de la II Guerra Mundial). Nos queda hoy en esas obras la experiencia de sentir la Belleza, aunque les pese a sus autores, una Belleza, según André Breton, convulsa, perturbadora, agresiva y, sin embargo, decorativa, que nos muestra la absoluta simplicidad de la Forma.

Galería Rafael Pérez Hernando
Orellana , 18 – 28004 Madrid
www.rphart.net / info@rphart.net

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Juan López en Matadero

Juan López en Matadero

Los Afijos es una intervención site specific

septiembre 172017

Hasta el 8 de enero de 2018

Los Afijos es una intervención site specific que ha realizado Juan López (Cantabria, 1979) para el programa Abierto x Obras, que tiene lugar en la antigua cámara frigorífica del que fue el matadero de Legazpi. La propuesta del artista plantea una intervención escultórica sobre la arquitectura como forma de resistencia contra lo establecido.

Los afijos son secuencias lingüísticas que se anteponen, se posponen o se insertan en una palabra para modificar su significado. Esta intervención, realizada específicamente para el programa Abierto x Obras de Matadero Madrid, trabaja con la relación entre escritura y arquitectura, entre signo y significado, entre escultura y collage. En un mundo hipercomunicado, poblado de signos creados por una élite intelectual y/o social, López juega con la posibilidad de alumbrar nuevos significados, nuevos espacios y otros regímenes de lo sensible, a partir de la creación de renovados signos, que además componen otros espacios. Así pues, se resignifica el discurso a la vez que se resignifica la arquitectura y por tanto nuestra manera de relacionarnos en este espacio.

Juan López busca desde el inicio de su carrera desvelar otros modos de percibir el lugar como hipótesis para otras relaciones sociales fuera de la normatividad impuesta por el poder. En su obra, y mediante el recurso de la metáfora, quiebra y recompone los vínculos entre estos tres elementos: ciudad, subjetividad y poder. Ha expuesto en numerosas galerías, centros de arte, ferias y museos nacionales e internacionales como La Casa Encendida, MUSAC, Centro de Arte Laboral, Fundación Joan Miró, La Panera, O.K. Centrum Tokyo Wonder Site o Den Frie.

Abierto x Obras, en Matadero Madrid, es un programa de intervenciones site specific que invita a artistas a realizar una pieza de nueva producción incentivando el carácter experimental de la creación contemporánea a través de planteamientos que exploran la relación entre el arte y el lugar que lo acoge, la antigua cámara frigorífica del Matadero.

MATADERO MADRID
Legazpi 8, Madrid 28045
www.mataderomadrid.org
info@mataderomadrid.org

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Ángel Alonso en Michel Soskine Inc.

Ángel Alonso en Michel Soskine Inc.

Veinte años después del fallecimiento del artista en París, su obra reaparece con toda su fuerza y radicalidad

septiembre 172017

Michel Soskine inaugura la temporada artística de Apertura 2017 con la segunda exposición de Ángel Alonso (1923 Laredo – París 1994) en Madrid. Exiliado en Francia desde 1947, hombre de carácter fuerte y de pintura contundente, amigo inseparable de María Zambrano, ha sido en ocasiones olvidado por la historia del arte español. Veinte años después del fallecimiento del artista en París, su obra reaparece con toda su fuerza y radicalidad. En palabras del historiador del arte Francisco Jarauta, “Alonso domina la materia y la técnica que él mismo se ha dado y con las cuales consigue corporeizar los colores que más le obsesionan”.

La exposición estará compuesta por una selección de obras, especialmente de los años sesenta a los noventa, periodo en que el artista alcanza su estilo más depurado. En sus últimos años, tras una etapa en la que trabaja casi sobre el blanco y negro –con series como Desastres, 1991–, se vuelve a entregar al color “lo que da como resultado unas poderosas telas en verde, amarillo, naranja y blanco de sus últimos años”, explica el escritor Juan Carlos Marset al hablar de la obra de Alonso. La exposición está dividida en dos salas; en una de ellas se exponen obras compuestas exclusivamente en blanco y negro y en la otra, se reúnen obras con el color como protagonista.

Ángel Alonso utiliza el color y lo trabaja desde la textura. “Los colores son obstinados, hacen abrir los ojos de par en par”, afirmaba el pintor. Sus tonos exceden los límites del lienzo y se mezclan con la materia, con la tierra, la madera, las piedras y los objetos que el artista introduce en las obras. “El color sobrepasa el lienzo, desborda los marcos, borra o no tiene en cuenta los soportes”, detalla Marset.

Dentro del último periodo de Alonso, en ocasiones a través de cuadros en pequeño formato, “la textura se purifica al máximo y la capa de color se vuelve porosa y sutil”. El artista no abandona su investigación constante sobre la materia y la técnica en la búsqueda de lo esencial en la pintura que le había acompañado en toda su trayectoria. En este sentido destacan sus dos últimas series, una en negro sobre madera y otra en negro sobre blanco que para Marset representan “la conclusión de su obra”.

Hombre de carácter fuerte, temperamental y solitario, siempre quiso mantenerse alejado del mercado del arte e incluso renunció en 1952 a exponer sus obras en la prestigiosa galería parisina Jeanne Bucher. Este rechazo ha mantenido su trabajo fuera del circuito comercial, manteniéndose solo con el apoyo de coleccionistas seleccionados.

Ángel Alonso (1923, Laredo – 1994, París) llegó a Francia a finales de los años 40. Previamente, entre 1938 y 1939, había sido detenido, encarcelado y condenado a muerte. Su familia presentó una petición de indulto que fue aceptada y regresó a casa, pero unos meses más tarde fue de nuevo detenido por deserción, al no haber completado el servicio militar obligatorio. Fue deportado a la isla de Fuerteventura pero logró escapar y, tras un periodo de clandestinidad, es cuando logra cruzar la frontera francesa en 1947. Nunca volverá a España.

Al llegar a París se integra en un grupo de pintores, escritores, críticos y galeristas muy activos en aquella etapa. Entabla amistad con Vieira da Silva, Árpád Szenes y sobre todo Pierre Tal-Coat y Nicolas de Staël con los que se lanza a la investigación sobre la esencia de la textura y el color, a partir de la influencia de Matisse.
En 1950 las autoridades francesas amenazan con extraditarle a España, tras haber sido declarado fugitivo por Franco, pero un grupo liderado por el poeta Francis Ponge logra evitarlo gracias a un comité de apoyo compuesto, entre otros, por Michel Leiris, Henri Calet y Pierre Descargues. Es en esa misma época cuando conoce a María Zambrano y entabla con ella una estrecha amistad que les uniría toda la vida.

El exilio de Ángel Alonso y su rechazo al mercado hicieron que su obra fuese apenas expuesta en España, hasta que en 1996 se celebra la exposición retrospectiva Ángel Alonso (1923-1994) en la Fundación Marcelino Botín (Santander, agosto-septiembre de 1996), que después itineraría al Instituto Cervantes (París, octubre de 1996) y al Círculo de Bellas Artes (Madrid, enero de 1997). Dos años más tarde se llevaría a cabo una exposición en la Galería René Metras en Barcelona y, desde entonces, su obra no ha sido expuesta en España hasta hoy, dos décadas después de su fallecimiento.

En 2009 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) adquirió un gran número de sus obras, mientras que el Ministerio de Cultura se convirtió en depositario de sus archivos (escritos, correspondencia, documentos), teniendo como objetivo la futura creación de una fundación en Cantabria. Entre 2013 y 2014 su obra ha sido objeto de una gran muestra retrospectiva en el museo de L’Ar[T]señal de Dreux (Francia).

General Castaños 9. 28004
Madrid. Spain (+34) 91 431 06 03
michelsoskineinc@gmail.com
www.soskine.com

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Cristina Lucas en Alcalá 31

Cristina Lucas en Alcalá 31

Manchas en el silencio

septiembre 172017

Hasta el 5 de noviembre

La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid presenta la exposición “Manchas en el silencio” de Cristina Lucas, una reflexión cuyos ejes generales son la historia, el tiempo y la memoria, materializada a través de instalaciones y vídeoproyecciones que ahondan en conceptos como el uso del arte como medio de investigación histórica, la poesía conceptual o la fascinación por el tiempo.

La exposición, comisariada por Gerardo Mosquera, incluye obras de gran formato y se articula en torno a la vídeo-investigación-instalación El rayo que no cesa, una obra en proceso de creación que construye un relato histórico de algunos ataques aéreos que han provocado víctimas civiles, desde 1912 hasta la actualidad. La pieza se va construyendo desde la investigación, un proceso en el que han participado los asistentes al taller de Madrid 45 (Programa de artes visuales de la Comunidad de Madrid) que Cristina Lucas impartió el pasado abril, así como un grupo de estudiantes de la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense de Madrid. A esta investigación también pueden contribuir los visitantes de la exposición.
“El rayo que no cesa” se entrelaza con una serie de piezas en las que la historia y el tiempo están siempre presentes: Tufting, derivada de la anterior y realizada ex profeso para la muestra, reflexiona sobre la violencia contra objetivos civiles; Piper Prometeo, un vídeo en el que un avión hace volar la fórmula física que hizo posible la aviación, y Clockwise, una gran instalación con 360 relojes que acerca al espectador a una experiencia física del tiempo.

La exposición, que coincide con la conmemoración del octogésimo aniversario de la tragedia de Guernica, podrá visitarse hasta el 5 de noviembre, con acceso gratuito.
Cristina Lucas (Jaén, 1973) es una artista multidisciplinar cuya obra se plantea como un cuestionamiento de lo establecido en el que lo político y lo estético tienen un doble valor, tanto artístico como de denuncia. Ha expuesto en museos como el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, el MUDAM de Luxemburgo o el OK Center for Contemporary Art de Linz. Ha recibido el Premio de cultura Comunidad de Madrid en 2017 en la categoría de Artes Plásticas.

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Din Matamoro en Combustión Espontánea

Din Matamoro en Combustión Espontánea

Entrar. Contemplar. Percibir. Observar. Descubrir. Mover. Vibrar. Iluminar. Transparentar. Materializar. Imaginar. Reflejar. Dibujar. Salir.

septiembre 172017

Hasta el 10 de noviembre

Sólo contemplando, luchando con la mirada incompleta de la época que nos rodea, podremos adentrarnos en la propia esencia de los dibujos de Din Matamoro, pinturas que aparecen y desaparecen entre veladuras y veladuras, como si de dibujar el aire se tratase, reflejan su interés en la percepción óptica y las respuestas psicológicas que produce la contemplación del arte, investigación desarrollada recientemente bajo nombre de neuroestética, cuya búsqueda se centra en el enfoque científico dentro de la percepción visual, analizando las intuiciones, respuestas y reacciones de nuestra mente ante el hecho de observar una obra de arte.

En sus obras podemos descubrir un constante movimiento, una vibración creciente que traspasa la barrera de lo físico viajando entre lo tangible e intangible. No existe un concepto de obra final, sino que unas llevan a otras, en un camino constante hacia la búsqueda de la luz -punto clave en las investigaciones ópticas desarrolladas por Matamoro-, una luz difusa y translúcida, con un halo de transparencia. Así pues, la mirada traspasa la pieza sin rebotar en la misma, perdiéndose en una especie de niebla de color, en donde brotan matices y reflejos.

Din Matamoro materializa en cada una de sus obras las imágenes que nuestra mente genera, así pues, los sentimientos, los pensamientos, la imaginación, esas manchas que percibimos en nuestro cerebro, se reflejan en sus lienzos y papeles, viajando desde una calculada técnica abstracta hasta la representación digital de imágenes mentales descubiertas en cuerpos anodinos descontextualizados que nos remiten a la esencia primaria del arte.

C/ Amaniel, 20, 28015 Madrid

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Melanie Smith en La Caja Negra

Melanie Smith en La Caja Negra

En la exposición se presenta una nueva edición gráfica, vinculada con las pinturas sobre fragmentos de Brueghel el Viejo y El Bosco

septiembre 172017

El trabajo reciente de Melanie Smith abre un diálogo amplio y complejo con la historia del arte en el que canaliza la tradición de la pintura flamenca a través de la reinterpretación de varias obras de Pieter Brueghel el Viejo y de El Bosco.

En la exposición en La Caja Negra presenta una serie de pinturas que recrean detalles y fragmentos de cuadros emblemáticos de estos artistas, en los que la reconstrucción parcial de las imágenes da lugar al tiempo a revelaciones y ocultaciones de sentido. Los complejos cuadros flamencos, se presentan aquí como intrincados sistemas inacabados que todavía tienen mucho que revelarnos sobre las políticas del cuerpo y de la representación en la sociedad actual.

El diálogo con este momento concreto de la historia de la representación encuentra quizá su momento más radical en la serie de tableaux vivants que conformó el proyecto Obscuridades Bucólicas, presentado en La Tallera en Cuernavaca (México) este año. En ese proyecto Smith reactiva las obras de ambos pintores flamencos con actores que van construyendo la escena mientras 9 cámaras de seguridad graban la acción. La exposición en La Caja Negra incluye una serie de fotografías de estas acciones que dan cuenta de la complejidad de la acción y de la manera en que Smith va tejiendo las relaciones entre la imagen fija, la imagen en movimiento y la acción.

En la exposición se presenta una nueva edición gráfica, vinculada con las pinturas sobre fragmentos de Brueghel el Viejo y El Bosco. Se trata de una serie de ocho obras para las que se ha desarrollado una técnica especial de impresión con pigmentos naturales sobre capas de gesso.

Galería La Caja Negra
Fernando VI, 17 – 2º Izq
28004 Madrid
T. + 34 91 310 43 60
E. info@lacajanegra.com

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Hasta el 25 de noviembre

Para Les saisons de mon coeur, Andrianomearisoa tomó prestado el título de un poema incluido en el libro Petals del escritor, poeta y crítico malgache Élie-Charles Abraham, un activista de la nostalgia ciertamente resentido con su exilio cuando escribió este libro de poemas en 1940, dividido en las estaciones del año. Esta recopilación de poemas, interesantemente escritos en francés después de la descolonización de Madagascar, evoca con nostalgia el viejo Antananarivo bajo la ocupación francesa en poemas que hablan de seducción y sentimentalidad. En sus textos Abraham retrata la luz como pétalos de flores, delicados y siempre cambiantes con las estaciones, reactivos a la oscuridad y al tiempo.

Andrianomearisoa, que recientemente ha cumplido 40 años, tomó este punto de partida para concebir una exposición muy personal que trasciende posturas autobiográficas y habla del ciclo de la vida y la muerte que se renueva con las estaciones cambiantes: sobre luz, oscuridad y tiempo.

Joël Andrianomearisoa nació en Antananarivo (Madagascar) en 1977. Vive y trabaja entre Antananarivo y Paris. Sus exposiciones individuales más recientes incluyen La Bibliothèque Sentimentale en Les abattoirs – FRAC Midi-Pyrénées en Toulouse (Francia); Va et Vient en La Naïade Péniche VNF, en el Canal du Midi, Toulouse – Béziers – Toulouse (Francia); Le la tour du monde invadiendo la cúpula de la Galerie des Galeries Haussmann en Paris (Francia); A l’horizon de mes jours troubles en las vitrinas de las Galleries Lafayette en Toulouse (Francia); The labyrinth of passions, en el Mykolas Žilinskas Art Museum en Kaunas (Lituania) y la Dak’Art. Biennale d’Art Africain Contemporain 2016, en Dakar (Senegal).

Las exposiciones colectivas más recientes de Andrianomearisoa incluyen Autour du nouveau réalisme – Les Dadas des Daniel comisariada por Annabelle Tenenze en Les abattoirs – FRAC Midi-Pyrénées en Toulouse (Francia); Afriques Capitales en La Villette, Paris (Francia) y Vers le cap de bonne esperance en Gare Saint Sauveur en Lille (Francia), ambas comisariadas por Simon Njami; The White Hunter, comisariada por Marco Scotini en Frigoriferi Milanesi Art Center For Contemporary Art en Milán (Italia); 100% Afriques en La Villette, Paris (Francia) y Essentiel paysage en Al Madeen Art Gallery en Marrakech (Marruecos), entre otras.

El trabajo de Andrianomearisoa ha sido recientement adquirido por el Zeitz MOCAA (Sudáfrica), y su obra es parte de colecciones públicas como el National Museum of African Art – Smithsonian Institution (E.E.U.U.), Studio Museum Harlem (E.E.U.U.), Sindika Dokolo Fondation (Angola) y el Fond Régional d’Art Contemporain – Frac La Réunion (Francia), entre otros. Fue galardonado con el IV Premio Audemars Piguet ARCOmadrid en 2016.

hello@sabrinaamrani.com | +34 627 539 884 | Calle Madera 23. 28004 Madrid, Spain www.sabrinaamrani.com

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Por tercer año consecutivo, BAU, Centro Universitario de Diseño de Barcelona organiza el BAU Design Forum, las jornadas interdisciplinares de diseño y comunicación con conferencias y mesas redondas.
¿Cómo puede el diseño integrar la necesidad de transformación del mundo presente con el cuidado de los ecosistemas sobre los que opera? ¿Cómo puede enfrentarse, al mismo tiempo, a la urgencia de las preguntas y a la complejidad de las respuestas?
Los participantes de BAU Design Forum 2017 son Rafa Martínez de Folch Studio, Laia Miret de PlayGround, CarrySomers de Fashion Revolution, Joan Miquel Gual de La Borda, Miguel Mesa del Castillo, Virginia Tassinari, Vermibus de OpenWalls Gallery, Mercè Rua de Holón y Elisabeth Lorenzi. En la edición de este año se reflexionará y debatirá sobre las implicaciones sociales, políticas y ambientales de cualquier acto de diseño, entendido como un acto de transformación del mundo en el que vivimos.
BAU Design Forum nace con la voluntad de ser un punto de encuentro y reflexión en torno al diseño en su dimensión multidisciplinaria. Se trata de un evento destinado a todas aquellas personas -estudiantes, alumni, docentes, profesionales e investigadores- interesadas en explorar los nuevos horizontes éticos, sociales y políticos del diseño contemporáneo.

BAU, Centro Universitario del Diseño de Barcelona
(c/ Pujades, 118 edificio A, Barcelona)

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Marta Lafuente en Galería Anquin, s
septiembre 172017

Hasta el 18 de octubre de 2017

MARTA LAFUENTE, artista que realiza su primera individual en la galería mostrará 290 dibujos de movimientos de danza y otras actividades físicas realizados por mujeres.
Además se podrá observar el vídeo de animación LA BOITE realizado por Marta Lafuente con 290 dibujos de movimientos de danza. El vídeo se presentó en el Festival de Videodanza de Palma en la Fundación Miró y quiere ser un pequeño homenaje al mundo de la danza combinando diferentes formas de arte como la pintura, el dibujo y la animación.

Galeria d’Art Anquin’s C. Campoamor, 2 43202 Reus
TEL. 977 312 759 / 666 674 996 www.anquins.com

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Hotel x Hotel: Tributo a Kippenberger

Hotel x Hotel: Tributo a Kippenberger

Los hoteles siempre han sido un símbolo para los artistas

septiembre 172017

Hasta el 30 de septiembre
Los hoteles siempre han sido un símbolo para los artistas. Símbolo de paso, de encuentros, de huidas. De noches locas y noches desesperadas. Parte quizá, de experiencias fundamentales en nuestra vida y nuestro trabajo.
Martin Kippenberger lo sabía muy bien. Y por eso construyó entre los años 1985 y 1996 una especie de diario sobre hojas de los diferentes hoteles donde se hospedó por los avatares locos de su vida. Esos dibujos autobiográficos, realizados sobre las hojas con el anagrama de los hoteles, a veces bocetos de obras que llevaría a cabo posteriormente, otras solamente el pequeño intervalo de tiempo de una espera o una noche en vela, nos van guiando por su vida y nos hablan de sus alegrías y sus tristezas.

Ahora, en estos tiempos digitales, en los que casi ningún hotel tiene papelería clásica, con sus hojas de carta y sus sobres, he propuesto a cincuenta y ocho artistas que intervengan hojas timbradas de los diferentes hoteles de Málaga y que a su vez hagamos un pequeño homenaje a Kippenberger y su vida en hoteles.

Las hojas, hoy en día, son pdfs que nos han mandado los hoteles, pues como he dicho, la gran mayoría de ellos lo tienen todo digitalizado. A los artistas se les ha dado libertad absoluta de intervenir la hoja como quieran. Dibujo, collage, fotocopia, grabado, etc….

HOTEL X HOTEL se creó dentro de las actividades culturales paralelas de Art & Breakfast en su tercera edición en Málaga, donde se produjo para el Museo Carmen Thyssen de Málaga. Ahora se presenta en formato exposición para nuestro espacio de la calle Valverde en Madrid. Junto a la obra de los artistas seleccionados podremos disfrutar de una pieza original de Martin Kippenberger prestada por la coleccionista Mima Betancor.
Artistas

Pedro Alarcón / Line Arión / Jesús Arnau / José Bonell / Iván Buenader / María Carbonell / Jorge Cruz / Javi al Cuadrado / José María Escalona / Juan Fernández Álava / Miguel Ángel Fúnez / Juanjo Fuentes / Óscar Fuster / Cyro García / Miguel G. León / Roberto González Fernández / Máximo González / Pol Gorezje / Secundino Hernández / Susana Ibáñez / Pablo J. Rodríguez / Rafael Jiménez / José Jurado / Gala Knörr Sierra / Diego Lara / Yann Leto / Silvia Lermo / Dante Litvak / Iván Lozano / Patricia Mateo / Iván Javier / Mari Aranda / Juan Carlos Martínez / Concha Martínez Barreto / Borja Martínez Cebrián / Julio Más / Paco y Manolo / José Medina Galeote / Jonathan Notario / Felipe Ortega-Regalado / Kiko Pérez / Antonio R. Montesinos / Martín Supercolores / Diego de los Reyes / María José Ribas / Florencia Rojas / Fabro Román Tranchida / Verónica Ruth Frías / Bran Solo / Elia Tomás / Ramón Tormes / Josep Tornero / David Trullo / Vicky Uslé / José Antonio Vallejo / Lola Zoido Trujillo
Guillermo Martín Comisario

FACTORÍA DE ARTE Y DESARROLLO
c/ Valverde 23; 28004 Madrid

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Allison Schulnik en la Galería Javier López & Fer Francés

Allison Schulnik en la Galería Javier López & Fer Francés

densas capas de óleo que traslucen una sensualidad visceral

septiembre 172017

Hasta noviembre de 2017

La Galería Javier López & Fer Francés inaugura la temporada expositiva con la primera muestra individual en nuestro país de la artista californiana Allison Schulnik (San Diego, 1978). En Nest, esta creadora afincada en Los Ángeles presenta una selección de trabajos recientes en uno de sus proyectos más personales hasta la fecha. A través de una docena de pinturas de distinto formato, obras sobre papel, cerámicas y su primera edición en bronce, Schulnik hace un viaje a sus raíces familiares sin abandonar los personajes que han poblado su universo creativo único en la última década como pueden ser los unicornios, los centauros femeninos, los felinos – ya sean gatos salvajes o linces – y las flores en naturalezas muertas de cargado contenido simbólico. Estos motivos aparentemente ordinarios encierran una lectura subversiva sobre temas como la muerte, el sexo, la vulnerabilidad, la angustia, la libertad, la identidad y la soledad.

En palabras de la propia artista: “Esta exposición se compone de obra inspirada por mi reciente reunión familiar en Escocia en el verano de 2016. La anterior reunión había sido 26 años antes, un viaje que dejó una huella imborrable en mi joven espíritu y un anhelo de volver. Toda mi familia, tanto jóvenes como mayores, caminó a través de varios kilómetros de húmedo musgo virgen y terreno cubierto por áspera turba hasta llegar a una zona muy apartada en las Tierras Altas de Escocia. Tras cruzarnos con pequeños arroyos, saltos de agua y docenas de esqueletos de ovejas, ciervos y alces, finalmente llegamos al Nido, un sencillo refugio de piedra que mi tatarabuelo levantó ignorando la siniestra oscuridad de las aguas esmeraldas del lago Fannich. El Nido, minúsculo de manera inconcebible, con el tiempo fue hogar de trece niños, que desde entonces se han diseminado en un numeroso árbol familiar por todo el mundo. Hace 26 años, el Nido se mantenía robusto, orgulloso y humilde como siempre. Esta vez, desgraciadamente sólo quedaban unos restos chamuscados de su antigua gloria tras un misterioso incendio que lo había devuelto a la tierra de la que había sido construido. Para muchos de los miembros más mayores de la familia, éste sería con seguridad su último viaje a este lugar mágico. Mi exposición se llama Nest”.

Las pinturas de Schulnik se caracterizan por estar cargadas de materia, formadas por densas capas de óleo que traslucen una sensualidad visceral y al mismo tiempo una fragilidad entre trágica y grotesca, siniestramente familiar. Entre sus influencias cabe destacar el cine, se inspira en los mundos de fantasía de la animación clásica, y las artes escénicas (danza, teatro). Los personajes de su mitología personal están sacados de su imaginación, pero también parte de fuentes autobiográficas, con preferencia por los marginados e inadaptados, lo que le lleva a dignificar lo mundano tanto en sus retratos como en las naturalezas muertas y los paisajes que suponen alegorías del miedo y la tristeza.

Javier López & Fer Francés
c/ Guecho, 12 B. La Florida.
E-28023 Madrid
Tlf: 34 91 593 21 84
info@javierlopezferfrances.com
www.javierlopezferfrances.com

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ENMASCARADOS de Tresguerres. Ateneo de Madrid. Exposición de fotografía
septiembre 172017

Hasta el 30 de septiembre de 2017 en el Ateneo de Madrid.

La muestra creada por el polifacético artista Javier Tresguerres está compuesta por 53 fotografías de cuerpos desnudos que, sin embargo, ocultan sus rostros con extrañas máscaras y artefactos que, en ocasiones, los asemejan a seres biomecánicos despojados de alma.
Completa y complementa esta exposición, el libro de fotografía “Enmascarados” editado con casi 160 fotos y numerosos bocetos e imágenes de los procesos creativos.

Su autor Javier Tresguerres es un creador polifacético. Realizador, guionista y fotógrafo, presenta con “Enmascarados” un trabajo artístico de 8 años que el espectador puede reconstruir desde su origen a través de los dibujos y bocetos previos de las obras, el modelado y la construcción de accesorios y máscaras que, en su mayoría, ha ideado y construido él mismo (varias de ellas junto con el artista y colaborador Ramón Carretero) con materiales reciclados que toman forma a través de la imaginación del autor en un camino tortuoso que parte desde cero hacia la construcción de las simbólicas y a veces, agresivas e impactantes fotografías que culminan el proceso creativo.

La mentira como base del lenguaje social, la soledad, el juego de las apariencias, el sexo mecanizado, la violencia, son los mensajes ocultos tras los cuerpos y las máscaras que cobran protagonismo gracias a la luz, elemento fundamental de la composición, que muestra a los personajes emergiendo de la penumbra, casi como pinturas de Caravaggio, iluminadas cuidadosa e intencionadamente al estilo de los directores de fotografía del cine clásico, con un resultado expresionista y un estilo propio del surrealismo.

Para Javier Tresguerres, autor de “Enmascarados”, las máscaras tienen una función con dramáticas consecuencias.
“No hay duda de que todos nos ocultamos, ocultamos nuestro rostro, nuestra alma. Nuestra sociedad es capaz de desnudarse, de mostrar todo lo superficial, lo carnal, lo físico, para ocultar lo importante: nuestra forma de ser y sentir. Mediante las máscaras, cada colectivo se identifica con sus semejantes sociales y morales, pero esas máscaras se han convertido ahora en nuestros verdaderos rostros. Y detrás ya no hay nada. La máscara se ha fundido tanto con el rostro que esconde que está impidiéndole respirar. ¡Que trágica contradicción! Lo que nos oculta, nos mata. Es como si el tubo por el que expulsamos nuestro CO2 fuera realmente un circuito cerrado, una máscara de gas que nos asfixia.”

Y sin embargo, su creador no pretende que las máscaras que portan sus personajes sean solamente ocultación, sino también, inesperadamente, un modo de revelar, de sacar a la luz las contradicciones entre las que vivimos, entre las que ya no sabemos acaso vivir.
El autor quiere poner de manifiesto la asfixiante atmósfera que nos rodea, que nos influye solapadamente haciendo crecer en nuestros rostros esas máscaras horribles que finalmente nos consumen y nos devoran.

ATENEO DE MADRID | C/ Prado, 21 | 28014 Madrid
Tel.: 91 4291750 | http://www.ateneodemadrid.com

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HANS & FRITZ CONTEMPORARY presenta la exposición D’Ici à Ici, de TERE RECARENS
septiembre 172017

Hasta el 23 de noviembre de 2017

Su obra perfilada como un proceso de documentación de la propia vida, una colección de testimonios mínimos y accidentales donde resulta prácticamente imposible apreciar la frontera entre vida y arte.

Su trabajo aparece como un rastreo del amplio y ambiguo espectro que une y separa el hecho artístico del no artístico, bañado de una sensibilidad que habla del arte como algo chocante y divertido en el que la artista comparte sus vivencias – su vida – con el espectador, recuperando el romántico dualismo arte – vida. Más que de obras pues, conviene hablar de una actitud que no pretende aleccionar sino invitar al espectador a participar. Porque el juego y el trabajo in situ son constantes en el trabajo de una artista que combina investigación y espontaneidad.

Tere Recarens (Arbúcies, 1967) es una artista española que vive y trabaja en Berlín. Empezó a exponer sus trabajos durante la década de los años 1990. Trabajó como profesora invitada a la Ecole supérieure de Annecy, en Francia. Utiliza principalmente el vídeo, la fotografía y el dibujo. En 1998 entró como artista residente en MoMA- PS1 de Nueva York. Más recientemente formó parte de la exposición PUNK- Sus rastros en el arte contemporáneo en el Macba. Hay obra suya en el MACBA de Barcelona, entre muchas otras colecciones privadas y públicas.

HANS & FRITZ CONTEMPORARY
Carrer de San Gil 17
08001 Barcelona.
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Irene Solá en JosedelaFuente

Irene Solá en JosedelaFuente

The knot and the canoe

septiembre 172017

Hasta el 23 de septiembre de 2017

The knot and the canoe, es la exposición individual de Irene Solà en la que una serie de videos nos describen sus obras. El trabajo de Solà se basa en lo cinematográfico y la escritura, a través de los cuales investiga la comunicación, la representación, la intimidad y la narración.
La muestra recoge cuatro producciones de la artista a través de las que se aprecia la evolución del contenido y sus intereses más intrínsecos. Nos adentramos en el mundo narrativo de Solà partiendo de Melic (ombligo en catalán). Un video formado a partir de la selección de imágenes de archivo visual que entienden el cuerpo como habitáculo. Nos trasladamos desde el plano interior hasta Louis Garrel, una pieza de video con una fuerte carga emocional. Solà visualiza por primera vez en 2009 La Frontière de l’Aube, película que no le cautiva especialmente pero por la que es fascinada por el protagonista. Meses después de haber visto la película, comienza una relación con un chico que se asemeja mucho al intérprete, hasta que la relación tiene su fin. Años después, la artista pide a su ex compañero que reinterprete quince escenas de diez películas de Louis Garrel, haciendo un especial hincapié en la dicotomía entre la realidad y la ficción y la influencia de la representación cinematográfica en los imaginarios populares.
En Jerks Game, Solà entrelaza la intimidad y la confianza con el lenguaje y la comprensión. Una conversación en un sofá de un piso de estudiantes entre dos idiomas, Irene pide a su compañero de piso alemán que se sincere y le diga algo que nunca haya contado antes en su lengua materna, ella hace lo mismo, aunque no se entienden, eliminan conjuntamente el audio de la grabación. Continuando el juego entre realidad y ficción encontramos Blue car, ventanas iluminadas a través de las que se roban imágenes cotidianas para construir de nuevo la ficción, donde una pareja dentro de un coche azul juegan a reconstruir e inventar su relación a partir de lo que ven en ventanas ajenas.

Irene Solà es escritora y artista. Nacida en Malla (Barcelona) en 1990, actualmente vive y trabaja en Londres. Solà es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y por Listaháskóli Ísland en Reykjavik. Completa sus estudios con un Máster en Literatura, Cine y Cultura Visual en la Universidad de Sussex. Sus poesías han sido publicadas por Galerada Editorial y Shearsman Books, y aparecen en otras publicaciones como Poetari Magazine, VOLS RUSSOS Magazine y The Lighthouse Literary Journal. Ha leído y realizado performances en Whitechapel Gallery (Londres), Jerwood Art Centre (Londres), Poesia i+ (Barcelona), Festa de la Poesia (Sitges) y en el Festival de Poesia Cèntric (Barcelona) entre otros. Sus trabajos han sido expuestos en el CCCB (Barcelona), Can Felipa (Barcelona), Bòlit Centre d’Art Contemporani (Gerona), ACVIC (Vic), Le Beffroi (Francia) y The Art Building en Vrå (Dinamarca). Solà ha sido recientemente galardonada con la Beca de producción de La Capella, Barcelona (2017).

JosédelaFuente
C/ Daoiz y Velarde, 26. 39003 Santander (Spain)
Tel.: +34 942 313 745
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Kaprow y Trillo exponen en el CA2M

Kaprow y Trillo exponen en el CA2M

Protocolos para parejas

julio 22017

MIGUEL TRILLO. DOBLE EXPOSICIÓN

Miguel Trillo. Doble exposición revisita las dos primeras muestras individuales de Miguel Trillo, que tuvieron lugar en la Galería Ovidio (PopPurri. Dos años de música pop en Madrid) en 1982 y en la Sala Amadís (Fotocopias. Madrid-London) en 1983. El proyecto pretende reflexionar acerca de los displays que Trillo utilizó para mostrar sus trabajos, alejados de los modos más convencionales en que la fotografía se exponía en los escasos espacios que le daban cobijo a principios de los años ochenta.

ALLAN KAPROW. COMFORT ZONES. JUNIO 1975

En junio de 1975, Allan Kaprow realizó el happening Comfort Zones en la Galería Vandrés de Madrid.El acto consistió en ocho protocolos para parejas, mostrados en un momento en el que la expresión de la intimidad todavía permanecía coartada por un régimen autoritario. La exposición en el CA2M reconstruye, a partir de esta anécdota aparentemente menor, la historia del riesgo y la sincronización internacional del mercado del arte español, en un tiempo sociopolítico convulso.

Tel. 91 276 02 21
ca2m@madrid.org
Avda Constitución 23, 28931
Móstoles, Madrid
Cercanías: C5, Metro: L12 Pradillo

Miguel_TrillOx588

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BLIND DATE, organizada por Tania y Thomas Asbæk

07.07.17 – 17.09.17

La nueva exposición que acogerá el CCA Andratx a partir del día 7 de Julio. Muestra por primera vez en España la obra de dos de los artistas jóvenes más talentosos y con mayor proyección internacional de Dinamarca, Troels Sandegård y Absalon Kirkeby.
La exposición organizada específicamente para el CCA se ha planteado como una cita a ciegas, a la vieja usanza, entre ambos artistas y explorará las referencias y puntos comunes entre sus obras y realidades. Una cita a ciegas es un encuentro casual entre dos partes conjurada por una tercera. Ésta tercera parte imagina cómo será la unión y qué podrá surgir de ella. La cita a ciegas como tal es un concepto bastante desgastado, debido sobre todo a las plataformas online y a sus rápidos procesamientos y mecanismos visuales comparativos. Y puesto que las dos partes aun no se conocen visualmente, el papel de la tercera parte conlleva una carga de responsabilidad. Una cita a ciegas prospera en espacios sociales sencillos y abiertos.
Los artistas Troels Sandegård y Absalon Kirkeby no estaban familiarizados con las prácticas del otro, antes de este encuentro en el CCA Andratx. Y a diferencia de la cita a ciegas, cuya disposición suele ser breve e introductoria, esta exposición se concibe más bien como una convivencia dentro de un mismo espacio. En un momento en el que muchas de las formas de convivencia han expirado y han sido reemplazadas por una reorientación del yo social en constante evolución, incluso el atrevido y casi performativo encuentro en una cita a ciegas carece ya de significado y permanece en el olvido. Troels Sandegård y Absalon Kirkeby comparten una devoción común hacia sus propios medios, casi una obstinación por participar de sus propios procesos. La luz, el aire, la forma y la reflexión asumen diferentes roles en las múltiples capas de momentos, datos, píxeles, metales y minerales, ya que las imágenes y las esculturas se convierten en contenedores de la vida registrada. Hay una resonancia en la densidad de información almacenada en ambos cuerpos de trabajo.
Sandegård tiene un proceso preestablecido que debe seguir y a través del cual a menudo revela la presencia de algo invisible, traduciéndolo en algo físico. Una reproducción sintética de la transpiración de su propio cuerpo se manifiesta en paisajes minerales interactuando con la alquimia de los diferentes tipos de metales. También trabaja a partir de la huella de su respiración en un espacio cerrado, donde una masa negativa se hace visible al ser aspirado de un cubo de latón a diferentes intervalos, con el volumen equivalente a la cantidad de oxígeno que su propio cuerpo utiliza durante una hora, dejando una selección de diferentes etapas de colapsos. El proceso de Kirkeby captura las complejidades de la automatización de la observación, recopilándolas y transformándolas en una imagen. Sus investigaciones lo conducen a las raíces de la creación, construcción y recepción de imágenes. El trabajo expone la movilidad de las imágenes capturadas en la vida real hasta la pantalla; los motivos se disuelven en sus propios motivos, a través de un proceso de tamizado y clasificación en el que el artista compone numerosas capas de percepción usando el ordenador como una paleta para mezclar y diluir la información que ha obtenido la cámara. La obra se revela una vez ya impresa. Es en este momento cuando el artista decide si la obra está acabada o no, aunque siga continuamente en construcción.

Mientras Sandegård da forma al vacío, resaltando lo ausente, Kirkeby oculta y transforma lo presente en estratos de realidades. De este modo comparten un enfoque reductivo aunque al mismo tiempo acumulativo.

CCA ANDRATX • Tel. +34 971 137 770 • info@ccandratx.com • www.ccandratx.com

Absalon Kirkeby 8

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Pepe Dámaso en el CAAM
julio 22017

Hasta el 17 de septiembre de 2017

Esta gran muestra retrospectiva rinde homenaje a uno de los artistas contemporáneos destacados del siglo XX en Canarias. El proyecto reúne unas 150 obras representativas de más de seis décadas de su trayectoria artística. El Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) presenta la exposición retrospectiva ‘Pepe Dámaso’, dedicada a este destacado y prolífico creador, con la que el centro de arte y el Cabildo de Gran Canaria rinden homenaje a su figura y su amplia trayectoria de más de sesenta años de dedicación al arte. Es una muestra enmarcada en el compromiso del CAAM de producir proyectos expositivos que investigan y dan perspectiva histórica a figuras del arte actual en las Islas Canarias.

La exhibición, producida por el CAAM con la colaboración de JTI, se podrá visitar del 22 de junio al 17 de septiembre, en tres plantas del edificio principal del CAAM, en horario de martes a sábado de 10.00 a 21.00 horas y domingos de 10.00 a 14.00 horas, con entrada libre para todos los públicos.
Comisariada por Carmensa de la Hoz, la retrospectiva reúne unas 150 obras representativas del trabajo de Dámaso, -una decena de ellas inéditas-, seleccionadas de entre alrededor de las 6.000 piezas que componen el conjunto de su producción. Son obras procedentes en su mayoría de la colección del artista y de distintas instituciones públicas y coleccionistas privados.

ARTISTA ADMIRADO
José Dámaso Trujillo (Agaete, Gran Canaria, 1933) recibió en el año 1996 el Premio Canarias de Bellas Artes. Es un artista muy admirado y conocido por su apasionada personalidad y una generosidad que quedó patente en 2015, cuando anunció su deseo de donar todo su legado artístico “al pueblo canario”, por lo que el grueso de su obra pasará a formar parte de los fondos del Gobierno de Canarias.Dámaso ha exhibido su obra no solo en el contexto regional y nacional, sino también en ciudades de todo el mundo, como Dakar, Lisboa, Copenhague, Nueva York, París, Venecia, La Habana, Belgrado o Jerusalén, entre otras.

Con una estética muy singular, de resonancias surrealistas, donde figuración y abstracción se dan la mano, la obra de Dámaso ahonda en las raíces más profundas de la identidad canaria. El artista ha manifestado en reiteradas ocasiones que el Archipiélago y su huella prehispánica han sido siempre una de sus principales fuentes de inspiración, y el movimiento indigenista, la raíz de la que ha partido su obra.Con todo, la muerte es la temática que se refleja de forma permanente y casi obsesiva en buena parte de su producción. De hecho, el icono de la calavera se repite en el grueso de su trabajo, siempre desde una coherencia formal y conceptual. La tragedia, el sentido existencial de la vida y del destino del ser humano son elementos que están presentes en su universo creativo.

La literatura, su viaje continuo a través de ella, rindiendo homenaje a grandes escritores y pensadores de la literatura universal y de las Islas Canarias forma parte igualmente indisociable de su trabajo, desde su serie ‘La Umbría’ en homenaje a Alonso Quesada, pasando por Federico García Lorca, Bataille, Ramón Llul, Fernando Pessoa a Saramago, entre otros muchos autores.

CRONOLOGÍA DE SU OBRA
El proyecto incorpora una selección de retratos que Dámaso realizó en homenaje a autores célebres que han dejado huella en su vida y en su obra, como los escritores universales Fernando Pessoa, García Lorca, José Saramago, junto a los autores canarios César Manrique, Tomás Morales, Néstor de la Torre o Pedro Lezcano, entre otros,
Para finalizar el recorrido por su trabajo se muestran a modo de diálogo entre Pepe Dámaso y César Manrique, su “maestro y gran amigo del alma”, a partir de una obra de gran formato en homenaje a Manrique y un retrato de Dámaso creado por el propio César Manrique, junto al gran autorretrato ‘Crucifixión’, en el que la figura del pintor grancanario aparece sobre el centro de un lienzo de grandes dimensiones a modo de Cristo clavado en una cruz.
Con esta Crucifixión finaliza la retrospectiva sobre la trayectoria de este artista que, a sus 84 años, sigue trabajando en su casa del barrio costero de La Isleta, en Las Palmas de Gran Canaria, junto al Atlántico que ha sido una de sus fuentes de inspiración.

PATRIMONIO ARTÍSTICO
El patrimonio artístico de Pepe Dámaso está compuesto por unas 6.000 obras, de las cuales unos 3.250 son óleos, collages y obras de técnica mixta; aproximadamente 2.300 son dibujos, acuarelas y bocetos y 350 esculturas, objetos y maquetas.
Además, Dámaso posee una importante colección particular, con obras de Manrique, Chirino, Millares, etcétera, a la que hay que añadir un valioso archivo documental, que incluye un archivo fotográfico como más de 10.000 fotografías e imágenes.
El archivo cinematográfico incluye películas filmadas por él, documentales realizados sobre la vida y obra del artista, así como una importante colección de películas y documentales, algunos difíciles de encontrar en la actualidad.
A este conjunto hay que añadir un archivo epistolar, en el que destaca su correspondencia con César Manrique, y la biblioteca, que cuenta con miles de volúmenes.

CENTRO ATLÁNTICO DE ARTE MODERNO
C/ Los Balcones 9, 11 y 13. Vegueta.
Las Palmas de Gran Canaria. España
+34 928 311 800
Página web: www.caam.net

CAAM- Exposición de Pepe Dámaso

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Corrección en ALARCON CRIADO
junio 162017

Se podrá visitar hasta el 28 de julio.
Alarcón Criado clausura temporada con un proyecto individual del artista Bernardo Ortiz (Cali, 1972).
En la exposición titulada “Corrección ” se ponen en relación tres cuerpos de trabajo del artista. Por un lado un grupo de obras que el autor ha desarrollado durante su residencia en Volt, Noruega. Junto a este proyecto, se presenta de manera inédita una serie de obras realizadas en pastel, grafito y carboncillo sobre lino. Las telas constituyen un relato alusivo a la idea de tiempo, a la energía consumida para su concepción y realización. Unas impresiones sobre papel de algodón constituye el tercer capítulo de piezas de esta exposición, segunda individual de Bernardo Ortiz en la galería.
La exposición pone en relación tres cuerpos de trabajo del artista. Por un lado se muestra el grupo de obras que el autor ha desarrollado durante su residencia en Volt, Noruega. Junto a este proyecto, se presenta de manera inédita una serie de obras realizadas en pastel, grafito y carboncillo sobre lino. Las telas constituyen un relato alusivo a la idea de tiempo, a la energía consumida para su concepción y realización. Unas impresiones sobre papel de algodón constituye el tercer capítulo de piezas de esta exposición, segunda individual de Bernardo Ortiz en la galería.
Las impresiones son piezas que apelan a las ideas de obsolescencia e irreproductibilidad y parten, en este caso, de im-ágenes tomadas de la estática de las pantallas de televisión. Para la realización de este tipo de trabajos el artista emplea un programa de edición (TeX, desarrollado a finales de los años 70 por Donald Knuth) que genera arcaicas interpretaciones de las imágenes procesadas. A cada tono de la imagen el programa le asigna un valor alfanumérico, siendo la tabulación el tono de menor densidad y la “g” o el “8” las áreas más oscuras. Sobre la imagen/texto resultante, el artista interviene sutilmente con interferencias de textos como frases, fechas, lugares o citas literarias, que se filtran en la trama de caracteres, como si hubieran sido causadas por un virus informático.
Las piezas ejecutadas en Noruega son un ejercicio de la memoria, ya que se basan en los colores del paisaje que el artista ha contemplado, a lo largo de 6 días, en sus recorridos por los fiordos de Sognefjorden, agudizando su propia percepción. El resultado de este ejercicio son una serie de intervenciones sobre pe-queñas piezas de papel que se presentan en diagonal sobre el plano de visión. Estas obras fueron mostradas en Ervingen (Bergen), dentro del proyecto curatorial Volt, durante un solo día.

Calle Velarde, 9 41001 Sevilla España
Info@alarconcriado.com

Corrección. Bernardo Ortiz. Vista Exposición

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Hreinn Fridfinnsson en Skulptur Projekte Münster
junio 162017

10 junio – 1 octubre, 2017

El artista Hreinn Fridfinnsson instalará el cuarto y probablemente último capítulo del legendario trabajo House Project, que empezó en 1974. Ese año, Fridfinnsson construyó una casa en un área remota de la tundra volcánica de Islandia. El papel pintado, las cortinas y las imágenes enmarcadas se dispusieron en el exterior para poder verlos; la casa así invertida contenía el mundo entero, excepto él mismo.

A lo largo de los últimos cuarenta años, Fridfinnsson (1943, Islandia) ha forjado un estilo delicado y muy personal, de espíritu conceptual y tono lírico, humilde en lo material y sin embargo de efectos poderosos y, sobre todo, en armonía con la poesía oculta y las misteriosas epifanías latentes en el interior de nuestra experiencia del mundo.

Ha expuesto individualmente en el Kunstverein (Ámsterdam, 2015), Safn Berlin (2015), The Living Art Museum (Reikiavik, 2014), Hafnarfjörour Centre of Culture & Fine Art (2012), Bergen Kunstmuseum (2008), Malmö Konsthall (2008), Reykiavik Art Museum (2007), Serpentine Gallery (Londres, 2007), Domaine de Kerguéhennec (2002), Centre d’Art Contemporain (Bignan, 2002) o Kyoto Art Center (2002). Fridfinnsson representó a Islandia en la 45ª Bienal de Venecia (1993) y participó en la 30ª Bienal de São Paulo (2012). Fue galardonado con el premio Ars Fennica Prize en el 2000.

San Lorenzo, 11. 28004 Madrid
+34 91 308 0468
info@elbabenitez.com
www.elbabenitez.com

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Michiko Kon en Michel Soskine INC

Michiko Kon en Michel Soskine INC

Ensambles biológicos

junio 162017

MICHEL SOSKINE INC. presenta una nueva exposición en Madrid de la fotógrafa japonesa Michiko Kon, dentro del programa Photo-España. La exhibición incluye 34 de sus últimos trabajos en blanco y negro.

Michiko Kon crea ensambles con elementos biológicos, animales marinos, plantas e insectos que permanecen en continua tensión entre el mundo animado e inanimado y componen objetos imposibles. Kon crea escenografías surrealistas de naturalezas muertas repletas de objetos cotidianos. Kon utiliza la fotografía como medio de expresión ya que fija el proceso de transformación y progresiva descomposición, de sus ensambles biológicos. En sus fotografías hay numerosos elementos que en algún momento fueron seres vivos. Estas criaturas no están actualmente vivas, pero no son todavía cadáveres ya que permanecen en la región ambigua entre la vida y la muerte, donde aparentemente mantienen el aliento cálido de la vida. Quizás la sensación que intentamos al dividir estos dos estados, no es nada más que un modo de hacer más fácil nuestra vida en sociedad.

Michiko Kon comenta sobre su percepción de la muerte: “Mientras permanezco acostada en mi cama, gradualmente mis párpados comienzan a cerrarse. Mi mente aún sigue la historia, pero mis brazos ceden al peso del libro, que cae sobre las sábanas y mi conciencia consigue seguir el relato. Finalmente mis dedos ya no pueden sostener el libro y lo dejan ir. El libro cae al suelo. Mientras escucho el sonido del libro al caer, me duermo consciente de perder el control de mi cuerpo, pero me siento cómoda”. Ella flota con facilidad hacia el borde del sueño, y luego se deja llevar hacia el mundo de la ensoñación. Esta imagen puede encontrarse reflejada repetidamente en su obra. Kon manipula con sutileza la percepción de sus espectadores creando una poderosa tensión entre el mundo real e imaginario.

En su universo creativo, los objetos y los seres vivos son mezclados en un proceso en el que las cosas se transforman en seres vivientes y estos seres se convierten nuevamente en objetos. A través de este movimiento de energía, el mundo vegetal se desvanece en extrañas texturas de animales, donde casi parece un juego visual donde la ligereza y la rigidez se entremezclan, con humor, cierta crueldad, y con referencias tomadas del imaginario popular contemporáneo. Michiko Kon desarrolla su obra utilizando una compleja técnica de revelado, casi perdido en la fotografía del siglo XXI.

Michiko Kon nació en Kanagawa, Japón en 1955. Estudió en el Sokei Art School, y en el Tokio Photographic College. Comenzó a realizar fotografías a finales de los años 70′, -muchas de sus fotografías fueron publicadas en revistas manga. Realiza su primera exposición individual “Still Life” en el Shinjuku Nikon Salon de Tokio, y la convierten en una de las fotógrafas más innovadoras de Japón. Recibe el Premio Kimura Ihee en 1991. Realiza en 1992 su primera exposición en el List Visual Arts Center del MIT, Estados Unidos. Su trabajo fue incluído en el año 2003, en la exhibición organizada por Anne Tucker “Historia de la Fotografía Japonesa”, en el Museo de Bellas Artes de Houston. La obra de Michiko Kon ha sido exhibida en muchos museos en todo el mundo, como en el the Art Institute of Chicago, the National Gallery of Australia, the National Gallery of Canada, the Tokyo Metropolitan Museum of Photography, Tokyo, Japan Itabashi Art Museum, Tokyo, Japan International Museum of Photography at George Eastman House, Rochester, NY Center for Creative Photography, University of Arizona, Tucson, AZ The Art Museum, Princeton University, Princeton, NJ Museum of Vincent Van Gogh, France Museum of Fine Arts, Houston, TX MIT List Visual Arts Center, Cambridge, MA The Art Gallery of New South Wales Australia, National Museum of Modern Art, Tokyo, Japan National Gallery of Canada, Ottawa, Ontario, Canada National Gallery of Australia, Canberra, Australia Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio.

General Castaños 9. 28004
Madrid. Spain (+34) 91 431 06 03
michelsoskineinc@gmail.com
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kon2

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Nunes Ferreira Galería Juan Silio

Nunes Ferreira Galería Juan Silio

¿A qué hora comienza la revolución?

junio 162017

La libertad de expresión en Portugal es un concepto bastante reciente, sobre todo si está relacionada con la prensa escrita. Desde la aparición del primer periódico en 1640 (Gazeta da Restauração) hasta la actualidad hablamos de más de tres cuartas partes de opresión. Incluso, en aquellos periodos históricos pseudodemocráticos, como la Primera República (1910-1926), las censuras eran habituales, aunque con presencias disímiles. Asimismo, estas supresiones o modificaciones por parte de la monarquía, la política o la religión no únicamente se ejercían en los medios de comunicación escritos, sino que trascendieron al teatro, el cine, a la televisión, a la música, a la radio y, por supuesto, a las artes plásticas.

Partiendo de esta línea, Nuno Nunes Ferreira centra su discurso a partir del 25 de abril de 1974, con el llamado Día de la Revolución Portuguesa o La Revolución de Los Claveles, que puso fin al Estado Novo, la dictadura de 48 años liderada principalmente por Antonio de Oliveira Salazar. ¿A qué hora comienza la revolución? alude a las 0h20min de ese 25 de abril cuando en la radio sonó Grândola, Vila Morena de Zeca Afonso, una canción que hasta entonces estaba prohibida por considerarse comunista.

La persecución a los intelectuales y a los opositores al régimen por parte del PIDE (Policía Internacional y de Defensa del Estado) generó que un gran número de personas se exiliara del país y, con la llegada de la revolución, muchos regresaron coincidiendo, además, con los soldados que retornaban de La Guerra Colonial Portuguesa en Angola, Mozambique y Guinea-Bisáu. Estos hechos provocaron una explosión creativa propiciada por un estado de libertad prácticamente desconocido para el pueblo portugués.

¿A qué hora comienza la revolución? se inicia con la compra de una postal que contiene una imagen muy representativa de la Revolución de Los Claveles. Enviada de Portugal a Alemania el 28 de julio de 1975, cuenta con un pequeño texto escrito en alemán que supuso el punto de partida para el artista. Portugal está liberado. Es visible todos los días. Leemos diariamente las mentiras de los medios de comunicación. Vemos la realidad diariamente. Qué diferencia. Saludos cordiales. Karin + Bernd. Esas mentiras ya no pueden proceder de los medios portugueses porque en esa fecha la libertad era palpable, sino que los autores de la postal se refieren seguramente a los medios extranjeros o a los fascistas portugueses que, una vez huidos principalmente a España, hacían contrainformación desde el exterior. Hay que tener en cuenta también que la carta fue enviada durante lo que se conoció como Verano Caliente, una época marcada por una fuerte inestabilidad del gobierno recién instaurado, forzando la dimisión del primer ministro Vasco Gonçalves.

En medio de todo este maremágnum histórico, Nuno Nunes Ferreira compone una instalación de cinco metros de largo titulada Verão Quente (Verano Caliente) (2017), donde sitúa periódicos y revistas originales de 1974 a 1977, necesarios para poder contextualizar correctamente la postal y que, de paso, evidencian el carácter acumulativo e investigativo recurrente en la obra del artista. Esta pieza, con claras referencias al empapelado de las calles que buscan la atención de la masa, funciona como libro ilustrado de historia escrito desde la verdad, como representación fidedigna de la aparición de la libertad en Portugal.

o povo unido jamais será vencido
Dentro de este contexto subversivo el artista propone Detalles (2017), una serie de imágenes icónicas de la revolución que ha extraído de periódicos y que ha maximizado con el fin de generar un archivo de símbolos. También, “S” de Salazar (2017), un vídeo compuesto por apropiación de otro vídeo donde se observa cómo tras la derrota del Estado Novo se empezó a destruir todos los elementos que recordasen a la dictadura. Esta pieza se enlaza con Duas margens (dos márgenes) (2017), una instalación compuesta por dos portapostales. En uno se localizan postales anteriores al 25 de abril de 1974 con imágenes del Puente de Salazar y, en el otro, postales posteriores a ese día con el recién nombrado Puente 25 de abril. La exposición finaliza con Aquí (2017), una fotografía de la placa donde aparece el número de muertos durante la revolución. Esta lámina grabada está actualmente ubicada en el antiguo edificio del PIDE, eso sí, el nuevo uso del mismo corresponde a un complejo de apartamentos de lujo y casualmente la placa se ha emplazado en una zona menos visible.

Como ya es habitual en su trabajo, Nuno Nunes Ferreira trabaja el silencio, la memoria, la lucha, el símbolo y la verdad, desgranando con perspicacia la historia reciente de Portugal y mostrando una especial preocupación por exhibir los procesos de cambio. Asimismo, ¿A qué hora comienza la revolución? se articula con lecturas cercanas al concepto de viaje, pero alejado de calificativos lúdicos, sino conexo a lazos geográficos. El artista entrona y zarandea la palabra libertad con el objetivo de reportar al público y provocar un debate que gire en torno a los procesos de bloqueo de información.

Texto de Adonay Bermúdez.

Galería Juan Silió
C/ Sol 45, bajo
39003 Santander
Tlf./ Fax: +34 942 216257
www.juansilio.com

duas margens

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FLORIAN BOLK en Utopia Parkway

FLORIAN BOLK en Utopia Parkway

Madrid hacia 1990

junio 162017

Hasta el 27 de julio

“…Berlinés de 1967, Florian Bolk tomó, como se decía en las viejas asociaciones fotográficas, imágenes del aire de Madrid —todas en blanco y negro, como sus predecesores en el tañido de esta cuerda— mientras una luz arropada de polvo y bruma descendía por el hueco de las callejas que cruzan la Gran Vía, encajonada entre los farallones de los edificios. Apenas si consigue tocar el suelo algunas veces, esa luz. Otras, la anchura de la Ciudad Universitaria deja que la suave ceniza se expanda en el espacio luminoso. Otras, viejas tiendas y nuevos centros comerciales recogen entre sus cristaleras la caída de esa pulverizada niebla que hace de criba del sol…”

Texto:Enrique Andrés Ruiz LAS VOCES DEL CONTRALUZ

Utopia Parkway
Calle de la Reina, 11
Madrid 28004
Spain

bolk

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17/06/2017 – 06/08/2017
‘Nací el año de la revuelta de Stonewall, que dio paso al desarrollo de las reivindicaciones del colectivo lgtb. En esos más de 40 años, hemos asistido a la transformación de la identidad, tanto individual como colectiva. Las ideas y representaciones tradicionales de lo masculino y femenino han sido cuestionadas y reinventadas. Lo queer ha propuesto múltiples maneras de acercarse al género y la identidad sexual, las imágenes homoeróticas clásicas se han revelado, rebelado, revisitado y transgredido. De la misma manera, se han globalizado, mercantilizado y banalizado.
‘Souvenirs’ es un recorrido personal sobre el imaginario gay y queer a través de mi último trabajo fotográfico. Mis referentes, reinterpretaciones y revisiones, en diferentes formatos y soportes, como la cerámica.
‘Souvenirs’ propone un paseo particular por lo que hemos sido y queremos ser, según la dicotomía clásica, que creo aún vigente, entre lo apolíneo y lo dionisíaco.’
Texto: David Trullo

FACTORÍA DE ARTE Y DESARROLLO
c/ Valverde 23; 28004 Madrid

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Ana Teresa Ortega – Chema Cobo – Mario Espliego
Paula Rubio Infante – Simeón Saiz Ruiz – Tete Álvarez

Del 16 de junio al 30 de septiembre de 2017

Los trabajos de Tete Álvarez Proemios y Official portrait parten del asepticismo de la imagen documental con sendas series de fotografías que presentan espacios de poder. Si en Proemios esa asepsia se traduce en la desaparición del personaje, Official portrait introduce a la escenografía una serie de retratos velados por una silueta negra, que tratan de ahondar en lo que hay más allá del discurso oficial. Los retratos de Chema Cobo Humbugs están dotados intrínsecamente de ese halo siniestro de no conocer al retratado, algo que desconcierta y perturba en la imagen. Sentimientos que derivan en una sensación de espanto al descubrir la imagen de un asesino en serie, o de un vampiro encarnado por el actor Bela Lugosi. Simeón Saiz conecta directamente con la imagen del horror al registrar mediante video multicanal un viaje a Kielce; lo que parece un paisaje idílico e inofensivo oculta tras de sí una verdad velada que conecta con la barbarie de la guerra. Tratando de horadar en la historia, el trabajo de Ana Teresa Ortega parte de la fotografía paisajística, en una serie llamada Cartografías silenciadas. Lo que oculta la imagen son lugares olvidados que en el pasado tuvieron una oscura relación con el franquismo y su correspondiente represión; campos de concentración y trabajo repartidos por toda la geografía española. La instalación de Paula Rubio Infante Destino manifiesto vuelve a derivar hacia una mirada a las arquitecturas del poder, que reflexiona sobre la conducta sádica del ser humano para conseguir los objetivos de expansión geográfica, política y racial. El título enlaza con la idea de “lebensraum” de espacio vital que Hitler utilizó para anexionar territorios durante el Tercer Reich. Mario Espliego, por último, plantea en su trabajo Artefactos del encantamiento una investigación que interroga como lo ornamental con lo cual convivimos día a día, mantiene oculto una perturbación. De este modo, lleva a cabo una genealogía en torno a las “fasces”, forma utilizada por el régimen fascista italiano, que ha sido usada posteriormente en el diseño contemporáneo lanzando una clara pregunta al aire, ¿es la forma algo ingenuo, algo superfluo carente de ideología, o más bien, un elemento que camufla toda esa ideología y la sitúa, de manera velada, en nuestras sociedades democráticas?

Texto: Javier Bermúdez

Duquesa de Parcent, 12. E-29001 Málaga. Telf./Fax: 952 216 592
e-mail: galeria@galeriajm.com
www.galeriajm.com

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Mujeres hermosas en el Ateneo de Madrid
junio 162017

Del 16 al 30 de junio de 2017
La exposición consta de 30 cuadros pintados al óleo que reivindican a la mujer sin tabús, con autoestima y segura de sí misma. A través de la obra de Andino podemos observar la evolución de una mujer libre enfrentada a sus propias aficiones, rutinas, deseos y esperanzas sin tener que dar cuentas a nadie más que a ella misma o al propio reflejo que tiene de sí misma, de una forma natural, casi naif y jovial, mostrando su lado más humano y expansivo, sin aderezos en los que la sofisticación camina implícita de la naturalidad.

ATENEO DE MADRID
C/ Prado, 21 | 28014 Madrid
Tel.: 91 4291750
http://www.ateneodemadrid.com

Exposición Mujeres-Hermosas.-Óleo-sobre-lienzo

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Hasta el 23 de julio
Este proyecto es uno de los ganadores de la VIII edición de ‘Se busca comisario’.
La muestra plantea los límites del modelo expositivo a partir de la experimentación continua. La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid afianza así su compromiso con la creación artística emergente.
El proyecto expositivo que presenta la Sala de Arte Joven desarrolla las posibilidades del modelo expositivo a partir de la experimentación de las artistas con la performance, el taller, el happening, la coreografía y la conferencia performativa para definir sus obras en la sala.
La muestra presenta las obras de las artistas Leonor Serrano Rivas, Anna Moreno, María Mallo, Rosana Antolí y Cris Blanco que, durante seis semanas, llevarán a cabo una serie de eventos y acciones en la propia Sala de Arte Joven cuyos resultados se irán incorporando a la exposición. La condición de apertura que ostenta la sala es un marco idóneo para presentar las obras existentes y de nueva producción de estas artistas que trabajan en los márgenes de clasificaciones únicas.
Las artistas interpelan al público a partir de sus obras interdisciplinares. Mientras Leonor Serrano Rivas rechaza en An Ornamental Way of Moving la expectación del evento incluyendo varios elementos fuera del horario de apertura de la Sala de Arte Joven, Anna Moreno invita al happening The Drowned Giant que rememora aquel que en 1970 Ricardo Bofill organizó a propósito de su proyecto no realizado en Moratalaz.
Entre tanto, y durante 10 días, María Mallo conducirá el taller para construir la obra Una arquitectura para ecosistemas emocionales diversos, visible en sala. Por su parte, Rosana Antolí convertirá su espacio en un estudio de grabación para realizar la serie de coreografías cotidianas Virtual Coreography. Cris Blanco, por último, realizará la conferencia performativa Ciencia-ficción, donde conjugará las posibilidades de la dinámica clásica del aprendizaje con el género musical y la interpretación. Con cada nueva acción, la exposición se vuelve a construir.
Además, acciones y eventos se alternan con mesas redondas y talleres a cargo de Oriol Fontdevila, Pablo Martínez, Judit Vidiella, Georg Zolchow a integrantes del Programa Sin Créditos. Todos ellos revisarán los diferentes formatos artísticos planteados y las consiguientes posibilidades del modelo expositivo.

Sala de Arte Joven
Avda. de América, 13 Madrid
comunicación@madrid.org

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Mónica de Miranda en Sabrina Amrani

Mónica de Miranda en Sabrina Amrani

Atlantic - Journey to the center of the earth

mayo 302017

Del 7 de junio al 29 de julio
Sabrina Amrani presenta Atlantic – Journey to the center of the earth, la primera exposición individual en España del artista Mónica de Miranda (1976, Portugal).

La obra de Mónica de Miranda puede entenderse como un agente que conecta continuamente los procesos artísticos con la condición transitoria del espectador. Independientemente de los temas que investigue o de las reflexiones sociopolíticas que atan en su identidad un sentido real y emocional con el lugar y la historia de quienes lo habitan, sus obras contienen parte de su experiencia autorreferencial pero no siempre autobiográfica, porque no es un testimonio del viaje sino de alguien que se reconoce en la transición y en el cambio territorial.

En este sentido la exposición Atlantic – Journey to the center of the earth (Atlántico – Viaje al centro de la tierra) es ejemplar de su proceso de trabajo por dos razones principales. La primera está presente en el título en la que podemos inferir dos planos aparentemente contradictorios, siendo el primero la palabra que determina una masa geográfica inmensa y mutante que es el Océano Atlántico; y el segundo es el Viaje al Centro de la Tierra, una referencia a la obra utópica de Julio Verne que le es cercana a la artista. Sin embargo, la colocación del guión en el título amplifica esta posibilidad transitoria que, aunque presente en su trabajo, es un elemento agregador que expresa la multiplicidad de connotaciones en la recepción del mismo por el espectador, teniendo como línea estructuradora la referencia a dos sustancias: agua y tierra, que se oponen en su constitución. La segunda razón que me lleva a esta breve reflexión es la dualidad entre el océano y la tierra, una diferenciación física, pero simultáneamente inmaterial, un imaginario que se remonta a los comienzos de la humanidad, y por esta misma razón metafísica: entre fluidez y solidez. La artista es arrastrada por la necesidad de saber lo que está escondido debajo de la tierra, que soporta naturalmente el océano y respira en las bocas volcánicas de las islas atlánticas de la Macaronézia, como las Azores o, en este caso en particular, el archipiélago de Cabo Verde, específicamente en Ilha do Fogo (Isla de Fuego).

El volcán es una presencia que se eleva en el paisaje y es también una imagen recurrente en la imaginación colectiva y la representación visual a lo largo de la historia. Pero en esta obra de Mónica de Miranda es ante todo un signo que presenta una segunda piel que modela y transmuta el paisaje, no sólo por el manto visual que cubre todo en un alivio de cenizas, sino porque anuncia una experiencia interior y orgánica que reside en un lugar desconocido -tan cerca del centro de la tierra- como si este modelo fuera una construcción imaginaria y ficticia o una matriz geológica dada.

Y como construcción de ficción, la serie de fotografías intervenidas, pigmentadas y enceradas, titulada “Bedrock”, rescata esta materialidad intermitente que, mientras que está presente, se funde en la imagen impresa afirmando en el gesto de la artista la intervención sobre la imagen como grabación de un viaje; un tiempo que se actualiza en su finalización. Joao Silveiro Curador

hello@sabrinaamrani.com | +34 627 539 884 | Calle Madera 23. 28004 Madrid, Spain www.sabrinaamrani.com

Horizon

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Lake Verea en La Caja Negra

Lake Verea en La Caja Negra

Paparazza Moderna

mayo 302017

Paparazza Moderna

10 de junio al 28 de julio

Una parte importante del trabajo fotográfico firmado por el dúo Lake Verea ha girado en torno al registro de la arquitectura moderna. Su primer objeto de atención fue la obra de Luis Barragán. En ese proyecto, que tuvo un recorrido largo y que se desplegó en distintas series, se ponía ya en evidencia que su mirada estaba muy lejos de la fotografía de arquitectura convencional. Si algo ha caracterizado el acercamiento de Lake Verea a la arquitectura, es precisamente esa mirada oblicua sobre el espacio que nos revela los aspectos menos evidentes de estructuras que hoy son ya emblemáticas.

Los descubrimientos formales y conceptuales que surgieron de esa primera experiencia las llevaron a plantearse hacer un rastreo de las obras de los principales exponentes del modernismo. Entre 2011 y 2015 viajaron a Connecticut, Massachusetts, Los Ángeles, San Francisco y Dessau. Este mismo año visitaron Illinois y Michigan. Parte del resultado de esa investigación es lo que conforma su primera exposición individual en La Caja Negra para la que se ha seleccionado un conjunto de seis casas construidas por Rudolf M. Schindler y Richard J. Neutra en California. El trabajo Paparazza Moderna consta de tres capítulos. El primero, dedicado a las casas de Walter Gropius y Marcel Breuer en Europa, el segundo que se muestra en la exposición y el tercero centrado en Mies Van der Rohe y Philip Johnson.

Lake Verea lo forman Francisca Rivero-Lake Cortina (Ciudad de México 1973) y Carla Verea Hernández (Ciudad de México 1978). Trabajan como colectivo desde 2005 en proyectos de fotografía, publicaciones manuales, instalación y arte sonoro. Sus temas de investigación se centran en temas de género, arquitectura, retrato y documentación.

Galería La Caja Negra Ediciones
Fernando VI, 17 – 2º Izq
28004 Madrid
T. + 34 91 310 43 60
E. info@lacajanegra.com

1.Lake Verea.Elliot House

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Ritmo tiempo continuo en Espacio Trapezio
mayo 302017

Debajo del sombrero
8 de junio – 3 de septiembre 2017

Ritmo tiempo continuo es una exposición colectiva de siete artistas (RUBÉN CABANILLAS, RODRIGO CABRERA, LUIS MIGUEL EDJABUA, MIGUEL GARCÍA , MIGUEL ÁNGEL HERNANDO, MARÍA LAPASTORA, MARTA PÁRAMO) de Debajo del Sombrero, un estudio de arte en el que trabajan artistas con discapacidad intelectual. La obra seleccionada para esta muestra despierta nuestra atención a formas de estar antes que ser. Modos primarios y originales anteriores a la tensión de ser; tener que ser algo, alguien.
Si algo se aviene al estar es el ritmo. Caracteriza al ritmo ser envolvente, llevarnos. En esta ocasión, son los autores de estas piezas quienes han sido llevados y envueltos por su atracción, como en un encantamiento. Ritmo que sostiene un canto, el de cada uno, imposible de abandonar.
Todas estas piezas responden de ese mismo ritmo-guía, en el que no hay lugar al equívoco; el error de aventurarse por donde no es. Ni lugar a la duda. Todo es don, hallazgo asistido por la continuidad de un tiempo del artista, consecuencia de no oponerle él nada suyo, ajeno a la necesidad de justificarse.

Espacio Trapézio
C/ Augusto Figueroa, 24. Mercado de San Antón. Local 16 • Madrid, M 28004
info@espaciotrapezio.org

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García-Alix en Juana de Aizpuru
mayo 302017

La razón de ser
Del 31 de mayo al 25 de julio de 2017
“Diré que lo sublime no tiene ángel, tiene duende”. Son palabras del fotógrafo Alberto García-Alix, que parafrasea a Federico García Lorca para hablar de lo sublime e inmensurable”
“La razón de ser”, acoge una treintena de imágenes nuevas de García-Alix, realizadas en los últimos tres años, en las que vuelve a sumergirse en uno de su temas recurrentes: la moto, “la moto es una de mis grandes pasiones, voy en moto todos los días de mi vida desde que tengo 12 años y estoy intentando revisitar ese tema con una mirada más expresionista, como sacada de un imaginario de sueños”.
Esta exposición está inmersa en la vigésima edición PhotoEspaña y que García-Alix es uno de los hitos de esta vigésima edición del festival, que acogerá hasta finales de agosto un centenar de exposiciones de más de 500 artistas y que busca sacar la fotografía de fiesta.
Alberto García Alix Nace en León, España en 1956. Vive y trabaja en Madrid.

Galería Juana de Aizpuru
C/ Barquillo 44
28004 Madrid
T: 34- 91 310 55 61
Fax: 34- 91 319 5286
e-mail: concha@juanadeaizpuru.es

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In ictu oculi, en Artnueve

In ictu oculi, en Artnueve

En un abrir y cerrar de ojos

mayo 192017

Hasta el 21 de junio
In ictu oculi, comisariada por Jesús Alcaide, cuenta con los trabajos de los artistas Pablo Capitán del Río, Pablo Genovés, Javier Pividal, Sergio Porlán e Isaque Pinheiro para proponer una reflexión abierta sobre el sentido del tiempo. In ictu oculi, expresión latina que puede ser traducida como “en un abrir y cerrar de ojos”, es el título escogido por el comisario para reunir una serie de trabajos de artistas de la galería en los que está presente la preocupación por lo temporal. De la misma manera, la muestra se propone por parte del comisario, como un recuerdo velado a la memoria de la escritura y el trabajo curatorial del desaparecido José Luis Brea, de cuya exposición “Los últimos días” se cumplen este año 25 años, hito a recordar por una manera de trabajar con la producción artística internacional desde los parámetros de la complejidad y la lectura cómplice y de una escritura intersticial y lúcida como pocas en el panorama de la crítica nacional.

25 años después de esta muestra, son cuatro artistas de la galería y un artista invitado, Isaque Pinheiro, los que dan vida a unas nuevas postrimerías, alegorías temporales de ese tiempo-ahora del que nos hablaba Brea en una serie de piezas que van desde la escultura a la fotografía pasando por la instalación, en las que se pone en escena una nueva reflexión sobre la noción del tiempo y se reivindica el papel del arte como una herramienta para conocer la complejidad e incertidumbre de la época actual, fuera de los órdenes de la transparencia y la simplicidad.

In ictu oculi, como se señala en el texto escrito por el comisario de la exposición se propone como “una exploración sobre el sentido del tiempo. Una reflexión sobre la fugacidad. Un jeroglífico cómplice. Un recuerdo a Los últimos días y a la escritura de Brea. Una apuesta por la opacidad del lenguaje. Una búsqueda en el territorio de la incertidumbre. Una escenificación del misterio de lo complejo”.

Galería Artnueve
Gutiérrez Mellado,9
30008 Murcia
www.artnueve.com
968 242 430

Falar com as paredes

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DAMASODIOSAS en Utopia Parkway

DAMASODIOSAS en Utopia Parkway

Arquetipos femeninos

mayo 192017

Hasta 9 de junio
Inscrita en la estela de las anteriores Utopia Live (2011) y Utopia Union Ltd. (2014), DAMASODIOSAS surge de otra lectura de nuestra colección, fondo y depósito. En esta ocasión la selección tiene un cierto tinte temático centrado en diferentes arquetipos femeninos. De ahí el título DAMASODIOSAS que encierra un triple juego de palabras y deja a la imaginación del espectador el calificativo oportuno en cada caso. De la Hembra Lunar, 1996, de Yolanda Tabanera al Nacimiento de Venus, 2016 de Almudena Armenta media un largo trecho tanto en el concepto como en la fecha de ejecución. El resto apunta en otras direcciones aunque siempre en torno a algún arquetipo femenino.
Una vez completada la selección nos ha llamado la atención la preeminencia de escultura, fotografía y dibujo en detrimento de la pintura representada por Orgullo y Gravedad, 2015 de Adamo Dimitriadis y Hydroterapy in Charenton, 2016 de Antonio Gadea. Tal vez el tema se preste más a ser tratado en esos soportes o ¿quizá no? Esperamos que esta no sea la única pregunta que surja al contemplar DAMASODIOSAS pero si así fuera ya habría merecido la pena presentar estas obras juntas. En un tiempo tan dado a la certeza precipitada no está de más sembrar alguna incertidumbre que pueda inducir a la meditación y la prudencia.

Utopia Parkway
Calle de la Reina, 11, Madrid 28004
Spain

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Nacho Martín Silva en JosedelaFuente

Nacho Martín Silva en JosedelaFuente

Iconografías simultáneas

mayo 192017

Hasta el 8 de julio
Tirar del hilo hasta quedar ciego, la última muestra de Nacho Martín Silva, se acoge a la posibilidad de generar un conocimiento intuitivo a través de la combinación de iconografías simultáneas. Las indagaciones del artista en acontecimientos disidentes, historias fronterizas y universos narrativos heterogéneos cohabitan con una exploración de las implicaciones culturales, sociales e ideológicas que vinculan al ser humano con la periferia de su identidad canónica. Para aclarar las cosas, vayamos a un ejemplo preclaro: la gran instalación pictórica que centra esta exposición se sustrae a la presión de una interpretación monolítica, autorreferente y reductora. Su investigación se realiza a través de un universo estético en blancos, grises y negros, que recopila imágenes extraídas de diversas fuentes: pinturas, libros, revistas, periódicos, fotografías, películas, videos y archivos digitales. El artista indaga por tanto en las posibilidades que le ofrece la actual sociedad de la información, esa segunda era de la sospecha capaz de crear realidades globales a partir de la ficciones locales y que, en palabras de Ignacio Ramonet, se basa «en la convicción de que el sistema de información no es fiable, que tiene fallos, que da pruebas de incompetencia y que puede –a veces a pesar suyo– presentar enormes mentiras como verdades. De ahí la inquietud de los ciudadanos».
(Extracto del texto de Carlos Delgado Mayordomo)

JosédelaFuente

C/ Daoiz y Velarde, 26. 39003 Santander (Spain)
Tel.: +34 942 313 745
info@josedelafuente.gallery
www.josedelafuente.gallery

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Del 19 de mayo al 30 de junio

Mar Martín es una fotógrafa que parte de sus interés hacia la ciencia y la física para crear, escenificar y guionizar sus proyectos fotográficos con una mentalidad eminentemente cinematográfica. Como prueba de ello destacamos A.L.M.A y como este proceso desencadena en ella una nueva forma de hacer hasta el momento. A finales del 2013 salta a las noticias la imagen de alta resolución del lugar más frío del Universo conocido, la nebulosa Boomerang, captada por el conjunto de telescopios Atacama Large Millimeter/submillimeter Array o ALMA. La importancia de este descubrimiento, radica principalmente en determinar lo que sucede con las estrellas una vez que mueren, al igual que sucederá con el Sol. Ahora podemos saber lo frío que puede resultar el futuro de nuestro Sistema Solar y del Universo entero.
Art Deal Proyect
Carrer de la Llibertat, 44, 08012 Barcelona
www.artdealproject.com

A.L.M.A.

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BERNARDO ORTIZ en Alarcón Criado

BERNARDO ORTIZ en Alarcón Criado

Paisaje y percepción

mayo 192017

Desde el 26 de mayo
La muestra relacionará las obras desarrolladas por Ortiz durante la estancia que ha realizado en Bergen (Noruega) durante el mes de mayo de 2017 con una serie de dibujos sobre tela de gran formato realizados in situ. Las piezas ejecutadas en Noruega son un ejercicio de la memoria, ya que se basan en los colores del paisaje que el artista ha contemplado, a lo largo de 6 días, en sus recorridos por los fiordos de Sognefjorden, agudizando su propia percepción. El resultado de este ejercicio son una serie de intervenciones sobre pequeñas piezas de papel que se presentan en diagonal sobre el plano de visión. Las obras fueron mostradas en Ervingen (Bergen), dentro del proyecto curatorial Volt, durante un solo día.
Al respecto de su experiencia en Noruega, el artista relata:
Esto es un ejercicio. Recorre un paisaje mientras piensa en la percepción. Describir los colores. La forma en que se construyen algunas cosas. O cómo están. Pero al mismo tiempo piensa en un poeta que escucha sonidos e intenta imitar esos sonidos con palabras. O acerca de un hombre que ve las interferencias en la transmisión de un discurso como manifestaciones de la vida extraterrestre. O la forma en que el software está calibrado para reconocer las cosas en las imágenes. O la forma en que se puede reproducir una pintura blanca. Un paseo es una manera de experimentar la distancia. Una especie de experiencia “de alta resolución” de la distancia; Una forma de superar la ilusión de transparencia e inmediatez.
Biografía:
Nacido en Cali, Colombia, 1972. Vive y trabaja entre Brasil y Colombia. Ha estudiado arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá, obteniendo posteriormente una Maestría en filosofía de la Universidad del Valle en Cali. Participa en importantes eventos internacionales, como su exposición individual Borrar en el MAMBA (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires) 2016, la Bie n n a le o f Sid n e y , 2016, B ie n nia l o f t h e A m e rica s (Denver, USA, 2015 ), 4 3 º S a ló n In t e r n a cio n a l d e A r tis t a s (Medellín, Colombia), X X X Bie n a l d e S ã o Paulo (Brasil, 2012), X I Bie n a l d e L y o n (Francia, 2011), Ephemeroptarae (Austria, 2013), Game Piece (Noruega, 2013) o MDE 07 (Colombia, 2007).

ALARCON CRIADO
C/ Velarde, 9. 41001. Sevilla.
34 954 221 613.
info@alarconcriado.com
www.alarconcriado.com

Bernardo Ortiz II

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20.5.17 – 19.7.17

YellowKorner presenta las fotografías de la legendaria campaña publicitaria Colorama, en edición limitada y numerada, en una exposición retrospectiva, única y colorida que sumerge a los visitantes en la nostalgia de una época pasada. Fotografías míticas de los años cincuenta y sesenta, que forman parte de la historia de la fotografía, no sólo debido a su carácter excepcional, sino también a su valor histórico y cultural.
Estas imágenes publicitarias panorámicas de Kodak, desde mediados del S.XX, fueron producidas por los fotógrafos más famosos de la época, entre ellos se encontraban autores tales como Ansel Adams, que realizaron imágenes de una altísima calidad. En su día Colorama, fueron las imágenes de mayor formato, brillantes y más impresionantes producidas por Kodak, con un asombroso efecto panorámico. Sus gigantescas dimensiones eran de 18 metros de ancho y 6 metros de altura. Todas las fotografías causaron gran sensación, ya que se exhibían durante tres semanas en la Grand Central de Nueva York, una de las estaciones de tren más frecuentadas de la época. Por esta razón, están grabadas en la memoria de los neoyorquinos y de medio mundo.
Kodak, gracias al lanzamiento de la fotografía en color y la democratización de esta misma, logró convertirse en la marca fotográfica más famosa del mundo. Con estas imágenes publicitarias quería que la gente se viera reflejada en ellas y que deseasen la misma felicidad que mostraban sus personajes. El sueño americano hecho fotografía, con un intencionado discurso patriótico, mostrándolo durante 40 años en uno de los puntos neurálgicos de la Gran Manzana.
Colorama es la representación idealizada de la sociedad estadounidense, que se sintió identificada con la puesta en escena de la vida familiar perfecta. Kodak quiso mostrar momento de felicidad, sin preocupaciones, durante las vacaciones y fiestas familiares, manteniendo los valores que estaban ya estaban en peligro de desaparición. Son imágenes nostálgicas, de un bienestar irreal, despreocupadas, que sólo las cámaras Kodak podían preservar y desafiar en el tiempo.
YellowKorner

Hermosilla, 20 28001 Madrid

WATER SKIERS 1968 - HANK MAYER

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ESPACIO P. 1981—1997 en el CA2M

ESPACIO P. 1981—1997 en el CA2M

ESPACIO P. 1981—1997 en el CA2M

mayo 192017

Del 3 JUNIO al 8 OCTUBRE

Espacio P se constituyó en 1981 en el local interior de la céntrica calle Núñez de Arce 11, junto a la Plaza Santa Ana de Madrid. Durante su primer año fue un lugar de ensayos y formación en todo tipo de prácticas relacionadas con el cuerpo, como la expresión corporal, la performance y la danza. Después, su fundador, el polifacético artista multimedia Pedro Garhel, lo convirtió en un espacio abierto al diálogo entre las artes plásticas, visuales, escénicas y sonoras. De 1981 – 1997, realizó todo tipo de actividades relacionadas con la performance, la fotografía, la instalación la poesía visual, el mail-art, la videocreación, el cine o la música experimentales, en un periodo en el que la mayoría de las galerías y museos celebraban el retorno de la pintura.

Con el arte de acción como eje central de su programa de formación, investigación, producción y difusión, a principios de los años ochenta, Espacio P desarrolló diferentes perfiles imbricados en la misma sede, utilizada como sala de exposiciones y conciertos, talleres o encuentros. El primero de ellos se inició en 1982 con Philip Corner, perteneciente a la generación pionera de Fluxus; el último, en 1994, concluyó con el I Encuentro Iberhack, en presencia de Wau Holland, cofundador del mítico Chaos Computer Club, una de las primeras asociaciones de hackers en Europa.

A través de esta singular trayectoria y archivo, la exposición de Espacio P plantea varios ejes temáticos para visibilizar las relaciones entre el arte de acción y el lenguaje audiovisual; la cultura del do it yourself entre Fluxus y Punk; la cuestión de género en los ochenta, o el tránsito de la era analógica a la cultura digital, entre el Anticine y la Realidad Virtual.

La exposición, Espacio P 1981-1997, consta de una amplia selección de documentos (cartas, folletos, carteles, fanzines, libros y revistas), vídeos, películas, fotografías e instalaciones. En su conjunto visibiliza distintas manifestaciones artísticas que se conectaron en Espacio P en un momento de tránsito, en el que las posiciones críticas con el mercado imperante del arte y de la industria musical fomentaron procesos de creación colaborativos entre distintos lenguajes, formatos y agentes.

ARTISTAS

Javier Aguirre, Agustín Parejo School, Pedro Almodóvar, Xoan Anleo, Max Almy, Pelayo Arrizabalaga, Llorenç Barber, Juan Belda, Atelier Bonanova, Bosch & Simons, Felipe Boso, Eberhard Bosslet, J.M. Calleja, Julio Campal, Antonio Cano, CAPS.A., Eduardo Cirlot, Clónicos, Javier Colis, Philip Corner, Corps, José Ramón Da Cruz, Decay Pitch, Depósito Dental, Lourdes Durán, Juan Carlos Eguillor, Luis Escribano, Esplendor Geométrico, VALIE EXPORT, Francisco Felipe, Rosa Galindo, Pedro Garhel, General Idea, José María Giro, Gorilla Tapes, Inge Graf+Zyx, Eulàlia Grau, Barbara Hammann, Carmelo Hernando, Wau Holland, El Hortelano, José Iges, Concha Jerez, La Astronave Pirata, Rafael Lamata, Juan Antonio Lleó, Pedro López, Mariano Lozano P., Ewa Lyberten, Javier Maderuelo, Alejandro Martínez Parra, Norbert Meissner, Rosa Méndez, Eduardo Momeñe, El Muerto Vivo, Paz Muro, Marcel Odenbach, Orquesta de las nubes, La otra cara de un jardín, Çao Pestana, Fabrizio Plessi, Poisson Soluble, Antón Reixa, Ulrike Rosenbach, Suso Saiz, John Sanborn, José Antonio Sarmiento, Domingo Sarrey, Lydia Schouten, S.I.E.P, Fernando Suárez Cabeza, Taller de Pubilla Casas, Atau Tanaka, Paloma Unzeta, URA/UNZ, Javier Vadillo, Isidoro Valcárcel Medina, Jaime Vallaure, Pier van Dijk, Xavier Villaverde, La voz de mi madre, Peter Weibel, Hugo Westerdahl y Nicole Widart.

CA2M
Tel. 91 276 02 21
ca2m@madrid.org
Avda Constitución 23, 28931
Móstoles, Madrid

espacioPx240

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FRANCESCO CLEMENTE en la galería Javier López y Fer Francés

FRANCESCO CLEMENTE en la galería Javier López y Fer Francés

FRANCESCO CLEMENTE en la galería Javier López y Fer Francés

mayo 192017

Del 24 de mayo al 6 de septiembre de 2017

La galería madrileña presenta la tercera muestra individual en nuestro país de Francesco Clemente (Nápoles, 1952), un proyecto muy personal en el que reúne un conjunto de cuarenta obras recientes dedicadas a su compañera y musa Alba. La exposición, con la que rinde homenaje a su mujer en el cuarenta aniversario de su boda, se compone de tres series distintas: pasteles sobre papel, una docena de óleos sobre lienzo de pequeño formato y una veintena de dibujos a tinta sobre papel. En los diferentes grupos de retratos muestra diversos aspectos de la misma persona, pues el artista considera que el ser es fragmentado, que está en constante cambio. En ellos se inspira en ensueños y sensaciones intuidas más que apariencias reales, puesto que han sido pintados de memoria.
En el contexto cultural neoyorquino de mediados de los 80 y principios de los 90, Clemente entra en contacto con escritores y creadores plásticos que enriquecen su visión artística, amistades que tienen su eco directo en la obra del italiano desde entonces. Para algunos de estos artistas, Alba se convierte en un icono de belleza (actriz de vanguardia) y misterio, ambigüedad y sofisticación, como demuestran las fotografías de Robert Mapplethorpe, Andy Warhol, David Seidner o Bruce Weber, y las pinturas de Jean – Michel Basquiat, Julian Schnabel o Kenny Scharf. Alex Katz también ha retratado a la esposa de su amigo en distintas ocasiones, de Alba le interesa sobre todo su estilo, la elegancia en sus gestos.
Pero son sin duda los retratos de Francesco Clemente los que nos ofrecen un mayor interés para acercarnos a la personalidad de Alba, y por extensión a la del propio artista, quien ha declarado que cada artista se ve a sí mismo en su musa. Se ha autorretratado muchas veces junto a ella, fundiendo ambos rostros en una sola imagen. Uno de los más conocidos hasta la fecha quizá sea el retrato en el que la representó recostada con un vestido rojo y un brazalete indio y que sirvió de imagen para su exposición en el Guggenheim de Nueva York en 1999.
En las cuatro últimas décadas, el trabajo de Francesco Clemente ha sido objeto de multitud de exposiciones a nivel internacional y su obra forma parte de las colecciones de arte contemporáneo más importantes del mundo.

Galería Javier López & Fer Francés
Guecho,12 B. La Florida. E-28023 Madrid
Tel. + 34 915932184
Fax + 34 915912648
info@javierlopezferfrances.com

FRCL ALBA 15, 2017. Pastel on paper. 48 x 66,3 cm._19 x 26 in

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Mariana Cook en Ivorypress

Mariana Cook en Ivorypress

Mariana Cook en Ivorypress

abril 252017

30 de mayo–15 de julio 2017

El 30 de mayo se inaugurará en Ivorypress Lifeline, la primera exposición individual en España de la fotógrafa estadounidense Mariana Cook (Nueva York, 1955), que también formará parte del Festival Off de PHotoEspaña. La exposición mostrará cuarenta fotografías seleccionadas entre los cientos de imágenes que realizó la artista entre 1999 y 2015 como parte de su serie Close at Hand, para la cual tomó una fotografía cada día de objetos, formas o abstracciones de la luz que le resultaban conmovedoras. Cook trabaja exclusivamente con una cámara de medio formato, con la que hace fotografías en blanco y negro que revela ella misma. Aunque Cook es más conocida por sus retratos, la obra expuesta representa su silenciosa contemplación de la materia y la esencia. La mayoría de las fotografías seleccionadas para esta exposición fueron realizadas durante los últimos diez días de vida de la madre de la artista. Es llamativo que muchas de estas imágenes son abstracciones de luz. Cook explica que “La luz es lo que me inspira a la hora de hacer fotografías y es para lo que vivo. La luz representa la vida”. Holding Hands es la única imagen figurativa incluida en la exposición; plasma la última vez que la artista cogió de la mano a su madre. Junto con la exposición, Ivorypress ha publicado un libro epónimo que contiene todas las obras presentadas en la exposición además de una introducción de la poeta Jorie Graham, reconocida mundialmente. Mariana Cook es una fotógrafa artística cuyas fotografías forman parte de numerosas colecciones, entre ellas las del Metropolitan Museum of Art y el Museum of Modern Art en Nueva York; el Victoria and Albert Museum en Londres; la Bibliothèque Nationale de París; el J. Paul Getty Museum en Los Ángeles y la National Portrait Gallery en Washington D.C., entre otras. Cook utiliza película en blanco y negro para producir sus impresiones en gelatinobromuro de plata. Fue la última protegida del fotógrafo de paisajes estadounidense Ansel Adams.
Ivorypress
C/ Comandante Zorita 48 (Madrid)
T: +34 91 449 09 61

ivorypress

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Agathe Pitié en Michel Soskine Inc

Agathe Pitié en Michel Soskine Inc

Agathe Pitié en Michel Soskine Inc

abril 252017

Del 4 de mayo al 10 de junio de 2017

MICHEL SOSKINE INC anuncia la primera exposición individual en España de la artista francesa Agathe Pitié (1986), que se inaugurará el día 4 de mayo, 2017.
Agathe Pitié se describe a sí misma como una Artista Punk Medieval. Su obra, inspirada en maestros illuminati de la Edad Media, se ejecuta mediante el método de representación llamado “Horror vacui” para crear una cosmogonía donde personajes míticos de la antigüedad conviven en un cercano diálogo junto a íconos de la cultura popular contemporánea del siglo XXI. A través de sus composiciones, leones, ciervos, cabras, caracoles, dragones, tortugas-ninja, conviven junto a criminales, soldados, bandas de mafias urbanas, reyes y reinas, en una alquimia personal donde un sol que llora, y una luna asombrada, o el fuego, flotan sobre escenas en conflicto. Las referencias que Agathe Pitié toma para su obra son infinitas, el espectador puede navegar sus dibujos como lo haría en internet, saltando de una referencia visual a otra, donde se unen de un curioso modo elementos que parecen inconexos. La disponibilidad y la velocidad a la que accedemos a la información en el mundo actual, ha cambiado profundamente la estructura y el funcionamiento de nuestra sociedad, como también el desarrollo personal de cada individuo. Una búsqueda simple en internet, nos provee acceso a una cantidad infinita de información que la artista reordena y elige. El carácter internacional y eterno de sus composiciones, es a su vez, un ejemplo claro de la cultura popular. La diversidad imaginada por Agathe Pitié, forma un sincretismo en el que cada narración se descompone desfragmentando clásicos modos de representación. Pitié navega internet, y también el lado más profundo de la web, saltando de enlace en enlace hasta encontrar detalles desde los que extrae datos. Su obra incorpora a través de una extensa investigación y por medio de un método de representación del medioevo, imágenes del mundo contemporáneo actual, y se transforma a su vez en un análisis antropológico del mundo en nuestros días.

MICHEL SOSKINE INC.
C/ General Castaños 9. 28004 Madrid. Spain.
www.soskine.com
T: +34 91 431 06 03
michelsoskineinc@gmail.com

soskine

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Antuan Rodríguez en Freijo Gallery

Antuan Rodríguez en Freijo Gallery

Antuan Rodríguez en Freijo Gallery

abril 252017

Del 4 de mayo al 24 de junio

Freijo presenta la primera muestra individual de Antuan, que es a su vez la primera exposición del artista en una galería de España. La muestra agrupa 15 piezas de los últimos 12 años de su producción artística, cuya plataforma básica ha sido -y sigue siendo- el arte político. En la obra de Antuan sus preocupaciones son universales. La velocidad del tiempo humano contemporáneo, la saturación de códigos, información y canales de comunicación; la pérdida del sentido de la armonía, bienestar y equilibrio, en nuestra conexión con el micro y macro cosmos; la ironía de repetir una y otra vez errores aun con los mensajes que nos presenta la historia, como parte del objetivo de nuestras aspiraciones humanas. El Museo de Arte Contemporáneo de North Miami (MOCA) lanzó este año pasado 2016, su temporada de Art Basel Miami Beach con la presentación de la excepcional exposición individual de Antúan “The Other Dimension” [La Otra Dimensión]. La exposición estuvo abierta al público hasta el 22 de enero de 2017 como parte del programa oficial de Art Basel Miami Beach 2016.
Como señaló Jorge Luis Gutiérrez, curador de la exhibición del MOCA : “La cultura y visión de bienestar, presente en la obra de ANTUAN, parecen más bien una estrategia, con nociones cargadas de secretos, conocimiento esotérico y significado oculto tomados de la historia, la ciencia y las leyes básicas del universo. Sus obras de arte e instalaciones contienen la capacidad de integrar modelos abstractos y simbólicos y dar así, cuenta de las leyes básicas del universo. La efectividad de sus mensajes a partir de sus obras, radica en integrar a presentes en todos aquellos referentes que gobiernan la existencia dentro y fuera del arte”.
En 1998 gana una beca en Valencia, para producir una obra en torno al SIDA, que actualmente forma parte del acervo de la Universidad Politécnica de Valencia.

Freijo Gallery
General Castaños 7, 28004 Madrid (Spain)
913103070

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El Último Grito en Elba Benítez

El Último Grito en Elba Benítez

El ültimo Grito en Galería Elba Benítez

abril 252017

MALFICTIONS

La Galería Elba Benítez acoge la exposición de El ültimo Grito, equipo creativo basado en Londres. Titulada MALFICTIONS, la muestra presentará una serie de trabajos que exploran la intersección entre facticidad, ficción y error en las formas contemporáneas de experiencia figurativa. MALFICTIONS incluirá trípticos fotográficos desarrollados a partir de “fallos técnicos transitorios” en aplicaciones de generación de mapas digitales; una instalación a modo de diorama que incorpora objetos de cristal y un sistema de iluminación dinámica; y una serie de camerae obscurae pre-cinematográficas en tiempo real.

Fundado en 1997, El Último Grito está compuesto por Rosario Hurtado y Roberto Feo. Abarcando diferentes disciplinas, contextos y medios – incluyendo instalaciones, objetos, películas, performances y publicaciones, así como proyectos curatoriales, editoriales y académicos-, El Ultimo Grito produce una obra que responde a una investigación en curso sobre la naturaleza y la representación de los sistemas.

San Lorenzo, 11. 28004 Madrid
+34 91 308 0468
info@elbabenitez.com
www.elbabenitez.com

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Prácticas desafinadas en Galería JosédelaFuente
abril 252017

06.04 – 09.05.2017

Para el artista, Paco Guillén, en el arte, las libres asociaciones casi nunca son arbitrarias, la lista puede ser inagotable hasta llegar a elaborar un inventario del universo. Éste auto sondeo, el interior desvelado, la capacidad de adueñarse de sí mismo aparece unida, intrincadamente, a ser dueño de algo en general, o así lo percibo. Acaso el arte nos da la posibilidad de articularnos o desarticularnos como una experiencia autosuficiente, me pregunto. Y tal vez, las huellas del artista se borren pero todo esto que veo parece depositarse más allá, en las pupilas de un ojo espectador… Paisajes paralelos, retazos brillantes, pasajes oscuros; las figuras se cruzan con una abstracción irregular y fluida, sin mucho detalle, sin metáforas, sin grandes términos, potenciando la fuerza redentora de la disonancia. Un impulso que convulsiona y transforma las formas conjurando con sus gestos en el vacío la asechanza sin rostro del espino. El cuerpo aparente de su extrañeza parece carecer de la suficiente robustez como para ostentar, no puede llamar mucho la atención, a pesar del centelleo de pequeños brillos y colores, porque no pedir demasiado forma parte de su encanto. Sus dibujos son como las rimas ásperas o inexactas del poema en una canción desafinada, que se justifican porque el propio poema es consciente de que las palabras de la vida no encajan perfectamente en la música. Es un aire de “a medio hacer” que entraña belleza pero también la energía de buscarse. Todo ello me hizo recordar los cuentos de Borges y El Aleph, historias del infinito, laberintos, obsesiones, nostalgias, ensoñaciones, en los que se revelan grietas en la lógica de la realidad.

JosédelaFuente
c/ Daoíz y Velarde 26. 39003 Santander. Spain.
+34.942313745
www.josedelafuente.gallery

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NOVA ZEMBLA in BIKINI en Hans & Fritz Contemporary

NOVA ZEMBLA in BIKINI en Hans & Fritz Contemporary

“NOVA ZEMBLA in BIKINI" en Hans & Fritz Contemporary

marzo 292017

HANS & FRITZ CONTEMPORARY presenta NOVA ZEMBLA IN BIKINI.  Una exposición a dúo de los artistas ERICH WEISS (Barcelona / nacido en Bélgica, 1966) y NILS NOVA (Lucerna- Suiza / nacido en El Salvador, 1968).  Una aventura experimental y un trabajo en proceso, que incluye música, pintura, escultura, fotografía, video y performance. Original conceptualización y diversas disciplinas artísticas que causarán sensaciones encontradas en una de las exposiciones que más expectativas han levantado en nuestro país.

HANS & FRITZ CONTEMPORARY
Carrer de San Gil 17
08001 Barcelona, Spain
+34 934 63 75 45
info@hans-fritz.com
www.hans-fritz.com

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ATELIER SOLAR II en Espazio Trapezio

ATELIER SOLAR II en Espazio Trapezio

ATELIER SOLAR II en Espazio Trapezio

marzo 292017

Del 8 de abril al 31 de mayo de 2017

Por segundo año consecutivo Espacio Trapézio acoge la exposición que presenta los trabajos desarrollados por los artistas a lo largo del año en Atelier Solar. Los artistas Isabel Álvarez | Magda Arnaud | Palmira G. Q. |  Johanna Hincapié | Federico Miró | Laura Navarro| Rocío M. Gorbe | Víctor Ripoll | Carlos Romano | Marcel Sánchez Manzano | Diana
Velasquez  | Laura Tejedor exponen los resultados de sus investigaciones artísticas, que van desde las exploraciones del subconsciente creativo y los paisajes mentales hasta reflexiones a cerca de problemáticas contemporáneas como son las relaciones humanas y la gestión de la intimidad en la época post-internet, pasando por desarrollos técnicos y plásticos alrededor de la pintura. Atelier Solar II es la presentación pública de los últimos proyectos que se han gestado en Atelier Solar, durante la temporada 2016-2017. Se trata de mostrar algunos de los resultados de este año de creación, con toda la diversidad de trabajos que han surgido de este proceso y también con las posibles concomitancias que se pueden derivar del uso compartido de un mismo espacio físico y formativo.  Atelier Solar II es también una manera de celebrar los procesos de intercambio, aprendizaje e interacción que han tenido lugar en Atelier Solar durante este periodo concreto, sacando a la luz –por vez primera en la mayoría de los casos- el producto final de este año de creación en equipo. Atelier Solar es un espacio de trabajo y aprendizaje compartido donde varios artistas desarrollan sus proyectos personales, siguiendo la filosofía de aprender haciendo juntos. Bajo la dirección del artista y comisario Daniel Silvo, los artistas que integran Atelier Solar reciben y comparten sesiones críticas periódicas, asesoramiento para sus proyectos, talleres y visitas de otros profesionales del sector, entre otras actividades de apoyo y complemento a su creación.

Espacio trapézio.
España · C/ Augusto Figueroa, 24. Mercado de San Antón. Local 16 ·

Madrid, M 28004 · Spain

info@espaciotrapezio.org

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Darlo Todo. El Ranchito Argentina en Matadero Madrid

Darlo Todo. El Ranchito Argentina en Matadero Madrid

Darlo Todo. El Ranchito Argentina en Matadero Madrid

marzo 292017

Hasta el 30 de abril

El Ranchito Argentina abre sus puertas para presentar al público, en forma de exposición colectiva, los resultados del trabajo que han desarrollado los ocho artistas seleccionados por convocatoria pública durante su periodo de residencia en la Nave 16. La muestra, bajo el título Darlo todo, se inaugura el viernes 31 a las 19 h. con entrada libre. En el contexto de ARCO Argentina, se ha invitado a este país para realizar el intercambio de creadores del programa de residencias El Ranchito, promovido por Matadero Madrid en co-producción con AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo). Los artistas han llevado a cabo una residencia en los espacios de trabajo de El Ranchito durante 10 semanas desde el 23 de enero (españoles) y 7 semanas desde 13 de febrero (argentinos) de 2017 en la Nave 16.

Dichos artistas son Santiago Gasquet (Buenos Aires), Lucrecia Lionti (Tucumán), Isabel Marcos, Rodolfo Santiago Marqués (San Antonio de Padua), Agnès Pe, Santiago Poggio (La Plata), Luz Santos Rodero y Candela Sotos.

MATADERO MADRID

Legazpi 8, Madrid 28045

www.mataderomadrid.org

info@mataderomadrid.org

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Miguel Marina en Combustión espontánea

Miguel Marina en Combustión espontánea

Miguel Marina en Combustión espontánea

marzo 292017

Del 6 de abril al 13 de mayo

El día que visité a Miguel Marina en su estudio de Barcelona, las paredes estaban cubiertas de papeles que de algún modo contenían la evolución de un proceso que no estaba siendo fácil. Esas hojas no evidenciaban en ningún caso su levedad implícita, más bien pendían del muro como planchas de plomo, con esa gravedad de lo que lucha por desprenderse.

Pensé inmediatamente en aquellos lugares que la pintura había marcado sobre el papel, en la orografía contenida en ellos y que capa a capa había surgido de sus propias irregularidades. Entendí que las dobleces realizadas sobre algunos rescataban el dibujo y rompían el plano pictórico, creando unos volúmenes casi esbozados, pero que sin embargo convertían la superficie en algo intermedio, en un relieve de pliegos duros, suavizados por una pesantez clásica que perfilaba las sombras y daba otra dimensión a aquellos paisajes indeterminados.

Una sensación similar se produce cuando uno observa las pinturas de Miguel Marina. La imagen remite inevitablemente al paisaje, pero a un paisaje contenido en la estructura del propio papel, convirtiéndolo en un espacio de sutil relieve traído a la superficie. El trabajo de Marina supone una toma de conciencia, de análisis de la pintura como pintura nada más, tampoco nada menos. Enfrentarse al soporte asumiendo una serie de condiciones y entender el resultado como aprendizaje vital. Los papeles cuelgan ahora de las paredes de la galería del mismo modo que lo hacían en el estudio, forzando el muro y sugiriendo un peso indeterminado. Los tres niveles del espacio se corresponden también con los niveles de incidencia sobre cada una de las obras, reduciendo el volumen de la pintura a medida que vamos descendiendo, hasta convertirse casi en una veladura que permite entender el proceso y que escalón a escalón deviene en un rastro mínimo, pintando como con miedo. Pintando con un profundo respeto por lo que pintar significa.

Ángel Calvo Ulloa

GALERÍA COMBUSTIÓN ESPONTÁNEA

CALLE AMANIEL, 20. 28015, MADRID

Tlf. 910 396 145 / 676 626 709

www.combustionespontanea-art.com

marina

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El Japan Art Week en el Hotel Petit Palace Lealtad Plaza de Madrid

El Japan Art Week en el Hotel Petit Palace Lealtad Plaza de Madrid

El Japan Art Week en el Hotel Petit Palace Lealtad Plaza de Madrid

marzo 232017

Hasta el 1 de abril de 2017

El próximo viernes 24 a partir de las 19:00 horas tendrá lugar la inauguración de la primera edición de Japan Art Week (JAW)  en el Hotel Petit Palace Lealtad Plaza (C/Antonio Maura, 5, Madrid) con una exposición de suiboku (tinta sobre papel) del artista japonés Shukou Tsuchiya, así como un concierto de obras experimentales de Taku Sugimoto (JP) a cargo del colectivo maDam. Japan Art Week se extenderá hasta el 1 de abril con más exposiciones, actuaciones musicales, coloquios, proyecciones y talleres en torno al arte y la cultura japonesa. Esta primera edición del proyecto pone el acento en la influencia que ejerce la cultura japonesa en el arte, a través de exposiciones, talleres, performances, presentaciones, coloquios y proyecciones que atienden a los intercambios entre artistas japoneses y españoles. JAW está organizada entre Swinton & Grant y Photosai, con la colaboración de distintas galerías, editoriales y entidades culturales interesadas en el arte y la cultura japonesa. La joven cadena de hoteles, Petit Palace, continua con su compromiso en los creadores y en el arte de vanguardia, formando parte del proyecto como principal patrocinador a través de su programa de apoyo a la cultura, #impulsarte by Petit Palace Hoteles.

Hotel Petit Palace Lealtad Plaza

Calle de Antonio Maura, 5, 28014 Madrid

Teléfono: 915 22 45 47

japan art week

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Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Museo Metropolitano de Arte, Nueva York , EE.UU

marzo 212017

Museo Metropolitano de Arte, Nueva York , EE.UU

El Met, nombre con el que es conocido popularmente el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York está situado en un impresionante edificio de la Quinta Avenida, en Manhattan, y es visitado anualmente por más de seis millones de personas. En sus 144 años de historia, el centro ha conseguido reunir una colección que incluye más de dos millones de obras de arte de todo el mundo. Entre ellas encontramos piezas de la antigüedad grecorromana y egipcia y de África, Asia y Oceanía. Destaca además su conjunto pictórico impresionista y postimpresionista y una abundante obra de artistas norteamericanos y europeos.

1000 5th Ave, Nueva York 100 28

00 12 12 731 1498

http://www.metmuseum.org/

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Art Basel Hong Kong

Art Basel Hong Kong

Art Basel Hong Kong

marzo 202017

Del 23 al 25 de marzo de 2017

La quinta edición de Art Basel en Hong Kong contará con 242 galerías de 34 países así como una nueva unidad temática, Kabinett. Este año la feria cuenta con 29 galerías nuevas, y la mitad de las galerías del programa general tienen sede en Asia y la región del Pacífico. El evento tendrá lugar en el Centro de Convenciones y Exposiciones de Hong Kong. Se trata de las galerías de arte modernas y contemporáneas más importantes del mundo, con pinturas, esculturas, dibujos, instalaciones, fotografías, películas, vídeos y obras de arte digitales de los siglos XX y XXI

Insights presenta proyectos de galerías de Asia y la región de Asia y el Pacífico que representan a artistas de la región, desde Turquía hasta Nueva Zelanda, incluyendo Asia, Medio Oriente y el subcontinente indio. Los stands pueden incluir exposiciones individuales, material histórico de arte excepcional y exposiciones temáticas.             Discoveries ofrece una potente plataforma a los artistas contemporáneos emergentes, mostrando el trabajo de la próxima generación de talentos en una etapa temprana de su carrera. Las galerías exhiben una nueva obra creada ad hoc  para la feria por uno o dos artistas de la galería.

Los participantes del sector de Kabinett presentan exposiciones curadas en un espacio destinado específicamente para ese espacio aruitectónico.  Los conceptos curatoriales para el sector Kabinett son variados, incluyendo exposiciones temáticas de grupo, proyectos histórico-artísticos, y muestras en solitario para las futuras estrellas hoy emergentes.

Dedicada a presentar obras de escultura e instalación a gran escala de artistas de todo el mundo, Encounters ofrece a los visitantes la oportunidad de ver obras que trascienden los stands de ferias tradicionales. Curado por Alexie Glass-Kantor.

El interesante programa de conversaciones y charlas de Art Basel permite al público profundizar sus conocimientos sobre la práctica artística, el mundo artístico internacional y el mercado del arte. La serie diaria Conversations ofrece al público las propuestas teóricas de importantes agentes del mundo del arte, como artistas, curadores, críticos y coleccionistas.

Salon es una plataforma abierta para decenas de presentaciones cortas, a menudo informales, tales como charlas de artistas, conferencias y actuaciones que representan muchos aspectos diferentes del mundo artístico. Conversations & Salon está programado por Stephanie Bailey.
¿Cómo llegar?

El Aeropuerto Internacional de Hong Kong (HKIA) conecta 170 destinos a través de aproximadamente 100 aerolíneas. HKIA también está complementada por una red de transporte local altamente eficiente. Los visitantes pueden viajar al centro de la ciudad a través de Airport Express, transporte público o taxi. Swiss International Air Lines ofrece vuelos diarios desde Europa a Hong Kong, con tarifas especiales para los invitados de la feria Art Basel en Hong Kong. Para reservas, puede contactar con support.hkg@swiss.com. Westminster Travel Ltd. es la agencia oficial de Art Basel para viajes y alojamiento en Hong Kong.
Por ferrocarril Mass Transit Railway (MTR) es una de las redes ferroviarias más eficientes y de mayor alcance en Asia, ofreciéndole la posibilidad de viajar por la isla de Hong Kong, la península de Kowloon y los nuevos territorios. Estaciones bien situadas le llevarán a los destinos turísticos, comerciales, de entretenimiento y restaurantes más populares. El centro de convenciones y exposiciones de Hong Kong se encuentra a 10 minutos a pie de la estación de Wan Chai, en la isla de MTR. Por Transporte Terrestre el Airport Express está a 24 minutos en coche entre el aeropuerto y el centro de Hong Kong. Una vez que llegue a su destino de Hong Kong o la estación de Kowloon, un servicio de autobús gratuito está disponible para la mayoría de los principales hoteles y los intercambios de transporte. Por su parte el autobús público comunica bien con el aeropuerto, está bien comunicado por las rutas de autobús público, con los pasajeros hacia y desde la mayor parte de Hong Kong. Cómodo y barato, que ofrecen una opción de transporte conveniente. En coche o taxi, la distancia entre el aeropuerto y la isla de Hong Kong está cubierta en unos 45 minutos. El Centro de Convenciones y Exposiciones de Hong Kong ofrece aparcamiento en dos parkings subterráneos situados en Harbor Road y Expo Drive Central.
En Hong Kong cerca de 200 hoteles de buen nivel están convenientemente ubicados para viajeros de negocios y turistas. Desde hoteles de lujo a alojamientos económicos, Hong Kong es famosa por ofrecer un excelente servicio y cálida hospitalidad. Westminster Travel Ltd. es la agencia oficial de Art Basel para viajes y alojamiento en Hong Kong.

HK_TheShow_Discoveries

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Julio Sarramián en Aldama Fabre

Julio Sarramián en Aldama Fabre

Julio Sarramián en Aldama Fabre

marzo 202017

Hasta el 20 de mayo de 2017

La muestra, que recoge varias piezas de Sarramián se encuentra bajo un título que hace referencia a la palabra téchne, que revela la relación entre técnica y arte. A través de este discurso descubrimos paisajes arbitrarios de la tierra natal del artista, clasificados con una técnica 3D sistemática y precisa. Su mirada, entre lo natural y lo científico se ha visto siempre condicionada por el entorno y por las nuevas técnicas de mediación, haciendo del ambiente que le rodea una parte importante de su práctica artística. Anotando accidentes topográficos por medio del haz de luz que proyecta un nivel láser, consigue un elemento metafórico en la naturaleza. Estas fotografías intervenidas que configuran nuevos hábitats se entrelazan en un meticuloso trazo acrílico que configura un insólito entorno, comportando una reflexión en la experiencia cognitiva del espectador.

Julio Sarramián (n.1981, Logroño, España) vive y trabaja en Madrid. Licenciado en Filosofía y Letras y Bellas Artes, el trabajo de Sarramián se relaciona directamente con el paisaje y las distintas acepciones de éste, a través de una minuciosa reflexión en torno a la pintura y herramientas tecnológicas. Ha presentado sus obras de manera individual en ciudades como Bruselas, Buenos Aires, Madrid, Salamanca, Vigo y Logroño.

Aldama Fabre Gallery
Plaza de los Tres Pilares, 1
48003 Bilbao, España
+34 944740148

 

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Francisco J. Valverde en JMGalería

Francisco J. Valverde en JMGalería

Francisco J. Valverde en JMGalería

marzo 172017

Hasta el 3 de junio de 2017

JMGalería presenta la obra última de Francisco Javier Valverde, Oleoramas del Parque del Oeste, cuya exposición fue inaugurada el 17 de marzo en el espacio ColumnaJM de la galería. Este proyecto, que forma parte de la investigación doctoral que el autor viene realizando en torno a las relaciones que pueden establecerse entre narración, tiempo y pintura, articula la cuestión desde el estudio de los límites representacionales de la disciplina bidimensional, de forma que asume el espacio como ámbito necesario para desarrollarlos. Así, Valverde, que en su anterior proyecto expositivo, Maryon Park, ya se había interesado por establecer lecturas de sus cuadros que implicasen el recorrido físico del espectador por la sala, aquí vuelve a tensionar las posibilidades de la pintura para involucrar en ella múltiples dimensiones temporales, esta vez cruzando alegóricamente la materialidad del óleo de sus telas con la del celuloide que permite proyectar imágenes sucesivas para producir el efecto cinematográfico de imagen en movimiento. Ello le ha llevado a configurar para la ocasión una intervención espacial de varias series, conformada por un total de más de ochenta cuadros, en la que la excelente soberanía que, como pieza pictórica autónoma, ostenta cada uno de ellos, se conjuga, simultáneamente, con su condición evocadora del concepto de still, de fotograma, jugando con una continua detención y activación del tiempo. El sofisticado empleo que se nos ofrece de esta cuarta dimensión lo muestra desplegado en varios planos, haciendo de la instalación una especie de sinfonía de heterocronías que remite al espectador a un vagabundeo multitemporal por el Parque del Oeste de Málaga, lugar de paseo cotidiano de Valverde con su perro. Esta exposición, comisariada por Polaroid Star, estará acompañada por un catálogo, coeditado por Los Interventores y JMGalería, que incluye textos tanto de la comisaria como del autor.

Francisco Javier Valverde (Málaga, 1991) es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (2013), donde también ha realizado el Máster en Pro­ducción Artística Interdisciplinar (2015). Actualmente desarrolla sus estudios de Doctorado también en la UMA. Ha disfrutado de la Beca Creadores La Térmica (Málaga, 2015), de una Beca Iniciarte (Junta de Andalucía, 2013-14) y de la Beca de la UMA para la Real Aca­demia de España en Roma (2013). Su primera exposición individual, Maryon Park, tiene lugar en 2015 en la Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Málaga.

JMGalería

Duquesa de Parcent, 12.  E-29001 Málaga.

Telf: 952 216 592

e-mail: galeria@galeriajm.com

www.galeriajm.com facebook columna jm

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Javier Chozas en Twin Gallery

Javier Chozas en Twin Gallery

Javier Chozas en Twin Gallery

marzo 142017

Hasta el 22 de abril de 2017

“El coleccionista de secretos”, es un conjunto de nuevas especies descubiertas en el corazón de Internet –al fin y al cabo un nuevo territorio–, que contienen diversos arquetipos identitarios nacidos en el mundo digital, materializados en la exposición como imágenes y objetos fantásticos, una colección de especímenes todavía anómalos

Los gabinetes de curiosidades, auténticas colecciones de rarezas, nacieron en el S.XVI como respuesta a la curiosidad por conocer de primera mano el mundo remoto. Parte de esta curiosidad se dirigía a especímenes curiosos o extraños, que se coleccionaban como trofeos del mundo lejano y salvaje. Este impulso coleccionista dio lugar al nacimiento de estas habitaciones fascinantes repletas de especies animales y vegetales, minerales y objetos peculiares cuyo único punto en común era la curiosidad del que las había elegido. Hoy todos coleccionamos y nuestros hallazgos se almacenan en los dispositivos que nos rodean. Guardamos miles de imágenes, vídeos, conversaciones, contactos, enlaces y archivos que describen el mapa de nuestros intereses y que evolucionan como lo hacemos nosotros. Ese es precisamente uno de los mayores intereses de estas nuevas colecciones, que almacenan a la vista la historia de nuestras decisiones y descartes dibujando un mapa preciso de nuestro proceso de crecimiento. En ese sentido, igual que ocurre con los nuevos comportamientos digitales, las obras de la exposición contienen a la vista no solo sus capas, su historia, sino también los descartes, las correcciones y los residuos. Así, cada criatura es una instantánea de un proceso de gestación y definición en constante movimiento, una especie de golem quizás condenado a deshacerse y desaparecer en el olvido o quizás destinado a perdurar y evolucionar. Solo el tiempo lo dirá, pero quizás esa instantánea de su existencia sea un día la única prueba de su estado de incertidumbre.

Chozas nació en Madrid en 1972. Actualmente realiza el MFA Fine Art en Goldsmiths University of London, es arquitecto y en 2013 concluyó el Master en Arte, Creación e Investigación en la Facultad de Bellas Artes de Madrid. El trabajo de Javier Chozas reflexiona acerca del proceso de expansión de lo virtual hacia el territorio de lo real y explora los efectos que este nuevo escenario ha incorporado al mapa identitario del individuo.

Twin Gallery

Calle San Hermenegildo 28, 28015, Madrid

info@twingallery.es

www.twingallery.com

Javier-Chozas_Twin-Gallery-04

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Los dibujos de Ana Juan contemplados a través de una pantalla

Los dibujos de Ana Juan contemplados a través de una pantalla

Los dibujos de Ana Juan en el Museo ABC

marzo 142017

Hasta el 11 de Junio de 2017

Con ayuda de tabletas, dispositivos móviles y gafas de realidad virtual Ana Juan, dibujando al otro lado conquista el Museo ABC y nos descubre el universo creativo de la autora en una exposición en la que el visitante se convierte en protagonista.

El innovador proyecto rompe con los límites expositivos y nos descubre de una manera original y pionera en nuestro país el trabajo de esta ilustradora. Una aventura gráfica que nos acerca de manera diferente a su mundo de claroscuros, predominado por tonalidades acromáticas donde las sombras y las luces están realizadas con precisos trazos de lápiz de carbón.

Ana Juan, Premio Nacional de Ilustración 2010, es una de las ilustradoras españolas más reconocidas internacionalmente. Además de ilustrar libros, carteles y diversas campañas de publicidad, ha diseñado portadas para prestigiosas revistas como The New Yorker , colaborando en más de veinte ocasiones.

La exposición Ana Juan, dibujando al otro lado es su último proyecto. Un reto gráfico-interactivo en el que la autora ha colaborado con Unit Experimental, equipo de trabajo interdisciplinar formado por investigadores de la Facultad de Bellas Artes y la Escuela Técnica Superior de Ingeniería Informática de la Universitat Politècnica de València, especializado en la generación de herramientas transmedia principalmente orientadas a eventos culturales, museos, exposiciones y publicaciones. En su exposición individual más ambiciosa realizada hasta la fecha en Madrid, la autora presenta algunas de sus obras más destacadas como Otra vuelta de tuerca o Snowhite donde sus dibujos originales toman una nueva dimensión a través de la tecnología como punto de partida. Así, Snowhite se convierte en el origen del juego interactivo Erthaland, Snowhite ’ s Mystery Tale que expande la narración a nuevas situaciones y personajes donde el visitante podrá recorrer virtualmente el lugar en el que sucede cada escena, con ayuda de unas gafas, o interactuar con los protagonistas de la aventura mediante la realidad aumentada.

Ana Juan (Valencia, 1961) se licenció en Bellas artes en 1981 y se trasladó a Madrid un año después donde se dio a conocer en publicaciones como Madriz y La Luna y colaboraciones con los periódicos El País y El Mundo . Desde entonces ha trabajado internacionalmente ilustrando libros, carteles, campañas publicitarias y portadas de prestigiosas revistas como The New Yorker. Para esta publicación destaca la portada Solidaritée, realizada con motivo del atentado a la revista Charlie Hebdo en enero de 2015. Es autora de libros infantiles e ilustradora.

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Okuda San Miguel en Corey Helford Gallery

Okuda San Miguel en Corey Helford Gallery

Okuda San Miguel en Corey Hellford Gallery

marzo 142017

Desde el 1 hasta el 29 de abril de 2017

El artista español Okuda presenta exposición en la Galería de Los Ángeles Corey Helford. Desde el 1 hasta el 29 de abril, en Los Angeles (California), se podrá ser testigo de su personal reinterpretación de imágenes clásicas a través de una lente contemporánea, que mezcla personajes indígenas y mitología griega dentro de su propio estilo distintivo de estructuras y patrones geométricos. Okuda San Miguel ha creado una colección para esta exposición reflejo del mundo de hoy, representando desde la situación política a iconos sociales pasando por avatares sociales de actualidad -como el proyecto de muro de Donald Trump o el debate sobre el racismo- y una diversidad de otros artistas en los que encuentra inspiración. El artista también juega con esculturas clásicas que ha utilizado en anteriores exposiciones. Esta vez nos muestra su versión del Éxtasis de Bernini, la Estatua de la Libertad o Perseo sosteniendo la cabeza de Medusa. Todo esto se mezcla con los colores de los tejidos étnicos que utiliza para decorar los cuerpos de los personajes que se pueden ver en sus pinturas. En este período más maduro en la carrera de Okuda, viajar y pintar alrededor del mundo es una de sus fuentes más importantes de la inspiración. Conocer y entender las diferentes culturas que nos rodean le da la sensibilidad para expresar situaciones comunes pero siempre desde un punto de vista positivo y colorido. El resultado de esa trayectoria es una versión personal del Surrealismo Pop, muy reconocible para todo el mundo.

COREY HELDFORD GALLERY
571 S Anderson St (Enter on Willow St)
Los Angeles, CA 90033

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Tornero en Galería Juan Silió

Tornero en Galería Juan Silió

Tornero en Juan Silió

marzo 142017

Hasta el 5 de mayo de 2017

Miguel Ángel Tornero (Baeza, 1978) trae, en esta segunda individual en la galería, sus obras más recientes, en las que da un giro hacia el collage en su concepto más tradicional,  es decir, la composición manual, sin dejar de lado la fotografía. En estas obras puede encontrarse una aproximación muy personal al paisaje, dejándose ver una relación afectiva con el entorno. No es la primera vez que Tornero se ocupa del binomio collage y paisaje rural nocturno. Incluso podríamos afirmar que estas obras nacen de una revisión y una necesidad evolutiva de las fotografías y collages digitales que ha venido mostrando desde sus inicios, donde mostraba una peculiar fascinación por los descampados, las carreteras secundarias, las laderas, los arcenes, la botánica salvaje y periférica… donde recreaba inquietantes situaciones pobladas de personajes a la deriva que parecían preguntarse cómo habían llegado allí. Otras veces, simplemente documentaba –en un intencionado fracaso de objetividad-  la peculiar belleza que encontraba en cardos borriqueros, pitas y otras especies botánicas supervivientes, de las que crecen a la contra, en condiciones adversas y sin recibir ningún tipo de atención, sobre terrenos yermos y baldíos. Siempre, como esta vez, utilizando un uso crudo y directo del flash, privilegiado y áspero punto de luz que nos sitúa en primer término lo que estaba oculto.

Con esa misma iconografía, observamos en estos collages manuales sobre cartón, un diálogo entre fotografías impresas, recortadas y maltratadas con diferentes materiales cotidianos, nada nobles; un trabajo desprejuiciado, sencillo y directo, casi artesano y escenográfico, donde también pueden encontrarse los cimientos de parte de sus propuestas en el campo de la fotografía: La intención de utilizar la fotografía cada vez menos como simple contenedor al servicio de las imágenes y cada vez más como una herramienta expresiva físicamente protagonista; de estirar las posibilidades y  jugar con los soportes, de no limitar el disfrute de la obra al sentido de la vista, de explicitar el proceso, de transgredir la manera habitual de trabajar con la foto – aludiendo a veces a un espíritu amateur- convirtiendo en virtud la fragilidad del medio…

Miguel Ángel Tornero (Baeza, 1978) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada; actualmente vive y trabaja en Madrid. Ha realizado residencias artísticas en lugares como la Academia de España en Roma (2012/13) o Künstlerhaus Bethanien en Berlín (2010), y ha sido galardonado con importantes premios de fotografía como el Grünenthal (2011), Purificación García (2007) o ABC (2003); también con el Generaciones (2009) para proyectos artísticos, así como el Premio Nacional al mejor libro de Arte editado en 2014. Entre sus exposiciones individuales destacan “Looking Was Serious Work but also a Kind of Intoxication” en el DA2 de Salamanaca (2017), The Random Series -berliner trato, romananzo & madrileño trip- en Festival suizo de Fotografía de Biel/Bienne (2016) y en el Centro de Arte de Alcobendas (2015), Querido Imprevisto (2012) en la Galería Juan Silió de Santander, The Random Series -berliner trato- (2010) en Künstlerhaus Bethanien de Berlín, o Por ahora todo va bien (2007) en la Galería Luis Adelantado de Valencia.

Galería Juan Silió

C/ Sol 45, bajo 39003 Santander

Tlf./ Fax: +34 942 216257
www.juansilio.com

01 sin título _ collage sobre cartón _ 2017

 

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Luis Gordillo en La Caja Negra

Luis Gordillo en La Caja Negra

Gordillo en La Caja Negra

marzo 52017

Hasta el 15 de abril de 2017

La libertad del discurso es un elemento constante en los trabajos de Luis Gordillo. Ningún artista contemporáneo ha mantenido la frescura y novedad en sus obras como él. Lo clásico en Gordillo es la ruptura de esquemas. El núcleo de la exposición está formado por un gran conjunto de dibujos y collages en los que Gordillo ha utilizado como base un antiguo cuaderno infantil de colorear. Las inocentes/perversas imágenes se desdoblan, se iluminan, recogen fragmentos fotográficos y nos sitúan en un lugar muy querido por el artista: fantasías, alteraciones, fetichismo del objeto y de la imagen, liberados de interpretaciones rigurosas. En relación con estas obras y con motivo de la exposición, se ha editado un libro de artista titulado Luis Gordillo. Colouring Book.

Galería La Caja Negra

Fernando VI, 17 – 2º Izq 28004 Madrid

T. + 34 91 310 43 60

info@lacajanegra.com

 

 

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Alex Katz en Javier López & Fer Francés

Alex Katz en Javier López & Fer Francés

Alex Katz en Javier López & Fer Francés

marzo 52017

Hasta el 9 de mayo de 2017

Presentan por primera vez en Madrid una exposición dedicada a los cartones del artista norteamericano Alex Katz (Nueva York, 1927). Los monumentales cartones que le sirven de dibujos preparatorios para sus pinturas se han expuesto en contadas ocasiones, la primera fue en el Museo Albertina de Viena en 2005. En la muestra organizada por esta galería en la primavera de 2014 para presentar su serie Red Hat se incluyeron las cuatro fases del trabajo del pintor: estudios al óleo sobre tabla, dibujos a carboncillo, cartones para trasladar la composición a la superficie del lienzo antes de aplicar los colores y las pinturas finales. Cartoons propone un recorrido por su trayectoria de las cinco últimas décadas a través de magistrales ejemplos de los dibujos que ha empleado en pinturas emblemáticas como Eleuthera (1984), Big Red Smile (1993-94), Visor (2003) o Bathing Cap Ada (2010). Actualmente, Alex Katz es reconocido como uno de los principales artistas norteamericanos, pero su obra no se expuso a nivel internacional hasta la década de 1970 y su influencia se ha hecho más notable desde finales de los años 80. El término cartón deriva del italiano cartone, referido al tipo de papel rígido a menudo usado para traspasar las líneas principales de una composición al lienzo en blanco. Katz es uno de los pocos pintores contemporáneos que todavía emplea un procedimiento esencialmente renacentista para la realización de sus cuadros. En los cartones podemos disfrutar del carisma natural de un producto utilitario reconocido recientemente como poseedor de una gracia inconsciente y una elegancia sin pretensiones. La comprehensión de la forma y la estructura a través de la constatación final del perfil, el sombreado, la proporción, le lleva a una completa integración de lo pictórico y lo dibujístico en las obras finales ejecutadas con un único e intenso impulso.

Galería Javier López & Fer Francés

Calle Guecho, 12b, 28023 Madrid

915 93 21 84

http://www.javierlopezferfrances.com/

Alex Katz, Ada, 2015. Oil on linen. 66 x 48 inches.

Alex Katz, Ada, 2015. Oil on linen. 66 x 48 inches.

 

 

 

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Cyro García en FACTORÍA DE ARTE Y DESARROLLO

Cyro García en FACTORÍA DE ARTE Y DESARROLLO

Cyro García en FACTORÍA DE ARTE Y DESARROLLO

marzo 52017

02/03/2017 – 16/04/2017

Con Inside out (Welcome to Rota) García nos muestra una perspectiva disidente y nos hace reflexionar cómo Estados Unidos en su proceso de globalización y expansión del capitalismo, como batalla contra el comunismo soviético del siglo pasado, ha ido, junto con las políticas neoliberalistas iniciadas en los 70, destruyendo el estado del bienestar mediante la priorización de la economía sobre todo lo demás y hace que nos demos cuenta, con sus obras cubiertas de una brillante pátina dorada, que no es oro todo lo que reluce. Guerras que buscan el dominio de espacios mediante la imposición de fronteras que no dejan de ser líneas imaginarias entre territorios y que, a lo largo de la historia, las civilizaciones siempre tuvieron el afán de dotar de fisicidad con el fin de controlar el tránsito de personas y mercancías, y de paso, diferenciarse del resto. Entre los intereses de Cyro García se encuentra el significado de las fronteras y límites, tomando como objeto artístico su significante: la malla metálica y el ladrillo. Tanto PERIMETER como GOLDEN FENCE, pese a hacer referencia directa al perímetro de la base estadounidense en Rota, son ideas extrapolables a cualquier parte del mundo, donde a través de pactos de Estados se crean empalizadas para delimitar terrenos robados a la población, hecho no consensuado, obligándolos a convivir con ellos y a asumir la implantación de sus culturas y tecnologías de control. Aparte de las murallas físicas también existen las morales como vemos en WELCOME TO ROTA una intervención en la arena, junto al vallado fronterizo, que deja leer «give me pan and tell me tonto», extraída de un graffiti encontrado en la ciudad y que ejemplifica la dicotomía de aceptación-negación en la que vive la población con respecto a la Base: beneficios económicos y antiimperialismo.

Vemos como Cyro García ha hecho un análisis de la evolución que ha tenido la ciudad socio-economicamente hablando, encontrando tanto en la Base como en el boom turístico de los 70 y los 90, ya desplazada la agricultura y la pesca, su catalizador económico. Finalmente la exposición cierra con OUT INSIDE un proyecto documental que, a través de entrevistas, recorre diferentes generaciones y la relación que han tenido con la base y con el turismo, mostrando que no hay solo opiniones buenas y malas, sino matices que hacen su estudio de interés.

Factoría de Arte y Desarrollo

c/ Valverde 23; 28004 Madrid

factoriarte@factoriarte.com

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Helena Toraño en Utopía Parkway

Helena Toraño en Utopía Parkway

Helena Toraño en Utopía Parkway

marzo 52017

Hasta el 28 de abril

Su arte se ha manifestado en una amplia variedad de formatos: muestras colectivas (en galerías asturianas como Adriana Suárez, Espacio Líquido, Gema Llamazares, Guillermina Caicoya, Lola Orato…), exposiciones individuales (“Pop”, Sala Borrón, Oviedo, 2010; “Interiores”, Galería Adriana Suárez, Gijón, 2011), selección de su obra en numerosos certámenes y concursos regionales (Certamen Nacional de Arte de Luarca, el Certamen de Pintura Contemporánea “Casimiro Baragaña”, Certamen de Pintura de Villaviciosa, Bienal de pintura de Noreña), o invitación a participar en diversos proyectos artísticos (“Ópera+Artes”, Teatro Campoamor, Oviedo 2012; “Artistas y Derivados”, Museo Barjola, Gijón, 2016).

En 2014 resultó galardonada con el “Premio Asturias Joven de Artes Plásticas” por su composición “Las Cosas”; en 2015 tuvo lugar su última exposición individual hasta la fecha (“Buen Otoño nos espera”, Sala Borrón, Oviedo / Valey Centro Cultural, Castrillón) y durante este último año ha estado presente en varias ferias de arte de la mano de la Galería Gema Llamazares de Gijón (Art Marbella, JustMad7, Feria Arte Oviedo). También han visto a la luz recientemente varios trabajos de diseño editorial (ilustración de la novela “El Gran Gatsby” para la editorial Uvebooks, o el arte de los discos “Hacia el mar” de Lavandera o “Entretiempo” del dúo Møna).

Utopía Parkway

Reina11,  28004 Madrid

91 532 88 44

info@galeriautopiaparkway.com

www.galeriautopiaparkway.com

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Dibujo contemporáneo italiano en Espacio Sin Título

Dibujo contemporáneo italiano en Espacio Sin Título

Dibujo contemporáneo italiano en Espacio Sin Título

marzo 52017

Hasta el 31 de mayo la exposición Linee forti reúne cerca de 40 dibujos de los artistas Danilo Buccella, Anna Turina y Gilberto Giovagnoli. Con muy diferente factura y técnica entre los tres, su hilo conductor es la provocación. Según el comisario Antonio de Falco “el dibujo se configura al fin y al cabo como un lugar, un espacio simbólico, donde convergen reflexiones extremas y al límite, dando vida a personajes grotescos o absurdos de nuestra cultura visual, desencadenando todo un universo personal que se manifiesta de la manera más inmediata y automática. Un lugar de representación colectiva que da vida a las simbologías e iconografías desafiantes de nuestra cultura contemporánea”. Esta muestra se ha realizado en colaboración con Drawing Room, la única feria de arte contemporáneo dedicada en exclusiva al dibujo que tiene lugar en Madrid.

Espacio Sin Título

Alameda 3, 28014 Madrid

comunicacion@canoestudio.com

+34 91 429 77 74 / +34 646 006 330

04 EXPO LINEE FORTI

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Rosalía Banet en Centro de Arte Alcobendas

Rosalía Banet en Centro de Arte Alcobendas

Rosalía Banet en Centro de Arte Alcobendas

marzo 52017

Desde el 3 de marzo hasta el 1 de abril de 2017

Rosalía Banet inaugura en el Centro de Arte Alcobendas Aflicción, una muestra que retrata un individuo confuso y perdido dentro de un mundo construido por él mismo pero que cada vez le resulta más ajeno y hostil. La exposición consta de tres series principales: ‘Aflicción’, en la que la artista reflexiona sobre la obsesión y el dolor que ésta engendra; ‘Human Hairballs’, que toma como punto de partida la tricofagia, un trastorno compulsivo-obsesivo que consiste en el consumo compulsivo del propio cabello, y ‘Sangre’, donde a través de más de 100 dibujos cuyo hilo conductor es el rojo, el color de la sangre, reflexiona sobre el ser humano dentro de la sociedad actual.

Centro Arte Alcobendas

C/ Mariano Sebastián Izuel 9 28100 Alcobendas, Madrid

http://www.centrodeartealcobendas.org/

 

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Genovés en la Catedral de San Pablo de Londres

Genovés en la Catedral de San Pablo de Londres

Genovés en la Catedral de San Pablo de Londres

marzo 52017

Desde el 1 de marzo de 2017

Pablo Genovés, ha sido invitado por el comité artístico de la catedral de San Pablo (Londres), para crear una serie de obras “site specific” como parte del programa “Just Water” que presentará dicha institución a lo largo del 2017, programa inspirado por el cambio climático y que exhibirán en otras catedrales del mundo, comenzando el 1 de Marzo en Inglaterra. El agua significa vida y muerte, renacimiento y cosecha, inundaciones y sequías, mientras va fluyendo con sus mareas a través de nuestro planeta. Fundamental en los rituales de todas las religiones, es un tema más que apropiado para la catedral de San Pablo, como símbolo de esa vida. Su obra dramatiza este mundo incierto. La transición y el cambio en el tiempo son los grandes temas de sus collages fotográficos, a menudo hechos con imágenes históricas, que él llama “imágenes rescatadas”. Genovés fusiona estas imágenes encontradas con sus propias fotografías, para crear un universo flotando fuera del tiempo que nos fuerza a mirar de nuevo. Las bibliotecas barrocas, las iglesias y los palacios son poseídas hasta el punto de la destrucción por las fuerzas elementales de la Naturaleza. Las cámaras donde una vez resonaran las oraciones, las canciones y los debates están ahora condenadas al silencioso rugido de nubes, viento y mar.

St. Paul’s Churchyard, London EC4M 8AD, Reino Unido

https://www.stpauls.co.uk/

Altar

 

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“EL MAPA Y EL TERRITORIO” en camaraoscura

“EL MAPA Y EL TERRITORIO” en camaraoscura

“EL MAPA Y EL TERRITORIO” en camaraoscura

marzo 52017

10 marzo – 20 mayo 2017

Los artistas seleccionados en este proyecto son creadores de mapas, son cartógrafos. Elina Brotherus (Helsinki, Finlandia, 1972) eleva a la mujer como protagonista absoluta del paisaje, una presencia poderosa y renovadora. Por su parte, Alberto Franco Díaz (Cádiz, 1977) cuestiona la relación entre procesos geológicos y sociales con un enfoque topográfico. Nanna Hänninen (Rovaniemi, Finlandia, 1973) crea “nuevos paisajes” desde la abstracción de la realidad. En cambio, Ellen Kooi (Leeuwarden, Holanda, 1962) articula la relación entre los habitantes y su territorio. Johann Ryno de Wet (Johannesburgo, Sudáfrica, 1982) sueña con una tierra post-apocalíptica con escasas trazas de esperanza. Por último, el trabajo de Irene Sánchez Moreno (Granada, 1983) gravita sobre paisajes virtuales de una infinitud abismal e inalcanzable, en los mismos límites del mundo.

camara oscura galeria de arte

91 429 17 34

c/ Alameda, 16, 1º B

28014 Madrid

info@camaraoscura.net

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Picasso. Retratos, en el Museu Picasso de Barcelona

Picasso. Retratos, en el Museu Picasso de Barcelona

Picasso. Retratos, en el Museu Picasso de Barcelona

marzo 52017

Del 17 de marzo al 25 de junio

El Museu Picasso de Barcelona inaugura la exposición ‘Picasso. Retratos’, organizada conjuntamente con la National Portrait Gallery de Londres.

Está comisariada por Elizabeth Cowling, catedrática emérita de Historia del Arte en la Universidad de Edimburgo y especialista y comisaria independiente. La exposición cuenta con pinturas, esculturas, dibujos y grabados de todos los períodos de la larga carrera del artista.

‘Picasso. Retratos’ pone de manifiesto la importancia del retrato en la obra de Picasso. Se han reunido más de 80 obras de colecciones públicas y particulares que revelan los soportes y el abanico de estilos que cultivó Picasso para representar este género, que siempre ocupó un lugar importante en su arte.

Museu Picasso, Barcelona

Carrer Montcada, 15-23, 08003 Barcelona

93 256 30 21 – 93 256 30 26

museupicasso_premsa@bcn.cat

www.museupicasso.bcn.cat

 

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Brinkmann en Freijo Gallery

Brinkmann en Freijo Gallery

Brinkmann en Freijo Gallery

marzo 52017

Del 9 de marzo al 29 de abril de 2017

Neuroconexiones Plásticas

Se presentan obras inéditas, realizadas durante los dos últimos años y dos piezas antiguas que contextualizan perfectamente su obra. Brinkmann se dirige dentro de la abstracción hacia sus lenguajes tecnológicos relacionados con el sonido o con la radiofonía. El autor funda con otros pintores malagueños el grupo Picasso y una obra suya es adquirida por el Moma de Nueva York.

General Castaños 7, 28004 Madrid

www.galeriafreijo.com

angustias@freijofineart.com

 

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Fernanda Fragateiro, en Elba Benítez

Fernanda Fragateiro, en Elba Benítez

Fernanda Fragateiro, en Elba Benítez

febrero 172017

Del 24 de febrero – abril 2017

forget me (not), que se inaugurará el viernes 24 de febrero, coincidiendo con ARCOmadrid 2017. forget me (not) presentará una selección de trabajos nuevos y recientes de Fragateiro, que muestran la base investigadora de la artista portuguesa, una fértil revisión desde el punto de vista crítico y artístico de las prácticas en las vanguardias del siglo XX en el arte, el diseño y la arquitectura. En particular, forget me (not) se centrará en un diálogo artístico entre Fragateiro y la obra de Otti Berger, una ignorada artista textil, participante clave de la Bauhaus y que, como judía en la Alemania Nazi, fue enviada a su muerte al campo de concentración de Auschwitz. Las nuevas obras de Fragateiro, tuvieron como inspiración el ejemplo experimental de Berger, particularmente sus cualidades táctiles y ópticas. El trabajo de Fernanda Fragateiro (Montijo, Portugal, 1962) se caracteriza por un vivo interés en las prácticas vanguardistas en arte y arquitectura del siglo XX, un interés que implementa en sus esculturas e instalaciones. Si bien se basa en una amplia gama de referencias, el trabajo de Fragateiro conserva un marcado estilo personal, nacido de una economía de medios y una meticulosa estética minimalista de forma, color y textura.

El trabajo de Fragateiro se ha expuesto en Palm Springs Art Museum (2016), Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa, 2016, 2012, 2004; París, 2013; Londres, 2013), CaixaForum (Barcelona, 2016, 2004), Orlando Museum of Art (2015), Palais des Beaux-Arts de Paris (2015), Carpenter Center for the Visual Arts, Harvard University (Cambridge, 2015), Krannert Art Museum (Champaign, 2015), CIFO Art Space (Miami, 2014), Bronx Museum (Nueva York, 2014), KOLDO MITXELENA Kulturunea (San Sebastián, 2014), MUAC Museo Universitario Arte Contemporáneo (Ciudad de México, 2014), Dublin Contemporary (2011), Trienal de Arquitectura de Lisboa (2010), Fundación Botín, (Santander, 2009, 2005), IVAM Institut Valencià d’Art Modern (Valencia, 2008), CCB Fundação Centro Cultural de Belém (Lisboa, 2007, 2003), CGAC Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela, 2006, 2005, 2004, 2003, 2000), Fundação de Serralves (Oporto, 2006, 2005), Fundação Caixa Geral de Depósitos Culturgest (Lisboa, 2003, 2002, 2001, 2000). forget me (not) será la quinta exposición individual en la Galería Elba Benítez.

Elba Benítez

San Lorenzo, 11. 28004 Madrid
+34 91 308 0468
info@elbabenitez.com
www.elbabenitez.com

 

 

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“Ejercicios de resistencia” de Robbio en LCE

“Ejercicios de resistencia” de Robbio en LCE

"Ejercicios de resistencia" de Robbio en LCE

febrero 172017

Del 16 de febrero al 4 de abril de 2017

Es una muestra  organizada en colaboración con el Ministerio de Cultura de la Nación de Argentina con motivo de la celebración de ARCOmadrid 2017 en el que éste es el país invitado. Robbio es un artista argentino, con gran reconocimiento internacional, que reflexiona sobre la fuerza de la gravedad que genera el movimiento de materiales cotidianos como monedas, cuerdas o maderas. Una forma de hablar de la memoria y geometría a través del dibujo. Se trata de una exposición del artista argentino Nicolás Robbio compuesta por varias instalaciones que parten de la idea del dibujo entendida como un proceso de expansión en el que se evidencian dos conceptos fundamentales de su obra: la idea de gravedad y el dibujo como acto de resistencia. La Casa Encendida realiza esta exposición en colaboración con el Ministerio de Cultura de la Nación de Argentina con motivo de la celebración de ARCOmadrid 2017 en el que este país es el invitado. Las piezas que forman la muestra reflejan la atracción del artista por la tecnología, la ingeniería y el conocimiento científico y matemático, junto al interés por referentes como Magritte, Richard Buckminster Fuller, Nikola Tesla o Jorge Luis Borges. Robbio utiliza materiales sencillos y cotidianos como monedas, cuerdas, maderas, grafito, etc. Son elementos que generan movimiento y permiten reflexionar sobre la trasformación de la fuerza gravitacional en fuerza horizontal o vertical, evidenciando la sutil fragilidad en el acabado de sus obras. Con ellos, el artista habla de memoria y materia, de abstracción y geometría a través de la lógica del dibujo.

La Casa Encendida

Ronda de Valencia, 2. 28012 Madrid

91 368 63 58/679 72 84 27

comunicacionlce@montemadrid.es

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El CAAM presenta Ecuaciones, de Oswaldo Maciá

El CAAM presenta Ecuaciones, de Oswaldo Maciá

El CAAM presenta 'Ecuaciones de Oswaldo Maciá

febrero 172017

Hasta el 18 de junio de 2017

La exposición del artista colombiano reúne obras concebidas como esculturas a partir de objetos, imágenes, sonidos y olores. El Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Las Palmas de Gran Canaria presenta en su Sala San Antonio Abad el proyecto ‘Ecuaciones [Esculturas olfativo-acústicas]’ del  artista colombiano residente en Londres, Oswaldo Maciá. La exposición reúne sorprendentes instalaciones, concebidas como esculturas a partir de objetos, imágenes, sonidos y olores, una de las cuales ha sido creada expresamente para esta muestra. El proyecto representa un verdadero regalo para los sentidos, una propuesta que invita al visitante a dejarse llevar y descubrir nuevas formas de conocimiento y de entender la experiencia artística. Oswaldo Maciá (Cartagena, Colombia, 1960) es un destacado artista multidisciplinar que se ha significado en los últimos veinte años por sus esculturas acústicas y olfativas que reflexionan sobre cómo los sentidos perciben la información del mundo exterior y cuestionan el conocimiento y la percepción. Este artista es ante todo un escultor, como a él mismo le gusta definirse; un investigador de nuevos lenguajes y espacios de lo escultórico que cuestionan las formas de percepción asumidas desde hace siglos especialmente en el ámbito de la cultura occidental. Oswaldo Maciá ha presentado su trabajo además en espacios como el Alison Jacques Gallery (Inglaterra, 2011), Schloss Marquardt Potsdam (Alemania, 2011), Haunch of Venison (Inglaterra, 2010), White Box (EEUU, 2009), Fri-Art (Suiza, 2007), Marian Goodman Gallery (Francia, 2007), Museum of Contemporary Art (Australia, 2007), South London Gallery (Inglaterra, 2007), 51ª Bienal de Venecia (Italia, 2005), Daros LatinAmerica Collection (Suiza, 2005), Tate Liverpool (Inglaterra, 2004), Bienal de Shangai (China, 2004) o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2003), entre otros.

Centro Atlántico de Arte Moderno-CAAM
Las Palmas de Gran Canaria
34 928 311 800
Página web: www.caam.net

Presentación proyecto expositivo 'Ecuaciones [Esculturas olfativo-acústicas]' de Oswaldo Maciá. Sala S. Antonio Abad. Centro At´ántico de Arte Moderno. Las Palmas de Gran canari, 8 de febrero de 2017

 

 

 

 

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Garaicoa. Epifanías urbanas en Askuna Centroa

Garaicoa. Epifanías urbanas en Askuna Centroa

Garaicoa. Epifanías urbanas en Askuna Centroa

febrero 172017

Del 16 de febrero al 14 de mayo de 2017

Se trata de  la primera gran exposición en Bilbao del artista cubano Carlos Garaicoa. La exposición reúne tres grandes instalaciones que remiten a la idea del recorrido por el espacio urbano: ‘Fin de silencio’, un lugar de descanso y reflexión formado por un conjunto de alfombras que reproducen poéticamente los letreros de los comercios de La Habana de los años 50; ‘Alcantarillas’, una reproducción del suelo de Bilbao, donde el espectador entra a un espacio en el que la rebelión y la protesta vienen desde el propio suelo haciendo que la ciudad hable desde lo más profundo; y finalmente, ‘Partitura’, una composición musical que reescribe una nueva partitura a partir de las diferentes sonoridades de los músicos callejeros de la ciudad, constituyendo un retrato de la ciudad contemporánea. En definitiva, Carlos Garaicoa busca devolver a la calle el reclamo popular a través de objetos específicos y espacios de reflexión, proponiendo un acercamiento más poético a la ciudad.

Askuna Zentroa

Arriquíbar Plaza, 4, 48010 Bilbao, Vizcaya

944 01 40 14

http://www.azkunazentroa.eus/

 

 

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SOL, Ricardo Cases, en Fresh Gallery

SOL, Ricardo Cases, en Fresh Gallery

SOL, Ricardo Cases, en Fresh Gallery

febrero 172017

Del 16 de febrero al 17 de marzo de 2017

Continuando con la línea iniciada en “El porqué de las naranjas”, Ricardo Cases indaga de nuevo en un cliché de la costa levantina. Planteando su tarea como un juego infantil consistente en representar el sol, el autor se sumerge en la cegadora luz del verano levantino en busca de su esencia, dejándose llevar por las sensaciones y poniendo en cuestión la forma en que el sol determina la identidad, la estética y la economía local.

“Mi estrella me envía constantemente radiación de un modo masivo y no solicitado. Supongo que tanta energía es un regalo, quizás bienintencionado pero fuera de toda proporción; no sé qué hacer con él. Si hay algún tipo de Dios creador detrás de esto, ignoro cuáles pueden ser sus motivos y qué espera que haga con esto. Mi cuerpo no soporta tanta temperatura, mi retina no está adaptada para una cantidad de luz tan grande y mi cerebro no es tampoco capaz de procesarla bien”.

La Fresh Gallery

Calle Conde de Aranda, 5, 28001 Madrid

914 31 51 51

http://www.lafreshgallery.com/

 

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Jorge Macchi en CA2M

Jorge Macchi en CA2M

Jorge Macchi en CA2M

febrero 172017

Del 18 de febrero al 11 de junio

Exposición antológica de Jorge Macchi (Buenos Aires, 1963) que repasa sus 25 años de producción artística. La muestra incluye alrededor de 40 obras realizadas entre 1990 y la actualidad, y está organizada en diferentes núcleos temáticos, que incluyen sus cartografías, obras hechas de recortes periodísticos, instalaciones donde el tiempo se detiene y el efecto óptico quiebra la realidad, fantasmagorías pictóricas y videoinstalaciones en las que la música tiene un rol fundamental.

CA2M

ca2m@madrid.org

Tel. 91 276 02 21

Avda Constitución 23, 28931
Móstoles, Madrid

 

 

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Juan Cruz en el MUSAC

Juan Cruz en el MUSAC

Juan Cruz en el MUSAC

febrero 172017

Del 18 febrero – 4 junio, 2017

It Will Seem a Dream es una exposición retrospectiva del artista nacido en Palencia y residente en Londres desde los diez años Juan Cruz, un creador con una obra interesante producida en las tres últimas décadas pero poco vista en España, en parte debido a la propia naturaleza escasamente objetual de su producción. La idea es dar cuenta de su trayectoria desde los años 90 hasta la actualidad, pero haciéndolo de una forma un tanto especial: Cruz selecciona una serie de textos originales relacionados con algunas de sus obras, con ellos se publica un libro y con ellas se configura la exposición, generando así un conjunto de nuevas relaciones que hablan de las obras y de los textos a la vez que las y los abren a nuevas interpretaciones actualizadas en el tiempo. El entrelazado de las obras y de los textos hace que la exposición aparezca más como una única instalación que como una suma de obras desplegadas en el espacio. Aunque el trabajo de Juan Cruz (Palencia, 1970) se acostumbra a relacionar con el tema de la traducción y todo lo que ello implica, con la exploración -literal y metafórica, cultural y lingüística- de textos o incluso objetos a través de la palabra y de la experiencia mediada y, finalmente, con la armazón de una presencia o una identidad en proceso de construcción cultural; en el proyecto denominado Catalogue: It Will Seem a Dream pensado para el MUSAC son los textos, relacionados con algunas de sus obras y escritos a lo largo de su trayectoria, los que toman protagonismo a través de un libro y una exposición que es, más bien, una única instalación espacial. Este proyecto semeja una retrospectiva, pero en él no hay una visión cronológica de la obra de Cruz, sino más bien, sugiere recorridos entre múltiples capas e intereses que son constantes y transversales en su trayectoria.

MUSAC León

Avenida Reyes Leoneses, 24, 24008 León

987 09 00 00

http://musac.es/

 

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Aitor Saraiba  en Hell Gallery

Aitor Saraiba en Hell Gallery

Aitor Saraiba en Hell Gallery

febrero 172017

Del  23 de Marzo al 29 de abril

Pintor, poeta y heavy declarado, Saraiba se expresa en diferentes direcciones con ambición polivalente, y aunque asegura que no es ni un gran escritor ni excelente dibujante, éste talaverano dibuja, fotografía, escribe, es diseñador de ceramica y ahora, presenta en Hell Gallery su trabajo más reciente en la exposición ‘Entre las Zarzas’.

Uno de los rasgos más reconocibles en la obra de Saraiba es la combinación compulsiva de una estética marcadamente naif con mensajes contundentes, nada edulcorados y sí muy viscerales que nos hablan de la cruda realidad de la naturaleza humana. La tristeza, el dolor, las inseguridades, el miedo o la muerte vistos a través de la inocencia del niño que tuvo que crecer rápido para reconciliarse con quien era: con el rebelde, el homosexual, con el poeta. Entre las Zarzas reúne más de 80 nuevas piezas originales e inéditas, creadas por el artista en los últimos meses para esta exposición y que respiran poesía en cada trazo, en cada mancha de color. Los dibujos y cerámicas de Aitor Saraiba nos hablan de melancolía y de esperanza, de amor desastroso y soledad. Realidad autobiográfica omnipresente en la obra de este artista afincado en Madrid.

HELL GALLERY

Carrer de la Cendra 8 Bis, L1 [L2 M San Antoni] El Raval, Barcelona.

www.hellgallery.com

(+34) 930 230 781

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“Besides Colonisation” en JosedelaFuente

“Besides Colonisation” en JosedelaFuente

“Besides Colonisation” en JosedelaFuente

febrero 172017

Apropiación, convivencia y articulaciones críticas de la imagen

Del 17 de febrero al 1 de abril de 2017

Rachel Libeskind, nacida en Milán en 1989, Emilio Rojas (México, 1984) y Marco Montiel (Venezuela, 1976) revisan críticamente las referencias que alimentan la promiscuidad de la cultura visual y los contextos multiculturales que habitan. Estos tres artistas desacralizan y despojan de su aura las disímiles imágenes de las que se apropian, siendo éstas extraídas de los repertorios canónicos de la Historia del Arte o de los archivos coloniales de diversa naturaleza, instituciones encargadas de conservar y administrar un saber producido en torno al espacio colonial y donde se edificaron y guardaron con celo los estereotipos fabricados sobre los otros. En Scenes of Territory (2015), Libeskind crea una serie de comentarios críticos e irónicos sobre grabados e ilustraciones que sirvieron de modelo al conocimiento científico producido en Europa sobre los sujetos y paisajes colonizados. Por su parte, Marco Montiel Soto diseña cálidos ambientes o instalaciones penetrables que transforman la experiencia del espectador en una participación activa en las mitologías globales. Mientras tanto, en The Lion’s Teeth (20142015), Emilio Rojas articula una metáfora de la violencia e invasión del colonialismo europeo sobre el territorio americano. Esta dramática y angustiosa narración audiovisual deconstruye una historia de dominaciones sucesivas sobre los cuerpos, los paisajes y las subjetividades colonizadas, tomando como paralaje la propagación de especies botánicas invasivas que parasitan el territorio del otro, robándoles y asfixiándoles, expropiándoles de su hábitat natural.

C/ Daoiz y Velarde, 26. 39003 Santander
Tel.: +34 942 313 745
info@josedelafuente.gallery
www.josedelafuente.gallery

 

 

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‘Flotante’ en La Casa Museo Lope de Vega

‘Flotante’ en La Casa Museo Lope de Vega

‘Flotante’ en La Casa Museo Lope de Vega

febrero 172017

Hasta el 19 de marzo de 2017

‘Flotante’ forma parte del proyecto colectivo ‘En el ejercicio de las cosas’, desplegado en ocho sedes de Madrid. La muestra, que tendrá entrada gratuita, se integra dentro de Argentina Plataforma Arco e incluye el trabajo de cuatro artistas de ese país. La exposición, comisariada por Sonia Becce y Mariano Mayer, propone un diálogo entre el arte contemporáneo y el Siglo de Oro español, en el que el verso, la literatura y el lenguaje escrito son los principales ejes sobre los que estos cuatro artistas han elaborado su propuesta. Fernanda Laguna, Lux Lindner, Federico Manuel Peralta Ramos y Gastón Pérsico han partido del verso de Lope de Vega “somos iguales lo que dura el sueño” para presentar diferentes intervenciones, tanto en la sala de exposiciones del museo como en el jardín, en las que la literatura se entiende como un elemento referencial y constitutivo.

Casa Museo Lope de Vega

Calle de Cervantes, 11, 28014 Madrid

91 580 20 70

comunicacion@madrid.org

http://www.casamuseolopedevega.org/es/

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La AEPE expone en Eka & Moor

La AEPE expone en Eka & Moor

La AEPE expone en Eka & Moor

febrero 172017

Del 17 de febrero al 15 de marzo

La galería Eka & Moor (c/ Bretón de los Herreros, n° 56, de Madrid) de la mano de sus directores Pilar Sagarra de Moor y Vicente Heca, inaugura una nueva exposición del GRUPO INFANTAS, formado por socios de la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE) entidad presidida por José Gabriel Astudillo y cuya Presidenta de Honor es la Reina Doña Sofía. 26 pintores y cuatro escultores, todos ellos con una larga trayectoria profesional, ofrecen un inolvidable viaje por los estilos: realismo, abstracción, impresionismo, expresionismo, figurativo, en el que acuarelas, acrílicos, óleos, técnicas mixtas y collages se unen para mostrar su relevancia artística.

Eka & Moor

Calle Bretón de los HERREROS, 56

28003 Madrid.

Tel. 910 16 19 33

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‘Theriomorphism’en Galería Kreisler

‘Theriomorphism’en Galería Kreisler

‘Theriomorphism’en Galería Kreisler

febrero 172017

Del 21 al 26 de febrero

Un año más por estas fechas, esas en las que el mundo del arte contemporáneo se reúne en Madrid al calor de las diferentes ferias y exposiciones que dan lugar a la semana del arte en la capital de España, regresa: la muestra de nuevo arte contemporáneo comisariada por el artista Okuda San Miguel. En su ya cuarta edición, ‘Theriomorphism’ volverá a convertirse en una cita para todos los amantes del mejor, y más novedoso, arte al abrigo de la selección de artistas realizada por Okuda. Así, la francesa A. Urruty, Samuel Salcedo y Waone(una de las dos mitades del dúo ucraniano Interesni Kazki) se sumarán a la ya ilustre lista de invitados que han dejado su firma previamente, formada por Miss Van, Charlie Immer o el mexicano Saner entre otros. Ante la lectura de tales nombres dentro del panorama artístico internacional, tan solo queda recordar que ‘Theriomorphism’ es una exhibición de arte que gira en torno a la capacidad del hombre (real o supuesta) de convertirse o asimilarse, de manera completa o parcial, en animal o bestia.

Galería Kreisler,

Calle de Hermosilla, 8, 28001 Madrid

915 76 16 64

http://www.galeriakreisler.com/

 

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ART BASEL MIAMI BEACH

ART BASEL MIAMI BEACH

ART BASEL MIAMI BEACH

febrero 82017

Art Basel Miami (Miami, USA)

Es la filial de Art Basel en Estados Únidos, donde mejor se pone de manifiesto una evidente y muy visible combinación de arte, moda, dinero y presencia mediática de celebridades del mundo del espectáculo y del deporte que se pasean entre las galerías acaparando la mayoría del interés. Fue creada para facilitar el acceso de un tremendo potencial del mercado del arte al continente americano que aún no habían captado las demás ferias. Se celebra a principios del mes de diciembre.

625 MADISON AVENUE, NEW YORK CITY

NY 10022

WWW.ARTBASEL/MIAMIBEACH.COM

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The Armory Show, Nueva York

The Armory Show, Nueva York

The Armory Show New York

febrero 82017

The Armory Show (Nueva York)

Comenzó como The Gramercy Internactional Fair, la primera feria de arte celebrada en un hotel y que ha crecido hasta acoger a casi 150 galerías de arte contemporáneo y otras 80 de arte moderno, todo ello enmarcado en la Armory Arts Fair Week. Se celebra a principios de marzo.

711 12th Avenue, New York, 10019

12126456440

https://www.thearmoryshow.com/

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ART COLONIA

ART COLONIA

ART COLONIA

febrero 82017

Art Colonia (Alemania)

Es la feria de arte más antigua del mundo y aunque ha pasado por momentos mejores parece remontar el vuelo por una acertada política de  exhibiciones de arte contemporáneo, moderno y de posguerra. Ha superado ya las 50 ediciones. Se celebra a mediados de abril.

Messeplatz 1 50679 Cologne, Germany

49 221 821 2076

http://www.artcologne.de

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FIAC PARÍS

FIAC PARÍS

FIAC PARÍS

febrero 82017

FIAC París

Es otra de las ferias internacionales de arte contemporáneo y moderno que se aprovecha del entorno perfecto que es París y el Grand Palais, a pesar de que no se encuentra en su mejor época. Casi 100.000 visitantes no fallan a su cita anual.

Avenue Winston Churchill, 75008 Paris, Francia

http://www.fiac.com/paris

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FLECHA

FLECHA

FLECHA

febrero 82017

FLECHA

La Feria de Liberación de Espacios Comerciales Hacia el Arte, que se celebra en el Centro Comercial Arturo Soria de Madrid. La muestra exhibe un conjunto de obras realizadas con distintas técnicas como pintura, grabado, dibujo, escultura y fotografía. FLECHA nació en 1991 impulsada por un colectivo de artistas que buscaban nuevas vías de exhibición y comercialización de sus obras. Gestionada por artistas, la feria se ha consolidado, cumpliendo ya 25 años, hasta alcanzar el prestigio que la convierte en un espacio alternativo donde descubrir tanto a artistas nuevos como obras originales de los ya consagrados.

Arturo Soria, 126, Madrid

91 759 76 32

www.flecha.es

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URVANITY

URVANITY

URVANITY

febrero 82017

Urvanity

Urvanity es una plataforma de contenidos impulsora de los valores artísticos que a día de hoy conforman la nueva cultura popular, que apuesta por un Arte Contemporáneo Actual que ha experimentado un crecimiento exponencial en las dos últimas décadas. Una corriente de la que es innegable su fuerza y valor, no sólo por su evidente presencia en el espacio público urbano.

Palacio Neptuno, 42  28014 Madrid

34 607 967 676

http://www.urvanity-art.com

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ESTAMPA

ESTAMPA

Estampa Madrid

febrero 82017

Estampa

Desde su creación en 1993, esta feria de arte contemporáneo se ha convertido en una referencia anual para galerías, editores e instituciones dedicadas a la colección, promoción y difusión de ediciones de arte contemporáneo. Estampa es un salón profesional que se centra en las diversas manifestaciones de arte seriado, como son las ediciones de fotografía, grabado, escultura, vídeo, arte digital, discos o libros de artista y fotografía. Cada año, además, ofrece las obras de algún artista invitado.

Calle de la Infanta Mercedes, 90 Madrid

28020 Madrid

915 44 77 27

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ART MARBELLA

ART MARBELLA

ART MARBELLA

febrero 82017

ART Marbella Fair

Certamen creado para dotar a la ciudad de un espacio dedicado al arte contemporáneo, dando cabida a prestigiosas galerías nacionales e internacionales. Objetivos: Contribuir al intercambio de experiencias creativas entre corrientes artísticas de todo el mundo y establecer una relación más estrecha entre os artistas, por una parte y las empresas, instituciones, museos y coleccionistas privados, por otra. Promover la oferta cultural de la ciudad con eventos de calidad. Potenciar el desarrollo económico de la ciudad a través de la comercialización del arte y convertir el evento en un punto de encuentro cultural para contribuir a la difusión del Arte Contemporáneo entre los visitantes de Marbella.

Marbella, Málaga, España

http://marbellafair.com/

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ART MADRID

ART MADRID

ART MADRID

febrero 82017

Art Madrid

Art Madrid se ha consolidado en estos años como una feria multidisciplinar en la que participan galerías dedicadas a la pintura, escultura, obra gráfica y fotografía desde el siglo XX en adelante, sin olvidar disciplinas como la performance, el videoarte, instalaciones artísticas y proyectos site-specifc. Art Madrid defiende un modelo de feria realista, dinámica, abarcable y humana, con un variado programa paralelo de actividades para todo tipo de público y que apuesta por las sinergias y colaboraciones con diversas instituciones y agentes culturales.

Calle de Ríos Rosas, 54  28003 Madrid

915 35 87 11

http://www.art-madrid.com/

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HYBRID

HYBRID

HYBRID MADRID

febrero 82017

HYBRID

Hybrid es un festival urbano multisede que reivindica el valor de los espacios de arte híbridos, aquellos que apuestan por un formato más transversal donde el arte convive con otras disciplinas. El objetivo de Hybrid es dar visibilidad a los espacios alternativos de iniciativa privada que han dejado atrás el concepto clásico de galería de arte como lugar meramente expositivo para convertirse en espacios culturales que logran abrir las puertas a un público más diverso y activo.

Marqués de Vadillo, Madrid

639 545 101

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Drawing Room

Drawing Room

Drawing Room Madrid

febrero 82017

Drawing Room Madrid

Drawing Room Madrid es un encuentro especializado que marca la ocasión para hacer descubrir al publico la riqueza de la práctica transgeneracional del dibujo contemporáneo, en donde se encuentra la nueva generación de artistas que se ha apropiado del dibujo como médium privilegiado y la indiscutible devoción de los grandes maestros del arte por el dibujo.

Calle de Velázquez, 12  28001 Madrid (España)

942 375 568

Feria de Dibujo Contemporáneo

 

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JustMAD

JustMAD

JustMAD

febrero 82017

JustMAD

Es una feria de arte contemporáneo concebida para servir de plataforma de promoción y difusión del arte contemporáneo más emergente. Lejos de estereotipos, JustMAD tiene un sólido compromiso con aquellas propuestas innovadoras tanto en su concepción estética como a nivel de gestión cultural. Se lleva a cabo en el mes de Febrero.

Calle Hortaleza, 63  28004 Madrid

Feria Arte Emergente Madrid 2017

 

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ARCOmadrid

ARCOmadrid

ARCO

febrero 82017

ARCO (Madrid, España)

Es una feria internacional de arte contemporáneo con especial interés por los artistas y coleccionistas españoles y latinoamericanos. Se trata de una de las ferias con más presencia de visitantes en el mundo, cerca de 200.000 en su última edición. Finales de febrero. Prácticamente todo el mercado español de arte contemporáneo gira en torno a la feria.

Av. Partenón, 5, 28042 Madrid

902 22 15 15

http://ifema.es/arcomadrid_01

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Frieze Art Fair Londres

Frieze Art Fair Londres

Frieze Art Fair (Londres)

febrero 82017

Frieze Art Fair (Londres)

Es una feria de arte contemporáneo y emergente en la que se combinan las actividades culturales con la comercialización de arte. Su evolución está en una continua expansión, incluyendo una versión en Nueva York. Se celebra en octubre. Fue fundada por los propietarios de la revista Frieze. Más de 500 galerías expusieron sus obras en la última edición.

1 Montclare Street London
E2 7EU, UK
44 (0)203 372 6111

https://frieze.com/fairs/frieze-london

 

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TEFAF, Maastricht

TEFAF, Maastricht

TEFAF (Maastricht, Holanda)

febrero 82017

TEFAF (Maastricht, Holanda)

Es la feria de arte y antigüedades líder en su sector y con un perfil distinto al del resto de ferias tradicionales, ya que el arte contemporáneo se incluyo en su catálogo desde hace relativamente poco. Marchantes y anticuarios son los protagonistas. Y las obras abarcan todos los periodos históricos del arte, desde la antigüedad a nuestros días. Para muchos es la más exclusiva de las ferias. La feria atrae a unos 85.000 visitantes al año, todos de elevadísimo poder adquisitivo. Recientemente se ha franquiciado a la ciudad de Nueva York, con un buen éxito de asistencia y de operaciones culminadas. Se celebra en el mes de marzo.

Forum 100, 5268 HD Maastricht, Países Bajos

31 411 645 090

https://www.tefaf.com/

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ART BASEL

ART BASEL

ART BASEL

febrero 82017

ART BASEL, Basilea, Suiza

Art Basel (Basilea, Suiza) es la feria de arte moderno y contemporáneo con mayor prestigio e influencia en el mercado del arte. Con cerca de 100.000 visitantes recibidos y más de 300 galerías de 38 países distintos, donde se dieron cabida a cerca de 2.700 artistas en su edición de 2015. Se celebra a mediados del mes de junio.

4005, Messepl. 10, 4058 Basel, Suiza

41 58 200 20 20

https://www.artbasel.com/

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Museo de Pérgamo, Berlín

Museo de Pérgamo, Berlín

Museo de Pérgamo, Berlín, Alemania

febrero 82017

Museo de Pérgamo, Berlín, Alemania

Inaugurado en 1930, el Museo de Pérgamo es el museo más imponente de la Isla de los Museos y el más visitado de todo Berlín. En el interior del edificio con aspecto babilónico, se expone la impresionante Colección de Antigüedades, además del Museo de Oriente y el Museo de Arte Islámico. La primera de las salas, acoge la edificación más impresionante del museo, el Altar de Pérgamo, construido hace más de 2.000 años para dar las gracias a los dioses por las bendiciones concedidas. El altar, que da nombre al museo, fue desenterrado en la acrópolis de la ciudad griega de Pérgamo aunque, por desgracia, gran parte del altar erigido sobre el año 170 a.C. se encontró destruido.

Bodestraße 1-3, 10178 Berlin, Alemania

49 30 266424242

http://www.smb.museum/museen-und-einrichtungen/pergamonmuseum/home.html

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Kunsthaus Zürich

Kunsthaus Zürich

Kunsthaus Zürich, Suiza

febrero 82017

Kunsthaus Zürich, Suiza

El Kunsthaus es un museo en la ciudad suiza de Zúrich. Alberga una de las colecciones de arte más importantes de Suiza y Europa, reunida a través de los años por la asociación de arte local Zürcher Kunstgesellschaft. El “Kunsthaus Zürich” acoge la colección del modernismo más importante de Zurich y tiene fama tanto por su colección de parte permanente como también por sus exposiciones temporales. Aparte de obras de Alberto Giacometti se hallan aquí también importantes cuadros de Picasso, Monet y Chagall así como de numerosos artistas contemporáneos de Suiza. Lo más destacado del Kunsthaus es la mayor colección de Munch fuera de Noruega, la mayor colección de obras de museo de Alberto Giacometti, así como cuadros importantes de Monet, Picasso, Chagall, Kokoschka, Beckmann y Corinth. La Escuela de Nueva York con Pollock, Rothko y Newman está igual de representada que el arte pop europeo y americano. El resurgimiento expresivo de los años 80 se despliega principalmente en el sobresaliente grupo de obras de Georg Baselitz. Lo más destacado son los cuadros y las curiosas esculturas de Cy Twombly. Las instalaciones de vídeo y las fotografías de, por ejemplo, Fischli/Weiss y Pipilotti Rist le conducen hasta el siglo XXI.

Heimplatz 1, 8001 Zürich, Suiza

41  044 253 84 33

http://www.kunsthaus.ch/

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Kuntsmuseum Basilea

Kuntsmuseum Basilea

Kuntsmuseum Basilea, Suiza

febrero 82017

Kuntsmuseum Basilea, Suiza

El Museo de Arte de Basilea, también conocido como Colección Pública de Arte de Basilea, es una institución estatal dedicada al arte situada en la ciudad suiza de Basilea. El Kunstmuseum Basel fue seleccionado en 2013 como uno de los cinco mejores museos del mundo por el Times londinense. Recientemente se ha inaugurado la ampliación conectada subterráneamente con el edificio principal, obra de los arquitectos de Basilea Christ & Gantenbein. El edificio principal en St. Alban-Graben alberga obras del periodo comprendido entre el siglo XV y 1960. Las espaciosas salas de la nueva instalación acogerán pronto las exposiciones especiales; aquí se exhiben además las obras de los años 1960 a 1990. Los tres edificios del Kunstmuseum Basel representan una superficie expositiva próxima a los 10 000 metros cuadrado

St, Alban – Graben 16, 4051, Basilea, Suiza

41 61 206 62 62

http://www.kunstmuseumbasel.ch/de/home/

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Deutsche Bank KunstHalle, Berlín

Deutsche Bank KunstHalle, Berlín

Deutsche Bank KunstHalle, Berlín, Alemania

febrero 82017

Deutsche Bank KunstHalle, Berlín, Alemania

Casi todo lo que aquí se presenta ha sido concebido especialmente para las salas de exposición del Deutsche Bank KunstHalle: autores internacionales muestran aquí sus trabajos de encargo, principalmente esculturas e instalaciones artísticas, pero también pinturas y dibujos. Por aquí han pasado obras de Imi Knoebel, Wangechi Mutu, Phoebe Washburn o Anish Kapoor. El pabellón de exposiciones del Deutsche Bank KunstHalle se encuentra en el sótano del edificio de arenisca del Deutsche Bank, construido en 1920. Bajo planos del arquitecto americano Richard Gluckman se estableció una gran galería de 510 m² de estructura clara y que es empresa conjunta del Deutsche Bank y de la Solomon R. Guggenheim Foundation en 1997.

Unter den Linden 13/15, 10117 Berlín, Alemania

49 30 2020930

http://www.deutsche-bank-kunsthalle.de/kunsthalle/de/

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Galería Uffizi, Florencia

Galería Uffizi, Florencia

Piazzale degli Uffizi, 6, 50122 Firenze, Italia

febrero 82017

Galería Uffizi, Florencia, Italia

La Galería Uffizi es un palacio y museo en Florencia, el cual contiene una de las más antiguas y famosas colecciones de arte del mundo.

Piazzale degli Uffizi, 6, 50122 Firenze, Italia

http://www.uffizi.it/index.php?it/171/gli-uffizi

39 055 294 883

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Museo Van Gogh, Amsterdam

Museo Van Gogh, Amsterdam

Museo Van Gogh, Amsterdam, Holanda

febrero 82017

Museo Van Gogh, Amsterdam, Holanda

El Museo van Gogh es una pinacoteca ubicada en Ámsterdam, Países Bajos, que alberga la colección de obras del pintor holandés Vincent van Gogh.

Museumplein 6, 1071 DJ Amsterdam, Países Bajos

31 20 570 5200

https://www.vangoghmuseum.nl/

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Rijksmuseum, Amsterdam

Rijksmuseum, Amsterdam

Rijksmuseum, Amsterdam, Holanda

febrero 82017

Rijksmuseum, Amsterdam, Holanda

El Rijksmuseum o Museo Nacional de Ámsterdam se encuentra ubicado en Ámsterdam, capital de los Países Bajos. Está dedicado al arte, la artesanía y la historia.

Museumstraat 1, 1071 XX Amsterdam, Países Bajos

31 900 0745

https://www.rijksmuseum.nl/en

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Tate Modern, Londres

Tate Modern, Londres

Tate Modern, Londres, Reino Unido

febrero 82017

Tate Modern, Londres, Reino Unido

Tate Modern es el nombre por el que se conoce el Museo Nacional Británico de Arte Moderno. Se encuentra ubicado en el centro de Londres y forma parte del grupo de museos Tate. Se encuentra alojado en la antigua central de energía de Bankside, originalmente diseñada por sir Giles Scott y construida en dos fases entre 1947 y 1963. La central eléctrica fue cerrada en 1981 y el edificio fue reconvertido en museo por los arquitectos suizos Herzog & de Meuron, quienes tras resultar vencedores en un concurso internacional dieron al edificio su imagen actual.

Bankside, London SE1 9TG, Reino Unido

44 20 7887 8888

http://www.tate.org.uk/visit/tate-modern

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Centro Pompidou, París

Centro Pompidou, París

Centro Pompidou, París, Francia

febrero 82017

Centro Pompidou, París, Francia

El Centro Georges Pompidou, también conocido como Beaubourg, alberga una de las mejores colecciones de arte moderno y contemporáneo del mundo, comparable con la del Moma de Nueva York o la del Modern Tate de Londres. Inaugurado en 1977 en uno de los barrios más antiguos de la ciudad, el Centro Pompidou fue una obra pionera de la arquitectura contemporánea, capaz de crear un gran contraste con el gris paisaje urbano de la zona gracias a los tubos de colores situados en el exterior del edificio.

Place Georges-Pompidou, 75004 Paris, Francia

33 01 44 78 12 33

https://www.centrepompidou.fr/

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MOMA Nueva York

MOMA Nueva York

MOMA Nueva York, EEUU

febrero 82017

MOMA Nueva York, EEUU

Fundado en 1929 por Lillie P. Bliss, Abby Aldrich Rockefeller, Mary Quinn Sullivan y cuatro socios fundadores más, el Museo de Arte Moderno (conocido por sus siglas en inglés MoMA) fue el primer museo dedicado a la era moderna. Comenzando con el innovador arte europeo de la década de 1880, la colección contiene valiosas obras de cada período siguiente de cultura visual hasta el presente; incluye medios modernos tan diferenciados como el cine y el diseño industrial, además de otros medios más tradicionales. La colección del MoMA ofrece una visión general del arte moderno y contemporáneo sin comparación.

11 W 53rd St, New York, NY 10019, EE. UU.

https://www.moma.org/

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Museo del Louvre, París

Museo del Louvre, París

Museo del Louvre, París, Francia

febrero 82017

Museo del Louvre, París, Francia

El Museo del Louvre es el museo nacional de Francia consagrado al arte anterior al impresionismo, tanto bellas artes como arqueología y artes decorativas. Es uno de los más importantes del mundo.

75001 París, Francia

33 140 20 50 50

http://www.louvre.fr/

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Museo de Orsay, París

Museo de Orsay, París

Museo de Orsay, París, Francia

febrero 82017

Museo de Orsay, París, Francia

El Museo de Orsay, considerado el nº1 mundial en arte impresionista, cuenta con obras de pintores de renombre universal como Renoir, Van Gogh o Claude Monet. El centro, que ocupa el antiguo edificio de la estación de trenes de Orsay, situado a orillas del Sena, fue inaugurado en 1986. Sus colecciones expuestas abarcan el período 1848-1914.

Rue de la Legión de Honor,  75007 París

33 01 40 49 48 14

http://www.musee-orsay.fr/

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Hermitage, San Petersburgo

Hermitage, San Petersburgo

Hermitage, San Petersburgo, Rusia

febrero 82017

Hermitage, San Petersburgo, Rusia

Uno de los grandes atractivos de San Petersburgo es, sin duda alguna, el Museo del Hermitage, un destino imprescindible para los amantes del arte, considerado como uno de los  mejores de Europa. Y es que el centro, que suma 250 años de historia, puede presumir de poseer entre sus más de tres millones de obras en exposición, una de las pinacotecas más completas del mundo. Además de pintura, el museo destaca por su gran colección de escultura, obra gráfica, monedas, medallas y restos arqueológicos distribuidos en cinco espectaculares palacios situados frente al río Neva.

Plaza del Palacio, 2  190000 San Petersburgo

7 812 710 9079

http://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage

 

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Instituto de Arte de Chicago

Instituto de Arte de Chicago

Instituto de Arte de Chicago, Chicago, EE.UU

febrero 82017

Instituto de Arte de Chicago, EE.UU

El Instituto de Arte de Chicago tiene entre su espectacular colección, formada por más de 300.000 piezas, su muestra permanente de impresionismo, postimpresionismo y de autores estadounidenses. Requieren una mención especial auténticas joyas de la pintura española, con lienzos de autores como El Greco o José de Ribera, y de artistas italianos, flamencos y holandeses. El museo posee además un interesante fondo de escultura, arquitectura, fotografía y textil. Todo ello atrae a esta ciudad de Illinois más de 1,5 millones de visitantes de todo el mundo.

111 S Michigan Ave, Chicago 60603 EEUU

312 443 36 00

http://www.artic.edu/

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El Museo Nacional de Colombia, Bogotá

El Museo Nacional de Colombia, Bogotá

El Museo Nacional de Colombia, Bogotá

febrero 82017

El Museo Nacional de Colombia, Bogotá

Es el primer museo de Colombia y uno de los más antiguos de América, por lo que su colección, dividida en arte, arqueología, historia y etnografía, se ha convertido en un atractivo esencial para quienes disfrutan de estos espacios. Entre su exposición permanente se encuentran obras de los principales artistas plásticos de Colombia, la colección más amplia de iconografías de Simón Bolívar en América Latina, piezas etnográficas y arqueológicas de todas las culturas prehispánicas del país, documentos y artículos históricos provenientes de diferentes países de la región, entre otros. 

Carrera 7ª, N 28-66

57 1 381 6470

http://www.museonacional.gov.co/Paginas/default.aspx

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Museo de Arte Moderno, Méjico

Museo de Arte Moderno, Méjico

Museo de Arte Moderno, Méjico

febrero 82017

Museo de Arte Moderno, Méjico

Desde su fundación, el MAM ha desempeñado un papel decisivo en la consolidación y la difusión de un patrimonio público, en virtud principalmente de su excepcional colección que abarca un arco temporal de largo alcance (de la década de 1920 al presente) pero que, por su misma configuración evolutiva, implica una vocación retrospectiva y a la vez prospectiva. Al inaugurarse en 1964, como parte del programa de institucionalización de la cultura que caracterizó al gobierno de Adolfo López Mateos, el Museo de Arte Moderno (MAM) adquirió la calidad de emblema oficial de la modernización del país.

Paseo de la Reforma, Ciudad de Méjico

55 864 75530

http://www.museoartemoderno.com/

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Pinacoteca del Estado de Sao Paulo

Pinacoteca del Estado de Sao Paulo

Pinacoteca del Estado de Sao Paulo, Brasil

febrero 82017

Pinacoteca del Estado de Sao Paulo, Brasil

Este museo se localiza en San Pablo, Brasil, y es uno de los más importantes del país con más de 6 mil obras entre  esculturas, tapices, pinturas, porcelana, vajilla, etc. que nos cuentan y representan la historia de Brasil entre los siglos XIX y XX.

Plaza de la Luz, 2  01120010 Sao Paulo

55 11 3324 1000

http://www.pinacoteca.org.br/pinacoteca-pt/

 

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Museo de Arte Contemporáneo, Caracas

Museo de Arte Contemporáneo, Caracas

Museo de Arte Contemporáneo, MACC, Caracas

febrero 82017

Museo de Arte Contemporáneo, MACC, Caracas

La capital venezolana también es uno de los principales núcleos artísticos del continente. En el museo MACC, que abrió sus puertas en 1974, existen trabajos artísticos de todas la ramas, desde pintura, dibujo  escultura, hasta cine y fotografía. Ubicado en el complejo cultural Teresa Carreño, MACC cuenta con un patrimonio de tres mil piezas distribuidas en 16 salas, además cuenta con una biblioteca especializada, talleres, una plaza techada, sala multimedia, galería-jardín de esculturas y otros espacios donde artistas de la talla de Picasso, y Miró.

Parque Central, Avda Simón Bolívar, Caracas

58 212 5738289

http://mac.fmn.gob.ve/

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Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile

Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile

Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile

febrero 82017

Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile

Una de las mayores concentraciones de obras artísticas valiosas en Chile, se distribuye a través del prestigioso museo Nacional de Bellas Artes, ubicado, precisamente, en el interior del palacio que lleva el mismo nombre. Entre sus salas, de un marcado estilo neoclásico, se exhiben obras de todos los géneros artísticos de la plástica, de los más renombrados artistas, y desde el 2002, se aplica la política de museo sin muros, trasladando las exhibiciones a diferentes lugares públicos.

Parque Forestal S/N, Santiago de Chile, Región Metropolitana

56 2 2499 1600

http://www.mnba.cl/617/w3-propertyvalue-38955.html

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Museo Larco Herrera, Lima

Museo Larco Herrera, Lima

Museo Larco Herrera, Lima

febrero 82017

Museo Larco Herrera, Lima

La institución fundada hace 85 años, atesora una colección de objetos que son fiel representación de los tres mil años de historia del Perú precolombino, con espectaculares galerías que reúnen en orden cronológico, la muestra de obras en oro y plata de sus antepasados incas. La construcción está ubicada en los espacios de una mansión virreinal que data del siglo XIII, y que fue elevado sobre una pirámide precolombina del siglo VII.

Avenida del Simón Bolívar, 1515, Pueblo Libre 15084 Lima, Perú

51 1 461 13 12

http://www.museolarco.org/

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Museo Soumaya, Méjico

Museo Soumaya, Méjico

Museo Soumaya, Méjico

febrero 82017

Museo Soumaya, Méjico

Inaugurado recientemente por donación de el magnate mexicano, Carlos Slim, el museo Soumaya guarda en sus pasillos una de las más importantes colecciones de Latinoamérica, con una inversión total de 800 millones de dólares. Bautizado así en honor a su fallecida esposa y diseñado por el arquitecto Fernando Romero, esta construcción tiene alrededor de 17 mil metros cuadrados con obras de grandes artistas como Rodin, Dalí, Tiziano, El Greco, Da Vinci, Renoir, Monet y Degas, entre otros. En  su entrada se puede apreciar una de las ocho réplicas exactas, realizada en cobre,  de “La Piedad” de Miguel Ángel, junto a un mural en mosaico creado por Diego Rivera.

Bulevar Cervantes Saavedra, 533   11529 Ciudad de Méjico

1103529

http://www.soumaya.com.mx/index.php/esp

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Matadero, Madrid

Matadero, Madrid

Matadero, Madrid

febrero 82017

Matadero, Madrid

Matadero Madrid se define en su plan director como un gran laboratorio de creación actual interdisciplinar vinculado a la ciudad, un espacio generalista de intercambio de ideas sobre la cultura y los valores de la sociedad contemporánea, abierto a todos los campos de la creación, con el fin de favorecer el encuentro y el diálogo de los creadores entre sí y de éstos con el público. Es un centro creado en 2006 por el Ayuntamiento de Madrid, que le otorgó el mandato de “promover la investigación, la producción, la formación y la difusión de la creación y el pensamiento contemporáneo en todas sus manifestaciones. Sus áreas de actividad son las artes visuales, las escénicas, la literatura y lectura, el pensamiento, la música y el arte sonoro, el cine, el diseño, la moda, la arquitectura, urbanismo y el paisajismo, desde las que se potencia un enfoque integral y multidisciplinar de la creación”.

Paseo de la Chopera, 14   28014 Madrid

91 517 73 09

http://www.mataderomadrid.org/

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Museo Lázaro Galdiano, Madrid

Museo Lázaro Galdiano, Madrid

Museo Lázaro Galdiano, Madrid

febrero 82017

Museo Lázaro Galdiano, Madrid

El Museo Lázaro Galdiano abrió sus puertas al público el 27 de enero de 1951 tras haber sido inventariados sus fondos por Emilio Camps Cazorla (1903-1952) cumpliendo el deseo de José Lázaro Galdiano de que su Colección sirviera para la formación y el disfrute de las generaciones futuras.

Serrano, 122  28006 Madrid

91 561 60 84

http://www.flg.es/

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La Casa Encendida, Madrid

La Casa Encendida, Madrid

La Casa Encendida, Madrid

febrero 82017

La Casa Encendida, Madrid

La Casa Encendida es un centro social y cultural de la Fundación Montemadrid, un espacio abierto y dinámico, para todos los públicos, donde conviven algunas de las expresiones artísticas más vanguardistas con actividades educativas, de reflexión y de debate, que giran en torno a sus cuatro áreas de actuación: Cultura, Solidaridad, Medio Ambiente y Educación. Desde cada una de ellas se desarrollan diversas actividades que responden a los intereses y demandas de un público comprometido e interesado en las derivas de la actualidad

Ronda de Valencia, 2  28012 Madrid

902 43 03 22

http://www.lacasaencendida.es/

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Fundación Juan March, Madrid

Fundación Juan March, Madrid

Fundación Juan March, Madrid

febrero 82017

Fundación Juan March, Madrid

La Fundación Juan March fue creada en 1955 por el financiero español Juan March Ordinas, la Fundación Juan March desarrolla sus actividades filantrópicas en el campo de la cultura humanística y científica.

Castelló, 77   28006 Madrid

91 435 42 40

http://www.march.es/

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Espacio Fundación Telefónica

Espacio Fundación Telefónica

Fundación Telefónica

febrero 82017

Espacio Fundación Telefónica

Inaugurado el 8 de mayo de 2012, el Espacio Fundación Telefónica nace con el objetivo de acoger la nueva cultura del siglo XXI y convertirse en un lugar de debate, reflexión, comunicación y encuentro en el corazón de Madrid. Con un total de 6.370 metros cuadrados, distribuidos entre cuatro plantas, la histórica sede del Grupo cuenta ahora con un auditorio para conferencias, debates, jornadas educativas o proyecciones de cine; salas para la realización de talleres y varios espacios expositivos, además del hall de acceso y una tienda en la planta baja.

Fuencarral, 3  28004 Madrid

91 80 87 00

https://espacio.fundaciontelefonica.com/

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CaixaForum, Madrid

CaixaForum, Madrid

CaixaForum, Madrid

febrero 82017

CaixaForum, Madrid

CaixaForum Madrid es un centro sociocultural propio del siglo XXI que abre sus puertas al arte antiguo, moderno y contemporáneo, a los festivales de música y poesía, al arte multimedia, a los debates de actualidad, a las jornadas sociales y a los talleres familiares y educativos. CaixaForum dispone de más de 2000 metros cuadrados destinados a salas de exposiciones, un auditorio con 322 plazas, una mediateca, varias salas polivalentes para conferencias y otras actividades, talleres de conservación y restauración, y un almacén de obras de arte. La cafetería, la tienda-librería y el restaurante completan la oferta del centro.

Paseo del Prado, 36, 28014 Madrid

91 330 73 00

http://obrasocial.lacaixa.es/

 

 

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Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Academia Bellas Artes San Fernando, Madrid

febrero 82017

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid

La Real Academia de Bellas Artes tiene por objeto “fomentar la creatividad artística, así como el estudio, difusión y protección de las artes y del patrimonio cultural, muy particularmente de la pintura, la escultura, la arquitectura, la música y las nuevas artes de la imagen”. La primera y temprana propuesta de la fundación de una Real Academia de Bellas Artes en España se debe al pintor Antonio Meléndez quien, en 1726, propuso a Felipe V “erigir una Academia de las Artes del diseño, pintura, escultura y arquitectura.”

Alcalá, 13  28014 Madrid

91 524 08 64

http://www.realacademiabellasartessanfernando.com

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Museo Thyssen-Bornemisza

Museo Thyssen-Bornemisza

Museo Thyssen-Bornemisza

febrero 82017

Museo Thyssen-Bornemisza

Creada en 1988, la Fundación Colección Thyssen-Bornemisza se convierte en España en pionera de una nueva fórmula de gestión privada de fondos públicos, cuya eficacia se puso de manifiesto desde la apertura del Museo en octubre de 1992. Desde entonces tanto el Museo como la Fundación que lo gestiona han crecido y evolucionado ampliando las colecciones e instalaciones con la incorporación en 2004 como préstamo a largo plazo de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza y con la ampliación del Palacio de Villahermosa e incrementando el número y variedad exposiciones temporales, programas didácticos y actividades.

Paseo del Prado, 8   28014 Madrid

91 791 13 70

http://www.museothyssen.org/

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Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Museo Centro Nacional Reina Sofía

febrero 82017

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

“El museo ha optado por distanciarse de la narración lineal de la modernidad, tal y como se ha expuesto tradicionalmente, pero también del banal olvido posmoderno de la historia que prolifera en los modelos de exposición más recientes. Hemos querido alejarnos también de las convencionales distinciones entre centro y periferia, atendiendo así a la complejidad de relaciones que se establecen entre lo local y lo universal. La historia que proponemos se materializa en un entramado de micro-narraciones que nos hablan de un tiempo pasado, pero que son siempre en el presente y del presente. Su fin no es abrir una vía de escape, sino el enriquecimiento reflexivo de la experiencia, un aprendizaje que no deriva del adoctrinamiento, sino de la activación de la capacidad de respuesta crítica ante el mundo y, por qué no, ante el museo mismo”.

Santa Isabel, 52  28012  Madrid

91 774 10 00

http://www.museoreinasofia.es

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Museo del Prado, Madrid

Museo del Prado, Madrid

Museo del Prado

febrero 82017

Museo del Prado, Madrid

l Museo Nacional del Prado, desde que fue inaugurado en 1819 y a lo largo de su historia centenaria, ha cumplido con la alta misión de conservar, exponer y enriquecer el conjunto de las colecciones y obras de arte que, estrechamente vinculadas a la historia de España, constituyen una de las más elevadas manifestaciones de expresión artística de reconocido valor universal.

Paseo del Prado, s/n   28014 Madrid

91 330 28 00  

https://www.museodelprado.es

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MARCO, Vigo

MARCO, Vigo

Marco, Vigo

febrero 82017

MARCO, Vigo

El Museo de arte moderno en Vigo, se encuentra ubicado en el antiguo edificio de juzgados y cárcel convertido en museo de arte contemporáneo, centro cultural y biblioteca. Centrado sobre todo en artistas gallegos de primer nivel.

Rúa do Príncipe, 54, 36202 Vigo, Pontevedra

986 11 39 00

http://www.marcovigo.com/

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Museo del Greco, Toledo

Museo del Greco, Toledo

Museo del Greco, Toledo

febrero 82017

Museo del Greco, Toledo

Museo dedicado únicamente a Doménikos Theotokópoulos, más conocido como El Greco. Aunque no es la vivienda donde residió el artista en Toledo, ni donde realizó la mayoría de sus obras, esta se encuentra ubicada en una antigua casa del siglo VI cercana a la original. El edificio estuvo varios años en rehabilitación. Su apertura definitiva tuvo lugar en 2011. Algunas de las obras más importantes que se pueden encontrar en sus interiores son: Vista y plano de Toledo, El Apostolado, El Redentor, San Bernardino, además de varios retratos del artista.

Paseo tránsito, s/n  45002 Toledo

925 99 09 80

http://museodelgreco.mcu.es/

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Museo Picasso, Barcelona

Museo Picasso, Barcelona

Museo Picasso, Barcelona

febrero 82017

Museo Picasso, Barcelona

Más de 4.000 obras del pintor malagueño que se encuentran en el palacio Aguilar, de estilo gótico y situado en la calle Montcada dentro del antiguo barrio de El Born. Fue abierto en 1963 por el amigo y secretario Jaime Sabartés, y la mayoría de las obras fueron donadas por el mismo Picasso. Entre sus pinturas se pueden encontrar Arlequín, Ciencia y claridad o la serie de Las Meninas, además de una amplia colección de grabados.

Carrer Montcada, 15 – 23   09003 Barcelona

932 56 30 00

http://www.museupicasso.bcn.cat/es

 

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Museo N. Arte Romano, Mérida

Museo N. Arte Romano, Mérida

Museo Romano, Mérida

febrero 82017

Museo Nacional de Arte Romano, Mérida

El edificio, inaugurado el 19 de septiembre de 1986, fue declarado Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO por su valor histórico. En él se hallan cerca de 36.000 piezas desde la fundación de Augusta en el 25 a. C hasta la caída del imperio. La colección abarca esculturas y elementos de su antigua arquitectura, ilustraciones, mosaicos, utensilios y enseres de otras épocas como la visigoda. La mayoría de los objetos expuestos han sido extraídos de los antiguos yacimientos, a excepción de algunas colecciones de monedas y otros artículos de valor.

calle José Ramón Mellida, s/n   06800 Mérida, Badajoz

924 31 16 90

http://www.mecd.gob.es/mnromano/home.html

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Museo Würth, La Rioja

Museo Würth, La Rioja

Museo Würth, La Rioja

febrero 82017

Museo Würth, La Rioja

Desde el 2007, el polígono industrial de El Sequero es un lugar de culto para los amantes del arte contemporáneo, donde poder contemplar obras de Andy Warhol, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Fernando Botero, Eduardo Chillida o Roy Lichtenstein, entre otros artistas mundiales. En total, el Museo Würth de La Rioja alberga más de 17.000 piezas de arte de diferentes corrientes artísticas desde el siglo XIX. Una colección privada del empresario y coleccionista alemán Reinhold Würth que se ha convertido en una de las más importantes de Europa.   

Polígono Industrial El sequero, La Rioja

941 01 04 10

http://www.museowurth.es/

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Museo Vostell, Cáceres
febrero 82017

Museo Vostell, Cáceres

El arte más vanguardista único en su género cobra vida en Extremadura, más concretamente en Malpartida de Cáceres. Fundado en 1976 por el artista Wolfgang Vostell, su homónimo museo está especializado en el arte contemporáneo de la posguerra. Muchas de las piezas de arte que encontramos en sus salas están elaboradas con artículos cotidianos como coches, televisiones o algunos realizados con materiales como el hormigón. Los ambientes están divididos en temas como Fiebre del automóvil, Desayuno de Leonardo da Vinci en Berlín o Fluxus Buick Piano. Las esculturas están repartidas por el interior del edificio y por el exterior del mismo.

Calle de los Barruecos, 1  10001 Cáceres

927 01 08 12

http://museovostell.gobex.es/

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MUSAC, León

MUSAC, León

Musac, León

febrero 82017

MUSAC, León

Compuesto por grandes cristaleras de colores, el Museo de Arte Contemporáneo posee una llamativa estructura que fue premiada en 2007 con el Premio Mies van der Rohe de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea. Las diferentes colecciones que se hallan en su interior transcurren desde los años 80 hasta la actualidad, aunque centrado especialmente en los hechos históricos y movimientos artísticos de Europa de finales de los 80 y principios de los 90. En total, más de 1.600 obras de más de 400 artistas de todo el mundo.

Avenida de los Reyes Leoneses, 24    24008 León

987 09 00 00

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Centre Pompidou, Málaga

Centre Pompidou, Málaga

Centre Pompidou, Málaga

febrero 82017

Centre Pompidou, Málaga

Málaga puede presumir de tener entre sus ofertas culturales una sede laboratorio de este prestigioso centro parisino que pretende mostrar al público algunas de las colecciones más originales y creativas jamás realizadas. Con forma de cubículo compuesto por decenas de vidrios de diferentes colores, este museo guarda en su interior una importante colección de obras del siglo XX y XXI divididas en temas como la metamorfosis, los autorretratos, el hombre sin rostro, el cuerpo político y el cuerpo en pedazos. Entre sus exposiciones destacan el cine Dadá, surrealista, y el espacio dedicado a Frida Khalo.

Pasaje Doctor Carrillo Casaux, s/n  Puerto de Málaga, Málaga

951 926 200

http://centrepompidou-malaga.eu/

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Museo Picasso, Málaga

Museo Picasso, Málaga

Museo Picasso, Málaga

febrero 82017

Museo Picasso, Málaga

La fascinante obra del artista malagueño y la belleza del Palacio de Buenavista hacen de este museo un espacio único para disfrutar del arte y la cultura. Las 155 obras de esta galería abarcan desde los primeros estudios académicos a su visión personal del clasicismo; desde los planos superpuestos del cubismo a su investigación con la cerámica; desde su interpretación de los grandes maestros a las últimas pinturas de los setenta.

San Agustín, 8   29015 Málaga

902 443 377

http://www.museopicassomalaga.org/

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MACBA, Barcelona

MACBA, Barcelona

Macba, Barcelona

febrero 82017

Museu d’Art Contemporani de Barcelona – MACBA, Barcelona

Uno de los motores de cambio para la renovación de un barrio, el del Raval, que pasó de ser una zona degradada a una de las áreas más modernas de la capital catalana. El edificio, de Richar Meier, destaca por su combinación de líneas rectas y curvas, grandes espacios interiores y el máximo aprovechamiento de la luz natural. En todas sus galerías podemos ver obras de la segunda mitad del siglo XX.

Plaza de los Ángeles, 1  08001  Barcelona

934 12 08 10

http://www.macba.cat/

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IVAM, Valencia
febrero 82017

Institut Valencià d’Art Modern – IVAM, Valencia

La galería está dedicada al arte moderno y contemporáneo. Cuenta con dos espacios diferentes: el Centre Julio González, dedicado a los fondos del museo y las exposiciones temporales; y la Sala de la Muralla, ubicada en el sótano del edificio, donde se conservan los restos de la antigua fortificación medieval de la ciudad. Su programa de actividades incluye cursos, talleres e incluso conciertos.

Guillem de Castro, 118    46003 Valencia

963 17 66 00

www.ivam.es

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Guggenheim, Bilbao

Guggenheim, Bilbao

Guggenheim, Bilbao

febrero 82017

Guggenheim, Bilbao

El revulsivo que transformó una ciudad, de hecho Bilbao es ahora uno de los grandes destinos turísticos de España. Su arquitectura vanguardista, obra de Frank O. Gehry, nos impresiona gracias a sus formas curvilíneas y un extraordinario juego de volúmenes de titanio que son ya todo un símbolo bilbaíno. Prohibido perderse su exposición permanente ‘La materia del tiempo’ donde nos veremos subyugados por siete impresionantes esculturas de Richard Serra.

Abandoibarra Etorb, 2    48009 Bilbao, Vizcaya.

944 35 90 00

https://www.guggenheim-bilbao.eus/

 

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CaixaForum, Barcelona

CaixaForum, Barcelona

CaixaForum, Barcelona

febrero 82017

CaixaForum, Barcelona

Representa a la tendencia museística que se ha extendido en los últimos años en España, donde las galerías combinan exposiciones con todo tipo de actividades: talleres, conferencias, proyecciones. Esta sala de exposiciones está gestionada por La Caixa a través de la Obra Social de la entidad. Está ubicado en un edificio de gran singularidad, la antigua fábrica Casaramona, de estilo modernista y diseñada por el arquitecto catalán Josep Puig i Cadafalch.

Avenida Francesc Ferrer i Guardia, 6-8  08038 Barcelona

934 76 86 00

http://agenda.obrasocial.lacaixa.es/es/caixaforum-barcelona

 

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El CAAM presenta ‘El iris de Lucy’

El CAAM presenta ‘El iris de Lucy’

Artistas africanas en el CAAM

febrero 72017

Artistas africanas en el CAAM

del 26 de enero al 26 de mayo

El Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) y Casa África de Las Palmas de Gran Canaria presentan la exposición El iris de Lucy. Artistas africanas contemporáneas, que se exhibe de forma simultánea en ambas instituciones, del 26 de enero al 5 de junio en el CAAM y del 27 de enero al 26 de mayo en Casa África. Este proyecto expositivo de escala internacional, comisariado por Orlando Britto Jinorio, llega a la capital grancanaria tras su exhibición en 2016 en el MUSAC de León y en el Museo Departamental de Arte Contemporáneo de Rochechuart, Francia. Su producción en el CAAM cuenta con la colaboración de JTI. El iris de Lucy muestra diferentes esferas de la creación contemporánea africana a través de una selección de 25 artistas procedentes de Argelia, Benin, República Democrática del Congo, Egipto, Etiopía, Gabón, Kenia, Malawi, Marruecos, Nigeria, Senegal, Sudáfrica, Túnez y Zimbabwe, incluyendo dos artistas de Canarias.

La exposición reúne obras de las artistas Jane Alexander, Ghada Amer, Berry Bickle, Zoulikha Bouabdellah, Loulou Cherinet, Teresa Correa, Safaa Erruas, Pélagie Gbaguidi, Amal Kenawy, Kapwani Kiwanga, Nicène Kossentini, Mwangi Hutter, Michèle Magema, Fatima Mazmouz, Julie Mehretu, Myriam Mihindou, Aida Muluneh, Wangechi Mutu, Otobong Nkanga, Yapci Ramos, Tracey Rose, Berni Searle, Sue Williamson, Billie Zangewa y Amina Zoubir.

Las obras reunidas en la exposición permiten entender las complejas y variadas facetas del espacio cultural diverso africano. Son trabajos que abordan la cuestión de género, planteada desde muy diversas perspectivas, y temas relacionados con la identidad, la raza, el cuerpo, la relación con el territorio y las tradiciones, el medio ambiente, la historia, cuestiones coloniales y poscoloniales, la migración y las fronteras, la memoria, la experiencia del exilio o la tradición y el presente.

CAAM Las Palmas

Calle los Balcones, 11, 35001 Las Palmas de Gran Canaria, Las Palmas

928 31 18 00

Inauguración de la exposición 'El iris de Lucy' en el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM). 26 de enerode 2017

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ANA JUAN EN EL MUSEO ABC

ANA JUAN EN EL MUSEO ABC

Ana Juan en el museo ABC

febrero 72017

Ana Juan en el museo ABC

15 de marzo al 11 de junio

Con ayuda de tabletas, dispositivos móviles y gafas de realidad virtual Ana Juan, dibujando al otro lado nos descubre el universo creativo de la autora en una exposición en la que el visitante se convierte en protagonista. El innovador proyecto rompe con los límites expositivos y nos descubre de una manera original y pionera en nuestro país el trabajo de esta ilustradora. Una aventura gráfica que nos acerca de manera diferente a su mundo de claroscuros, predominado por tonalidades acromáticas donde las sombras y las luces están realizadas con precisos trazos de lápiz de carbón. Ana Juan, Premio Nacional de Ilustración 2010, es una de las ilustradoras españolas más reconocidas internacionalmente. Además de ilustrar libros, carteles y diversas campañas de publicidad, ha diseñado portadas para prestigiosas revistas como The New Yorker , colaborando en más de veinte ocasiones. Ana Juan (Valencia, 1961) se licenció en Bellas artes en 1981 y se trasladó a Madrid un año después donde se dio a conocer en publicaciones como Madriz y La Luna y colaboraciones con los periódicos El País y El Mundo. Desde entonces ha trabajado internacionalmente ilustrando libros, carteles, campañas publicitarias y portadas de prestigiosas revistas como The New Yorker. Para esta publicación destaca la portada Solidaritée, realizada con motivo del atentado a la revista Charlie Hebdo en enero de 2015.

Museo ABC

Calle Amaniel, 29. 28015 Madrid

917 58 83 79

info@museoabc.es

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Towards silence, de C. Andrade en Aldama Fabre

Towards silence, de C. Andrade en Aldama Fabre

Towards silence, de C. Andrade en Aldama Fabre

febrero 72017

Towards silence, de C. Andrade en Aldama Fabre

26.01.2017 – 18.03.2017

La muestra se configura a partir de piezas poéticas que Andrade crea a partir de la búsqueda con la mirada del encuentro personal. Silencio como punto de partida vital, como el germen de la creación artística, y en otros casos, como el resultado. Comenzamos desde el vacío en esta investigación, donde se produce el inicio de la creación artística, cuya obra parte de la reflexión (en silencio) y finaliza con el encuentro de este.
Carla Andrade (n.1983, Vigo, España) Licenciada en Comunicación Audiovisual y actualmente finalizando la Licenciatura en Filosofía.
Ha presentado sus obras de forma individual en exposiciones como Kuch Nahi en el MAC, A Coruña y Geometría de ecos en CDAN, Huesca, en la Fundación BilbaoArte, Bilbao y en el Instituto Portugués de Porto. De forma colectiva, su trabajo se ha mostrado en centro de arte contemporáneo como el Museo Guggenheim de Bilbao, el MARCO de Vigo, La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, el 104 de Paris, el CGAC en Santiago de Compostela, etc; en festivales de fotografía y cine como PhotoEspaña, el Mois de la Photo (Francia), Encontros da Imagem (Portugal), Zinebi (Bilbao), y en países como EE.UU, Brasil, Rumanía, Alemania y Reino Unido.
Ha recibido numerosos reconocimientos como el Primer Premio XV Premio Joven Artes Plásticas de la Universidad Complutense de Madrid, Premio Franc Vila y el Premio Mujeres-Foro-Diálogo Alliance Française/ Pilar Citoler.
Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas como CA2M, MAC Gas Natural Fenosa, Franc Vila, Alliance Française, entre otras.

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Pelucas Bubbles en Diwap Gallery

Pelucas Bubbles en Diwap Gallery

Pelucas Bubbles en Diwap Gallery

febrero 72017

Pelucas Bubbles en Diwap Gallery

19 de enero – 23 de abril de 2017

El artista Pelucas Bubbles viene a Sevilla cargado con sus últimas creaciones para llenar de color y formas casi abstractas la sala de Diwap Gallery. El artista gallego, residente del mundo entero, pega un salto para llegan a la capital hispalense, al pleno centro del casco antiguo con más de 30 obras de sus últimos trabajos. Composiciones casi abstractas en mediano y pequeño formato crean la imaginería de este artista que utiliza la libertad de expresión, la improvisación y su dominio del color para crear un submundo muy personal y divertido a la vez que irreverente.  Con una trayectoria muy ligada al mundo del graffiti, siendo una de las figuras más influyentes y con mayor personalidad del panorama artístico urbano actual, Pelucas ha viajado y plasmado su obra en muros de todo el mundo. México, Francia, Italia, Berlín, Londres, tienen la suerte de contar con murales de este artista y ahora Sevilla también entra en el mapa. Ha participado en colectivas por todo el mundo para las galerías más punteras en el arte del graffiti y arte urbano. Junto con su hermano gemelo Liqen y otros artistas como Nano 4814 (paisano de Vigo y compañero de pinturas en muchas ocasiones), podemos decir que es uno de los artistas urbanos gallegos más respetados y reconocidos a nivel internacional.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, su disciplina artística no se para en la pintura mural: la instalación, escultura, performance o dibujo son otras que este artista maneja a la perfección. Todo su trabajo tiene una seña de identidad que solo él posee.

Diwap Gallery

Calle Feria 40, 41003 Sevilla

+34 644 97 61 51

info@diwapimagen.com

 

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38 Picassos en Málaga

38 Picassos en Málaga

El Museo Picasso Málaga presenta 38 picassos

febrero 72017

38 Picassos en el Museo Picasso de Málaga

16 Ene. – 26 Mar. 2017

El Museo Picasso Málaga presenta una selección de las obras de Pablo Picasso que a lo largo de seis años y por cortesía de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso por el Arte (FABA) han enriquecido la colección permanente del museo y que ahora se muestran en conjunto y en solitario por primera vez. Realizadas entre 1903 y 1972 este conjunto de obras abarca la casi totalidad de su trayectoria artística, permitiendo al espectador constatar una vez más la diversidad temática, así como la evolución del artista durante su dilatada y fecunda trayectoria.

Museo Picasso Málaga

Palacio de Buenavista, Calle San Agustín, 8, 29015 Málaga

952 12 76 00

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Okuda San Miguel en StolenSpace Gallery

Okuda San Miguel en StolenSpace Gallery

Okuda San Miguel en Londres

febrero 72017

Okuda San Miguel en Londres

03/02/2017 al 26/02/17

Después de sus últimas exposiciones individuales en Lisboa y Barcelona, la nueva propuesta artística de Okuda San Miguel, “Lost Olympus”, llegará a la galería londinense.  En “Lost Olympus” Okuda nos ofrece una re-presentación de los ídolos y personajes mitológicos de la antigua Grecia como iconos contemporáneos a través de sus estructuras geométricas, patrones multicolores y escenas oníricas, y como parte de su continua reflexión acerca de nuestras contradicciones, anhelos, intuiciones y creencias. El arte de Okuda puede ser clasificado como Surrealismo Pop con una influencia importante de su trabajo en espacios públicos como muralista. Una continua investigación formal y conceptual llevada a cabo en innumerables viajes y en contacto con diferentes entornos que destilan los elementos universales de su obra. Una cierta inquietud existencial y una profunda curiosidad por la historia de las diferentes culturas que encuentra en su camino le han llevado a admirar la forma elegida en cada uno de ellas para representar sus dioses, leyendas y mitos como un repertorio de imágenes y conceptos complementarios. Deidades creadas para apaciguar las insatisfacciones de la sociedad y las incertidumbres de nuestra existencia proyectadas desde un universo infinito en el que la naturaleza es nuestra única certeza.

StolenSpace Gallery

17 Osborn Street London. E1 6TD

44 20 7247 2684

contact@stolenspace.com

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POLVO EN NUESTROS OJOS, en Twin Gallery

POLVO EN NUESTROS OJOS, en Twin Gallery

Polvo en nuestros ojos, en Twin Gallery

febrero 72017

Polvo en nuestros ojos, en Twin Gallery

1 de febrero – 10 de Marzo 2017

Twin Gallery inaugura Polvo en nuestros ojos, una exposición colectiva comisariada por Fortunata Calabrò en la que participan la artista guatemalteca Regina José Galindo, con el vídeo “El dolor en un pañuelo” y la poesía Nadie me calla; la mejicana Luz María Sánchez, que presenta una versión de la instalación sonora “2487”; el artista palestino Bashar Alhroub muestra la instalación “The land of diamond” y Ali Cherri, artista libanés, exhibe el vídeo “Un Cercle autour du Soleil”.  La exposición, que se podrá visitar hasta el 10 de marzo, analiza cómo el arte  responde a los acontecimientos contemporáneos y presenta un diálogo entre las prácticas artísticas del mundo árabe y de América latina, como una exploración de varias estéticas. Esta exposición investiga la representación de dos áreas del sur del globo en la escena internacional del arte contemporáneo. Enfocándose en la historia de estas regiones, explora las diferencias entre ambas, así como el modo en que cada una de ellas construye su propio imaginario social. Propone una invitación: cruzar los límites a lo largo de nuevos caminos, una búsqueda de conocimientos no mitigados por el sensacionalismo de los medios globales. El tema es abordado mediante una mirada que parte de lo local para llegar a lo global, considerando diferentes perspectivas históricas y geográficas referentes a los dos territorios. En este sentido, la muestra introduce una reflexión no solo en el contexto de la estética, sino también en el contexto de la política y la sociología. Los artistas no intentan describir situaciones ni provocar al público, sino que más bien, alientan el desarrollo de estrategias innovadoras para narrar la necesidad de una “responsabilidad social”, e incitar así, un diálogo sobre la realidad que nos rodea trazando conexiones entre los sentidos de la conciencia y sus representaciones en el mundo. Regina José Galindo – El dolor en un pañuelo (1999) En este trabajo, Galindo aparece desnuda en una habitación oscura. Se encuentra atada a una cama vertical y sus ojos están vendados, creando así una reinterpretación de la crucifixión. Sobre su cuerpo desnudo se proyectan noticias de violaciones y humillaciones, junto al asesinato y abuso de mujeres en Guatemala. Esta imagen de Galindo contiene un ritmo fundamental de su corpus artístico, lleno de verdad y denuncia. Expresiva y directa con sus representaciones, Regina José Galindo despliega la desnudez de la realidad, conteniendo en su piel el eco visual y la memoria de los cuerpos de todas aquellas mujeres que han sufrido violencia.

Twin Gallery

Calle San Hermenegildo 28 28015, Madrid, España

+34  912 870 011

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Antonio Ballester Moreno en La Casa Encendida

Antonio Ballester Moreno en La Casa Encendida

Ballester Moreno en La Casa Encendida

febrero 72017

Ballester Moreno en La Casa Encendida

Del 3 de febrero al 23 de abril de 2017

La Casa Encendida de Fundación Montemadrid presenta la exposición de Antonio Ballester Moreno, uno de los nombres más destacados de la pintura actual en España. Comisariada por Tania Pardo, ¡Vivan los campos libres de España! es una invitación a la contemplación, a través de treinta enormes lienzos, donde el artista retoma gran parte de su imaginería basada en la geometría, la cultura popular y la naturaleza. La exposición, concebida como una gran instalación, representa el otoño a través de la lluvia, el sol y la luna, elementos que remiten a las formas básicas geométricas y, a su vez, al contexto en el que surgieron las primeras vanguardias artísticas y algunas de sus temáticas más características como son el primitivismo, la infancia, la geometría, el arte concreto, la abstracción, la figuración o el realismo. Las obras de Antonio Ballester remiten a un mundo de colores primarios, de formas infantiles donde los materiales como el yute sin tratar o el barro reproducen una obra de singular belleza que recuerda a algunos artistas de aquellas primeras vanguardias como Paul Klee, Joan Miró o Josef Albers. La selección de obras para la muestra conforma un hermoso paisaje natural y evidencian el personal estilo del artista.  En los últimos años, el lenguaje formal de Antonio Ballester Moreno (Madrid, 1977) ha ido depurándose hacia la simplificación de formas y colores que remiten a lo más básico, a los orígenes. Investiga las relaciones y patrones de comportamiento en la naturaleza y su influencia en disciplinas como la educación, la ecología, la psicología y, por supuesto, la estética y el arte. La posición de Antonio Ballester Moreno con respecto al trabajo manual es ideológica; por tanto, su práctica será la manifestación de una clara actitud del artista ante la vida. El título de la muestra ¡Vivan los campos libres de España! es una frase del escultor Alberto Sánchez que surge en una de las excursiones junto al pintor Benjamín Palencia por los alrededores del Madrid de finales de los años veinte y principios de los treinta. La frase se recoge en el libro Palabras de un escultor escrito por él mismo en conversaciones con Luis Lacasa.

La Casa Encendida

Ronda de Valencia, 2. 28012 Madrid

91 368 63 58

comunicacionlce@montemadrid.es

ballester moreno

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Miguel Fructuoso en Galería T20

Miguel Fructuoso en Galería T20

Miguel Fructuoso en Galería T20

febrero 72017

Miguel Fructuoso en T20

27 de enero – Marzo 2017

En palabras de un gran conocedor de su obra Pedro Medina afirma: «La exposición Utopía muestra acontecimientos de la tradición del arte contemporáneo desde una hermenéutica crítica, en los que el pintor Miguel Fructuoso (Murcia, 1971) vuelve a pensar el pasado como algo propio. De esta forma, cada referencia original es abordada desde el homenaje, aunque sin sucumbir a la idolatría, pues pasa por el filtro de la descomposición para ser apropiada en su recreación, en su traducción, que, como tal, se sitúa en el lugar de otro para vivir de nuevo una experiencia y hacerla suya. El resultado: una realidad nueva, diferente, de esa obra que para nosotros tiene la gravedad de lo canónico y que para el artista es la condición que aboca a una búsqueda inagotable».

Galería T20

Calle Victorio, 27  30003 Murcia

968 21 58 01

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Miss Van en galería Víctor Lope

Miss Van en galería Víctor Lope

Miss Van en galería Víctor Lope

febrero 72017

Miss Van en galería Víctor Lope

26 de enero al 11 de marzo de 2017

La galería Víctor Lope Arte Contemporáneo presentará nueva exposición a cargo de la artista Miss Van, mostrando una veintena de piezas inéditas y con la presencia de la artista. ‘Flor de Piel’, en palabras del escritor Bill Jiménez, es el fruto de una creatividad que conecta con las inquietudes del romanticismo clásico, con el yo autoconsciente que anda tras una nueva perspectiva, que indaga a través de sus sentidos en lo sublime… Retóricas íntimas, personales, que buscan verdades en el interior de la densa selva de las emociones humanas. Miss Van pasea por esos interiores, el suyo, el nuestro, y recolecta las semillas que germinarán en sus obras. Es un ejercicio de cortejo, con un erotismo excelso y constructivo, capaz de establecer nuevas y profundas líneas de diálogo.

Miss Van inició su carrera artística en 1993, con tan solo 20 años, haciendo murales en las calles, siendo una de las mujeres artistas pioneras en el mundo del street art. Originaria de Toulouse, Francia,  ha desarrollado gran parte de su vida artística en Barcelona, ciudad en la que reside en la actualidad. La artista ha recorrido el mundo pintando a sus mujeres reconocibles al instante, tanto en las calles como en lienzo o en papel. En las obras que componen ‘Flor de piel’, confirmamos la sutil evolución de su imaginario y la reafirmación de una fórmula que, sin desligarse de producciones anteriores, añade la profundidad que solo se obtiene por medio de la experiencia. Ha realizado durante estas dos décadas numerosas exposiciones a nivel internacional en Europa, Estados Unidos y Asia. Destacar sus exposiciones en Los Angeles, tanto en galerías como su intervención en el MOCA (Museum of Contemporary Art), Miami, España (exposición individual en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC)), y numerosas exposiciones colectivas en Nueva York, Londres y diversas capitales europeas.

Víctor Lope Arte Contemporáneo

C/Aribau, 75 08036 Barcelona

 +34 936 675 559

galeria@victorlope.com

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Fernanda Fragateiro en Elba Benítez

Fernanda Fragateiro en Elba Benítez

Fernanda Fragateiro en Elba Benítez

febrero 72017

24 de febrero – abril 2017

La Galería Elba Benítez anuncia la próxima exposición de Fernanda Fragateiro, forget me (not), que se inaugurará el viernes 24 de febrero, coincidiendo con ARCOmadrid 2017. Forget me (not) presentará una selección de trabajos nuevos y recientes de Fragateiro, que muestran la base investigadora de la artista portuguesa, una fértil revisión desde el punto de vista crítico y artístico de las prácticas en las vanguardias del siglo XX en el arte, el diseño y la arquitectura. En particular, forget me (not) se centrará en un diálogo artístico entre Fragateiro y la obra de Otti Berger, una ignorada artista textil, participante clave de la Bauhaus y que, como judía en la Alemania Nazi, fue enviada a su muerte al campo de concentración de Auschwitz. Las nuevas obras de Fragateiro, tuvieron como inspiración el ejemplo experimental de Berger, particularmente sus cualidades táctiles y ópticas.

El trabajo de Fernanda Fragateiro (Montijo, Portugal, 1962) se caracteriza por un vivo interés en las prácticas vanguardistas en arte y arquitectura del siglo XX, un interés que implementa en sus esculturas e instalaciones. Si bien se basa en una amplia gama de referencias, el trabajo de Fragateiro conserva un marcado estilo personal, nacido de una economía de medios y una meticulosa estética minimalista de forma, color y textura. El trabajo de Fragateiro se ha expuesto en Palm Springs Art Museum (2016), Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa, 2016, 2012, 2004; París, 2013; Londres, 2013), CaixaForum (Barcelona, 2016, 2004), Orlando Museum of Art (2015), Palais des Beaux-Arts de Paris (2015), Carpenter Center for the Visual Arts, Harvard University (Cambridge, 2015), Krannert Art Museum (Champaign, 2015), CIFO Art Space (Miami, 2014), Bronx Museum (Nueva York, 2014), KOLDO MITXELENA Kulturunea (San Sebastián, 2014), MUAC Museo Universitario Arte Contemporáneo (Ciudad de México, 2014), Dublin Contemporary (2011), Trienal de Arquitectura de Lisboa (2010), Fundación Botín, (Santander, 2009, 2005), IVAM Institut Valencià d’Art Modern (Valencia, 2008), CCB Fundação Centro Cultural de Belém (Lisboa, 2007, 2003), CGAC Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela, 2006, 2005, 2004, 2003, 2000), Fundação de Serralves (Oporto, 2006, 2005), Fundação Caixa Geral de Depósitos Culturgest (Lisboa, 2003, 2002, 2001, 2000). forget me (not) será la quinta exposición individual en la Galería Elba Benítez.

Galería Elba Benítez

Calle San Lorenzo, 11, 28004 Madrid

913 08 04 68

info@elbabenitez.com

 

 

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LEVI ORTA en Galería Sicart

LEVI ORTA en Galería Sicart

LEVI ORTA en Galería Sicart

febrero 72017

11/02/17 –  31/03/17

¿Estaré haciendo arte político de derechas?

Levi Orta (Havana, Cuba, 1984, reside en Catalunya) investiga el componente creativo dentro de lo político, centrándose en las imprecisiones de la frontera entre el arte-política, imprecisiones donde la realidad se vuelve irracional y por consecuencia una obra de arte en potencia. Levi está interesado en resaltar el matiz político subversivo de las realidades político-artísticas reproduciendo sus propios mecanismos y estrategias, siempre desde una postura cínica e irónica que atenta solapadamente contra lo hegemónico. Sus piezas se desarrollan en el campo de lo real en donde realiza acciones conductuales que posteriormente son presentadas como instalaciones, videos, y/o fotografías.

¿Estaré haciendo arte político de derechas? Notas sobre la forma es su primera exposición individual en Catalunya. Combinando 6 proyectos que juntos muestran una de las aristas de su investigación, Levi nos propone repensar la forma en que las posiciones ideológicas se mezclan con el arte y sus distintos actores. ¿Existe un arte político de izquierdas y otro de derechas? ¿El arte político siempre debe hacer lo correcto? ¿Se puede ser de izquierdas cuando tus referentes son de derechas o viceversa? Estas son algunas de las preguntas que Levi se plantea analizar en la exposición.

Galería Sicart

 C/ Font, 44, 08720 Vilafranca del Penedès, Barcelona

938 18 03 65

galeriasicart@galeriasicart.com

levi orta

 

 

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Michael Chow en Ivorypress

Michael Chow en Ivorypress

Michael Chow en Ivorypress

febrero 72017

22 de febrero al 13 de mayo de 2017

Michael Chow estudió en la Saint Martin’s School of Arts y la Hammersmith School of Building and Architecture (Londres, UK). Después de pintar prolíficamente durante una década, en 1968 fundó su primer restaurante, MR CHOW, en Knightsbridge, Londres, donde promocionó con pasión la grandeza de China. Michael orquesta arte, arquitectura, diseño y cocina en un teatro participativo. Sus obras figuran en numerosas colecciones privadas y en el Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York. Hace años empezaron a aflorar en los cuadros de Michael Chow acumulaciones amorfas de restos de plástico. Esas formas díscolas que parecen tener vida propia son la representación del Vórtice del Pacífico que ha ideado el artista. Para esta muestra Chow ha utilizado el vocabulario de la pintura abstracta con el fin de abordar uno de los problemas ecológicos más acuciantes del mundo. Sus cuadros están formados por una amalgama de materiales dispares que van desde bolsas de dinero, capas de plata pura y periódicos quemados hasta huevos crudos conservados en resina. Las inesperadas combinaciones de objetos en sus obras reflejan las experiencias únicas que han modelado la vida del artista. Chow describe su trabajo como caos controlado en una representación del yin yang, a medio camino entre la pintura y la escultura y con cierta tendencia a que la mezcla de todos los elementos sea tratada como una receta.
Ivorypress

C/ Comandante Zorita 48  28020 Madrid

914 49 09 61

bookshop@ivorypress.com

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CUARTA PARED. Combustión Espontánea

CUARTA PARED. Combustión Espontánea

CUARTA PARED. Combustión Espontánea

febrero 72017

26 de enero – 1 de abril de 2017

La percepción es el primer conocimiento que tenemos de un objeto por medio de las impresiones que comunican los sentidos. Coleridge acuñó el término ‘Suspensión de la Incredulidad’ tratando de analizar la voluntad de un espectador para dejar de lado su sentido crítico ignorando incoherencias o incompatibilidades de la pieza en que se encuentra inmerso, permitiéndole adentrarse en el mundo de ficción representado en la obra pictórica. En el mismo momento en que indagamos en dicho concepto, rompemos la llamada ‘Cuarta Pared’ de Diderot para iniciar el proceso de captación de unas piezas aparentemente abstractas que consiguen trasladarnos a un mundo desconocido para los sentidos humanos. Tanto Din Matamoro como Alan Sastre crean una realidad ficcionada, cuya apariencia no refleja el carácter íntimo de su trabajo, puesto que sus formas, tonalidades e iluminación se desvanecen ante una mirada profunda. Las piezas de Din proyectan la energía que existe detrás de la pintura, por lo que la mirada traspasa la obra dejando ver veladuras y capas sin rebotar en la misma. Alan Sastre, explorando las zonas de fricción entre la realidad abstracta y figurativa, juega con el automatismo psíquico del inconsciente, haciéndonos creer que estamos viendo aquello que realmente no existe.

Galería Combustión Espontánea

Calle Amaniel, 20. 28015, Madrid

910 396 145 

cuarta pared

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EL MAPA Y EL TERRITORIO. Camara oscura

EL MAPA Y EL TERRITORIO. Camara oscura

EL MAPA Y EL TERRITORIO. Camara oscura

febrero 72017

10 de marzo – 20 de mayo 2017

En la novela “El mapa y el territorio” de Michel Houllebecq su protagonista Jed Martin -artista en ciernes- tiene la idea que marcará su vida: convertir un mapa Michelin en una obra de arte. Los artistas seleccionados en este proyecto son creadores de mapas, son cartógrafos. Elina Brotherus (Helsinki, Finlandia, 1972) eleva a la mujer como protagonista absoluta del paisaje, una presencia poderosa y renovadora. Por su parte, Alberto Franco Díaz (Cádiz, 1977) cuestiona la relación entre procesos geológicos y sociales con un enfoque topográfico. Nanna Hänninen (Rovaniemi, Finlandia, 1973) crea “nuevos paisajes” desde la abstracción de la realidad. En cambio, Ellen Kooi (Leeuwarden, Holanda, 1962) articula la relación entre los habitantes y su territorio. Johann Ryno de Wet (Johannesburgo, Sudáfrica, 1982) sueña con una tierra post-apocalíptica con escasas trazas de esperanza. Por último, el trabajo de Irene Sánchez Moreno (Granada, 1983) gravita sobre paisajes virtuales de una infinitud abismal e inalcanzable, en los mismos límites del mundo. Muestra comisariada por Juan Curto.

camara oscura

c/ Alameda, 16, 1º B 28014 Madrid

info@camaraoscura.net

91 429 17 34

Irene Sánchez Moreno_Constante_camara oscura

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CARTONS. Alex Katz en Javier López & Fer Francés

CARTONS. Alex Katz en Javier López & Fer Francés

CARTONS. Alex Katz en Javier López & Fer Francés

febrero 72017

24 de febrero-  9 de mayo de 2017        

Se presenta por primera vez en Madrid la exposición dedicada a los cartones del artista norteamericano Alx Katx (1927). Los monumentales cartones que le sirven de dibujos preparatorios para sus pinturas se han expuesto en muy pocas ocasiones, la primera vez en el Museo Albertina de Viena en 2005. Cartoons propone un recorrido por su trayectoria de las cinco últimas décadas a través de magistrales ejemplos  de los dibujos  que ha empleado en pinturas emblemáticas   como Face of the Poet (1972), Eleuthera (1984), Big Red Smile (1993-94), Visor (2003) o Bathing Cap Ada (2010). Actualmente, Alex Katz es reconocido como uno de los principales artistas norteamericanos, pero su obra no se expuso a nivel   internacional hasta la    década de 1970 y su influencia  se ha hecho más notable desde finales de los años 80. Basándose en el all-over del Expresionismo Abstracto, persiguió un acercamiento original a la pintura figurativa antes del surgimiento del Minimalismo y el Pop Art. El dibujo es una parte esencial en su método de trabajo, le permite observar la luz, ajustar el diseño, equilibrar la composición, establecer la escala correcta y crear un estado de ánimo, para conseguir en sus pinturas la estética fría del presente inmediato.

Galería Javier López & Fer Francés

Calle Guecho, 12 B. La Florida. E-28023 Madrid  

Tel. + 34 915932184

info@javierlopezferfrances.com

 

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ROMA. Guerrero, en Alarcón Criado

ROMA. Guerrero, en Alarcón Criado

ROMA. Guerrero, en Alarcón Criado

febrero 72017

3 de febrero – 6 de mayo, 2017

La exposición `Roma´ reunirá una parte significativa del trabajo desarrollado por José Guerrero en Roma, ciudad en la que reside desde el año 2015.  Junto a una selección de trabajos fotográficos, en la muestra se podrá ver la primera obra audiovisual realizada por el artista granadino.  José Guerrero presenta una nueva serie de fotografías cuya temática gira en torno a los estratos arquitectónicos e ‘imaginarios’ de una ciudad, Roma, cuyo significado trasciende sus fronteras y su propio tiempo. Se trata de un trabajo en el que el artista se concentra su investigación en torno a la estratigrafía más oculta de la ciudad y cuya documentación termina por convertirse en el eje vertebrador de su discurso. Un discurso que se detiene en las interfaces, en la erosión de las superficies, en la paradoja del carácter caduco de la ciudad eterna, en la documentación de lo que estuvo enterrado en el pasado, pero también en registrar lo que continúa bajo tierra y oculto en el presente.  Como en ocasiones anteriores, José Guerrero ha trabajado desde los iconos y el carácter concreto de la ciudad, pero siempre en busca de una ‘visión universal’. En esta ocasión, la ciudad de Roma le otorga a sus planteamientos una mayor significación y simbología.

Galería Alarcón Criado

C/ Velarde nº9 41001
Sevilla (España)
+34 954 221 613
info@alarconcriado.com

Villa Livia 2016 (160418_157)

 

 

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17 DICIEMBRE, 2016 – 18 FEBRERO, 2017
La exposición, titulada New Enter Image, consistirá en una serie de imágenes textiles abstractas a gran escala, que vinculan la fotografía, el tejido, la arquitectura y el paisaje. Combinando innovadora tecnología fotográfica y textil con la distintiva sensibilidad estética de Bäckström, las nuevas producciones incluidas en New Enter Image crean una experiencia alucinatoria de ficción y realidad, imitación e ilusión, distorsión e hiperrealismo, de ver imágenes desde dentro y desde fuera: donde la resolución de la imagen fotográfica termina, continúan los hilos del tejido.
Miriam Bäckström ha expuesto individualmente en Moderna Museet (Estocolmo, 2007, 2003), Centre de la Photographie (Ginebra, 2006), Museum für Gegenwartskunst (Basel, 2004), FRAC Fonds Régional d’Art Contemporain (Dunkerque, 2001), ICA Institute of Contemporary Art (Londres, 2000), entre otros. Representó a Suecia (junto con Carsten Höller) en la 51ª Bienal de Venecial (2005), y fue finalista en la edición de 2012 de Artes Mundi en Cardiff, donde su trabajo ganó el Premio del Público. New Enter Image será la cuarta muestra de la artista en la galería.

ORGANIZADOR

Elba Benítez Gallery
Teléfono:
91 308 04 68
Email:
Pagina Web:
www.elbabenitez.com
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Malba.

Malba.

Museo de arte contemporáneo Buenos Aires

enero 82017

Malba. Museo de Arte Latinoamericano. Buenos Aires

Desde las primeras manifestaciones artísticas de vanguardia, hasta las últimas producciones contemporáneas, están presentes en sus amplias salas. En ellas alberga una valiosa colección que supera las 200 obras, sumado a objetos de 78 artistas latinos del siglo XX, procedentes de Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Chile, Cuba, Ecuador, México, Uruguay y Venezuela, quizás allí está su máximo valor.

Click here to learn more

DIRECCIÓ: Avenida Presidente Figueroa Alcorta, 3415 Buenos Aires

TELÉFONO: 54 11 4808 6500

WEB: http://www.malba.org.ar/

 

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ENERO 3FEBRERO 26

High-Rise es una respuesta plástica a la nueva arquitectura del museo como ejercicio de ocupación  La instalación forma parte del proyecto “Acupuntura. La arquitectura del CA2M en transición” 

El Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid muestra una pieza de escala monumental, High-Rise, de Sergio Prego que supone un gesto artístico específicamente concebido para investigar las potencialidades del nuevo espacio expositivo de tres plantas de altura abierto en el corazón del museo en la primera fase de Acupuntura. A medio camino entra la escultura y la arquitectura, High-Rise está formada por diferentes módulos de forma geométrica regular: una serie de tetraedros realizados con membranas neumáticas de plástico transparente que habitan el espacio del museo. La monumentalidad de la obra contrasta con la inmaterialidad y la ligereza de su material: su forma ejerce presión sobre el enorme espacio al tiempo que su apariencia efímera subraya su carácter de instalación específica y temporal. Prego experimenta de este modo sobre la ocupación del espacio y pone en cuestión la materialidad del objeto artístico a través de una performatividad implícita en su colocación en el espacio. Sergio Prego (San Sebastián, 1969) es un escultor vasco, perteneciente a la generación gestada en el espacio de experimentación de Arteleku en San Sebastián. Durante más de una década estuvo instalado en Nueva York, donde fue durante años el único artista dentro de un grupo de ingenieros y arquitectos que componían el estudio del clásico del arte conteptual Vito Acconci. A lo largo de su trayectoria ha venido cuestionando y reformulando su adscripción a esa tradición, la de la performatividad y la crítica institucional del arte de los años 60 a través del vídeo, la intervención espacial, la escultura y la arquitectura neumática.sergio-prego

DETALLES Comienza: enero 3 Finaliza: febrero 26

Pagina Web: http://www.ca2m.org/es/en-curso/sergio-prego

ORGANIZADOR CA2M Teléfono: 91 276 02 21 Pagina Web: http://www.ca2m.org/

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